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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica | 27 September 2016 | Spain)
Tres estrenos de Abras en Viena, Berlín y Varsovia
​REDACCIÓN
​Viena

Viena, Berlín y Varsovia son las capitales europeas que en septiembre acogieron, respectivamente, el estreno de tres obras de Juan Manuel Abras: The Hermit, Kinderlachen y Ania jest…. El estreno austriaco de la primera pieza tuvo lugar en la exclusiva enoteca vienesa Porta Dextra de la compañía Haas&Haas, construida sobre restos de época romana en las inmediaciones de la catedral de San Esteban, y estuvo a cargo de dos intérpretes húngaras: la violinista Édua Zádory y la bailarina Beatrix Simkó. Por otra parte, el estreno absoluto de Kinderlachen fue llevado a cabo por la flautista alemana Sylvia Hinz, durante el tercer concierto del ciclo Fat Cat Concerts, en el Centro de Arte Kunstquartier Bethanien de Berlín. Asimismo, el clarinetista polaco Michał Górczyński fue el encargado de interpretar por primera vez Ania jest..., en la sala barStudio del Palacio de la Cultura y la Ciencia, dentro del marco del célebre Festival Internacional de Música Contemporánea Otoño de Varsovia.

Inspirada en una pintura de Arnold Böcklin, The Hermit (en español, El eremita) es una obra sacra en la cual Abras toma como materia prima el canto del jilguero español, combinándolo con un himno medieval mariano para dar cabida a la improvisación musical y coreográfica de los intérpretes, quienes representan a un monje y un ángel. Por su parte, Kinderlachen (La risa de los niños) amalgama diversas técnicas extendidas de ejecución con un material sonoro procedente de auténticas carcajadas infantiles, cuyos parámetros sonoros subyacen en la estructura de la pieza. A su vez, partiendo de una reflexión sobre el amor idealizado y la realidad, Abras conjuga en Ania jest... (Anita es…) diferentes elementos: el concepto de “multimedialidad natural” acuñado por Górczyński, algunas técnicas clarinetísticas ideadas por éste, varias citas musicales de Verdi y Puccini, diversos textos en polaco y media decena de representaciones gráficas de estados de ánimo, así como de acciones corporales.

Juan Manuel Abras, compositor español de origen catalán, gallego y vasco, es también argentino y se crió en Madrid antes de trasladarse con su familia a Buenos Aires durante su adolescencia. Más tarde se radicó en Venecia, Bilbao, Viena, Cracovia y otras ciudades europeas, donde tuvo oportunidad de estudiar con maestros como Krzysztof Penderecki, Karlheinz Stockhausen, Helmut Lachenmann, Wolfgang Rihm, Leopold Hager, etc.​
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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica | 21 March 2016 | Spain)
Estreno en Hungría de Abras
REDACCIÓN
Fránkfurt

La música actual y la danza contemporánea se conjugaron durante el reciente estreno en Hungría de The hermit, una nueva obra sacra del compositor argentino-español Juan Manuel Abras basada en el cuadro Der Einsiedle de Arnold Böcklin, óleo que también sirviera de inspiración a Max Reger. El evento estuvo a cargo de la violinista Édua Zádory y la bailarina Beatrix Simkó, artistas húngaras radicadas en Viena, y tuvo lugar en el castillo que el noble Francisco Nádasdy poseía en la localidad de Sárvár, famoso por sus frescos barrocos y hoy convertido en museo.

La obra de Abras recurre a la fauna ibérica para combinar las duraciones y alturas contenidas en el canto del jilguero español (Carduelis carduelis parva) con las notas presentes en el himno mariano medieval Ave Maris Stella, dejando al mismo tiempo lugar a la improvisación del instrumentista, quien debe asumir el rol de un eremita que toca su violín frente a una imagen de la Virgen María mientras es observado atentamente por un ángel en puntas de pie, papel representado por una bailarina vestida de blanco.

Abras, nacido en Estocolmo y criado en Ginebra y Madrid, recibió su formación musical en Austria, Alemania, Italia, Polonia, España y Argentina, estudiando con Krzysztof Penderecki, Kurt Schwertsik y Roberto García Morillo mientras se formaba también con compositores como Karlheinz Stockhausen, Helmut Lachenmann y Wolfgang Rihm.

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(Unidiversidad | ​11 March 2016 | Argentina)
Presentarán un catálogo de música latinoamericana para violín
11 MAR 2016, 10:21.

Se trata de una publicación virtual de la Editorial de la UNCUYO (Ediunc), que ofrece datos sobre las obras compuestas para violín en América Latina durante los siglos XX y XXI. Acompaña al catálogo web un librillo impreso junto a un CD con canciones interpretadas por Mariela Nedyálkova, Ynes Batura, Nurma Fiumecaldo, Elena Dabul y Arkadi Gologorski. El material se dará a conocer el próximo martes 15 de marzo a las 21.30 en el teatro Quintanilla.
   
“Creación latinoamericana para violín. Catálogo de obras de los siglos XX y XXI” es el nombre de la nueva obra de la Editorial de la Universidad, que constituye un aporte para la investigación de muchos académicos y profesionales en el futuro, aportando datos esquivos y hasta ahora inaccesibles. A la presentación asistirán su autora, la violinista Mariela Nedyálkova, la directora de la Ediunc Pilar Piñeyrúa y los compositores Susana Antón de la UNCUYO y Dante Grela de la Universidad Nacional de Rosario.

Durante el encuentro Magdalena Scattolini, Cielo González, Yanet Gerico, Jose Fernandes Pereira Neto y Fernando Velázquez (en violines), Laura Sepúlveda (en piano) e Ivania Ríos Román (en flauta)  interpretarán obras de Keyla Orozco Alemán (Cuba-Holanda), Carlos Florit (Uruguay-Argentina), Juan Manuel Abras (Argentina-España), Jorge Liderman (Argentina-EE.UU.) y Carlos Guastavino (Argentina).

Los interesados en acceder al catálogo de los compositores y sus obras, saber cómo usarlo, escuchar piezas musicales, conocer el contenido del CD y la biografía de la autora de la publicación hacer clic aquí.

El material se presentará el próximo martes 15 de marzo a las 21.30 en el teatro Quintanilla, en el subsuelo de la Plaza Independencia.

La autora

Mariela Nedyálkova nace en Bulgaria donde concluye su bachillerato en música. Continúa sus estudios en la Academia Nacional de Música de este país donde egresa como magister en Violín en el 1985. Luego se dedica a la docencia, a la actividad concertista y a la experiencia orquestal. Hasta 1992 participa de cursos de perfeccionamiento en violín y música a de cámara en las ciudades de Weimar (Alemania), Siena (Italia) y Varna (Bulgaria) y recibe premios en concursos nacionales de interpretación en su país natal.

En el 1992 arriba a la Argentina como suplente de concertino de la Orquesta de San Luis, donde graba un CD y realiza una extensa gira por Estados Unidos. En 1996 gana el concurso para el cargo de profesora adjunta en Violín en la facultad de Artes y Diseño de la UNCUYO.

Realizó varios conciertos de cámara y como solista de la Orquesta Filarmónica de Mendoza y de la Orquesta Sinfónica de UNSJ, difundiendo obras de compositores latinoamericanos y realizando estrenos de obras de compositores poco conocidos en el continente.

Entre sus publicaciones se destacan "La formación integral del intérprete en cuerdas especializado en la música contemporánea" (2012), "La música Latinoamericana contemporánea" (2005) y el "Repertorio latinoamericano para violín, siglos XX- XXI" (2004).

Sobre el catálogo

El documento -clic aquí para consultarlo- incluye datos sobre las obras hechas para violín en América Latina durante los siglos XX y XXI. Se han clasificado piezas para violín solo, violín y piano, dúo de violín y otro instrumento, ensambles de violines (con o sin acompañamiento de piano), obras para violín solista y ensamble (orquesta de cámara, orquesta de cuerdas, orquesta sinfónica).

La publicación de esta primer propuesta de catalogación es relevante ya que sólo existen trabajos que contienen listados parciales o datos incompletos. El formato abierto  del catálogo permitirá su constante actualización y expansión y simplifica el acceso a la información directa tanto para aquellos que buscan información general como para los que trabajan en un repertorio en particular.

Se utilizaron diferentes fuentes de información como libros de historia de la música, enciclopedias y diccionarios musicales, publicaciones periódicas, programas de conciertos y páginas web de compositores e intérpretes. También se recurrió a partituras que facilitaron los autores y otros intérpretes e investigadores y se realizaron entrevistas personales.

El formato permite ordenar las obras y datos de manera clara y prolija, con la mayor cantidad de información posible. A su vez se incluye una breve reseña biográfica para ubicar las obras en su contexto histórico-cultural.

Las entradas al sitio web se organizan por nombre del compositor, fecha de nacimiento y muerte, título de la obra, año de composición de la obra (si es conocido), información sobre la edición de la obra, grabación, fecha y lugar del estreno y otras observaciones.

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(Sárvárikum | 10-03-2016 | Hungary)
Zádory Édua hegedűművész és Simkó Beatrix táncművész estje
​Páholy Feltöltő: Cooper - 2016-03-100
​Különleges hangulatot teremtett a kortárs zene és tánc találkozása a Nádasdy-vár dísztermének barokk freskóival március 9-én este.

Zádory Édua hegedűművész és Simkó Beatrix táncművész remekül felépített, a helyszín adottságait is a koreográfiába építő műsorát csaknem teljesen sötétben vezették fel a művészek, csak a táncos kezében pislákolt fény, amellyel a zene rezdüléseit követve világította meg testrészeit. Zádory Édua az este folyamán (egy Kurtág-darab kivételével) a kortárs zeneszerzők által kifejezetten neki ajánlott műveket adott elő, a program egészen pontosan a következő volt:

Nikolet Burzynska – Light Fire (Fényes tűz) – 2015
Kurtág György – Jelek, játékok és üzenetek
Filip Sande – Fire on Ssnow (Tűz a havon) – 2015
Hartl Bence – Scherzino – 2015
Juan Manuel Abras – “The Hermit” – Arnold Böcklin’s “Der Einsiedler” című képe alapján – 2015
Johanna Doderer – In breath of time – 2013

Zádory Édua Amarilla 1974-ben született Kecskeméten, hegedűtanulmányait 7 évesen kezdte, 12 évesen felvették Szegeden a Zeneművészeti Főiskola különleges tehetségeknek indított előkészítő tagozatára. Tizenhat évesen svájci állami ösztöndíjat kap. 1992-től Habin Kayaleh és Tibor Varga hegedűművészek tanítványa, majd Yehudi Menuhin meghívja mesterkurzusára. 1997-től a bécsi zeneakadémiára nyer felvételt Günter Pichler osztályába.(Alban Berg világhírü vonósnégyesének primáriusa) Az 1995-ben alakult Hungaria Piano Trió alapító tagja Varga Tamással és Szokolay Balázzsal, amellyel 2005-ben hatalmas sikert aratnak a bécsi Konzerthausban és a Budapesti Tavaszi Fesztiválon is. 2007-ben Párizsban, Buenos Aires-ben, Santo Domingóban ad nagy sikerű koncerteket.

2009-ben a 14. alkalommal megrendezett Gaetano Zinetti nemzetközi kamarazenei versenyen   Anasztázia Dombrovska zongoristával I. helyezést ér el, majd késöbb a Gramola lemezcégnél elsö cédéjük elkészül “magyar és zsidó dallamokkal”. 2011-ben Ausztráliában egy hónapos koncertkörúton vesz részt. 2013-ban Villniusban kerül megrendezésre egy Doderer-est, amelyen a zeneszerzö  által neki ajánlott hegedüversenyt játsza a villniusi kamara zenekarral. 2011-ben a grazi zeneakadémia elökészítö tagozatára hívják meg tanítani és a rákövetkezö évben pedig Jeruzsálemben az Al-Quds egyetemre. A 2015 decemberében Ankarában megrendezésett Selman Ada hegedüversenyt a zeneszerző vezénylete alatt az Ankara Szimfónikusokkal játszotta. Bécsben él, egy 1801-ben Joseph és Antonio Gagliano által készített hegedűn játszik.

Simkó Beatrix (1987) táncművész, performer, médiaművész.

Meghatározó egyénisége a kortárs tánc szakmának, rendszeresen látható különböző előadásokban a Mu Színházban. Évek óta dolgozik együtt a Duda Éva Társulattal, illetve más alkotókkal közösen. Előadásmódja érzelmekkel teli, dinamikus és mindig fontos számára a test fizikai határainak keresése. Az elmúlt években az újcirkusz műfaján keresztül különféle új fizikai kihívásokkal találkozhatott.

Hazai munkái mellett gyakran dolgozik külföldön, az elmúlt években Berlinben, Bécsben és Grazban. Tavaly a Theatertreffen színházi szemle nemzetközi programjának ösztöndíjasa volt Magyarországról. Számos fesztiválon szerepelt Európában és a Közel-Keleten. Szirtes János képzőművésszel gyakran ad elő és készít videó munkákat. Saját média munkáit többek között az A38 Galériában és a Trafó Kortárs Művészetek Házában láthatta a közönség.

Az előadást az NKA Zeneművészet Kollégiuma támogatta.

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(Editorial de la UNCuyo (EDIUNC) | 09 March 2016 | Argentina)
EDIUNC presenta Creación latinoamericana para violín, Catálogo de obras de los siglos XX y XXI

Ediunc (la Editorial de la Universidad Nacional de Cuyo) presenta el próximo Martes 15 de marzo, 21.30 h. en el Teatro Quintanilla, una nueva obra constituida por un catálogo en línea más un librillo impreso con CD que contiene algunas de obras para violín interpretadas por Mariela Nedyálkova, Ynes Batura, Nurma Fiumecaldo, Elena Dabul y Arkadi Gologorski.

El catálogo (que se puede consultar en el sitio web http://ediunc.uncu.edu.ar/catalogoviolines/libro) incluye datos sobre las obras compuestas para violín en América Latina durante los siglos XX y XXI. Se han clasificado obras para violín solo, violín y piano, dúo de violín y otro instrumento; ensambles de violines (con o sin acompañamiento de piano), obras para violín solista y ensamble (orquesta de cámara, orquesta de cuerdas, orquesta sinfónica, etc.).

La presentación se realizará el Martes 15 de marzo, 21.30 h., Teatro Quintanilla, Mendoza. Estará a cargo de la directora de la Ediunc, Pilar Piñeyrúa, la autora Mariela Nedyálkova, Susana Antón, compositora, investigadora y profesora emérita de la Facultad de Arte y Diseño de la UNCuyo y Dante Grela, compositor, profesor e investigador de la Universidad Nacional de Rosario.

Durante el encuentro, se interpretarán las obras de Keyla Orozco Alemán (Cuba-Holanda), Carlos Florit (Uruguay-Argentina), Juan Manuel Abras (Argentina-España), Jorge Liderman (Argentina-EE.UU.) y Carlos Guastavino (Argentina). Participan Magdalena Scattolini, Cielo González, Yanet Gerico,  Jose Fernandes Pereira Neto y Fernando Velazquez, violines,  Laura Sepúlveda, piano  e Ivania Ríos Román en flauta.

La publicación de este primer trabajo de catalogación es importantísima, ya que solo existen trabajos que contienen listados parciales o datos incompletos. La recolección de datos es una tarea árida y lenta, que muchas veces requiere la divulgación interpersonal para adquirir información que no ha sido todavía publicada.

La necesidad de un catálogo comprensivo de la música latinoamericana para violín es una prioridad. El formato de esta obra simplifica el acceso a la información directa, como para aquellos que buscan información general y también para los que trabajan en un repertorio en particular.

La doctora Nedyálkova y su equipo de investigación presentan un trabajo seminal indispensable, que servirá de base para la investigación de muchos académicos y profesionales en el futuro, aportando datos esquivos y hasta ahora inaccesibles. Las omisiones o la necesidad de corrección de un dato son producto natural de todo trabajo inaugural en su campo y abren el camino a futuras revisiones. El formato abierto de este catálogo permitirá su constante actualización y expansión.

Se han utilizado diferentes fuentes de información, como libros de historia de la música, enciclopedias y diccionarios musicales, publicaciones periódicas, programas de conciertos y páginas web de compositores e intérpretes. También se recurrió a partituras facilitadas tanto por los autores como por otros intérpretes e investigadores. Para completar, se realizaron entrevistas personales con los involucrados en este repertorio.

El formato elegido intenta ordenar las obras y datos de manera clara y prolija, con la mayor cantidad de información posible. Por otro lado, se incluye una breve reseña biográfica para ubicar las obras en su contexto histórico-cultural.
Las entradas al sitio web se organizan por nombre del compositor, fecha de nacimiento y muerte, título de la obra, año de composición de la obra (si es conocido), información sobre la edición de la obra, grabación, fecha y lugar del estreno, y otras observaciones.

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(Forum Akademickie | September 2015 | Poland)
Moja muzyka może zawierać odniesienia do różnych nauk i sztuk, począwszy od teologii, a skończywszy na biologii, często wykorzystując również podejście ekfrastyczne i intertekstualne, jak i nowe technologie.
Najlepsza modlitwa, jaką mogę ofiarować Bogu
Rozmowa z Juanem Manuelem Abrasem, kompozytorem, dyrygentem i muzykologiem

Jesteś kompozytorem, dyrygentem i muzykologiem. Dlaczego wybrałeś akurat te obszary aktywności muzycznej?
Między innymi dlatego, że obszary te, przynajmniej z pewnego punktu widzenia, są komplementarne. Wybierając je wszystkie, mogę objąć trzy główne filary, z których, wedle naszego kontekstu kulturowego, składa się cykl aktywności muzycznej: tworzenie, wykonanie, badania, i samemu „zamknąć ów krąg” (oczywiście wykonanie połączone jest z recepcją, nauczaniem i utrwalaniem innych, powiązanych ze sobą, muzycznych „filarów”). Gdy miałem 9 lat, powiedziałem swojej matce (mojemu pierwszemu nauczycielowi muzyki, osobie, której zawdzięczam wszystko), że zdecydowałem, iż zostanę dyrygentem, a potem kompozytorem, mimo że jako pierwsze ukończyłem studia pianistyczne i grałem również na skrzypcach i klarnecie. Przynajmniej w moim przypadku komponowanie wiąże się z introwertyzmem, natomiast dyrygowanie z ekstrawertyzmem, i całkowicie naturalne było to, iż moje studia i doświadczenie zdobyte jako kompozytor i historyk muzyki zawiodło mnie ku muzykologii.

Joseph Campbell powiedział kiedyś: „oto, co odzwierciedla sztuka: co artyści myślą o Bogu, czego ludzie od Boga doświadczają. Jednak ostateczna, nieuchwytna tajemnica leży poza ludzkim doświadczeniem”. A nasz umiłowany Jan Paweł II w swoim Liście do artystów napisał: „niech wasza sztuka przyczynia się do upowszechnienia prawdziwego piękna, które będzie niejako echem obecności Ducha Bożego i dzięki temu przekształci materię, otwierając umysły na rzeczywistość wieczną”. Wierzę, że poprzez komponowanie należy wnieść do świata widzialnego coś, co otrzymuje się od świata niewidzialnego. A poprzez dyrygowanie, to, co kompozytor wniósł do świata widzialnego, musi oddać światu niewidzialnemu. Gdy komponujesz, możesz stworzyć swój własny mały świat, ze wszystkimi zasadami i wyjątkami, szanując jednak inspirację. Gdy dyrygujesz, musisz pozwolić muzyce przepływać przez ciebie. Stajesz się wtedy jej pośrednikiem, jednak unikającym pokusy władzy. W obydwu przypadkach, diachronicznie bądź synchronicznie, kompozytor, dyrygent, orkiestra – jego żywy instrument – i publiczność muszą stać się jednym, całością zjednoczoną w Absolucie. Komponowanie i dyrygowanie to najlepsza modlitwa, jaką mogę ofiarować Bogu.
Droga twojej edukacji jest również bardzo interesująca. Które miasto ofiarowało ci najwięcej z zakresu wiedzy muzycznej?
Spośród miast, w których mieszkałem, to Wiedeń – miasto muzyki – był jednym z najważniejszych ośrodków, w którym wzbogaciłem wiedzę z zakresu kompozycji i dyrygowania. To tam, na Uniwersytecie Muzyki i Sztuki (dawnej Akademii Muzycznej w Wiedniu, gdzie studiowali m.in. Zubin Mehta i Claudio Abbado), dzięki takim profesorom jak Kurt Schwertsik, Leopold Hager i Ingomar Rainer, poznałem in situ dziedzictwo pierwszej i drugiej Szkoły Wiedeńskiej. Niezwykle ważna dla mojego rozwoju artystycznego była również możliwość uczestnictwa w odbywanych tam regularnie, „na żywo”, próbach i koncertach najwyższej klasy dyrygentów, solistów i orkiestr. Także i Kraków miał kluczowe znaczenie dla mego kompozytorskiego i muzykologicznego rozwoju. Poza tym, iż byłem studentem Krzysztofa Pendereckiego w Akademii Muzycznej w Krakowie i przyswajałem dziedzictwo sonoryzmu, miałem okazję spotkać muzykologów (Teresę Małecką i Mieczysława Tomaszewskiego), a także kompozytorów (Michała Pawełka, Macieja Jabłońskiego) i odwiedzających Kraków badaczy (Siglind Bruhn).

Ponadto, gdy byłem nastolatkiem, studiowałem w Konserwatorium Benedetto Marcellego w Wenecji, gdzie zapoznałem się z dziełami włoskiego renesansu i tradycji barokowej. Natomiast w czasie całego mego dzieciństwa i młodości miasta, takie jak San Sebastian, Bilbao, Valladolid czy Buenos Aires, przyczyniły się do mego rozwoju jako muzyka, historyka i muzykologa. W tym samym czasie mogłem studiować w Berlinie, Salzburgu, Kurten i Karlsruhe u takich profesorów, jak Michael Gielen (Berlin Staatsoper Unter den Linden), Alexander Mullenbach, Helmut Lachenmann, Karlheinz Stockhausen i Wolfgang Rihm.

Polska publiczność mogła wysłuchać twych kompozycji m.in. podczas Warszawskiej Jesieni (2008), jednego z największych festiwali muzyki współczesnej na świecie, oraz Międzynarodowego Festiwalu Muzyki Współczesnej „Dni Kompozytorów Krakowskich”. Pamiętam doskonale rewelacyjne wykonanie twojej Chacarery beatboxery. Jak opisałbyś styl swoich kompozycji?
Naprawdę doceniam twoje wspomnienia! Dzięki połączonym wysiłkom Michała Górczyńskiego i zespołu Kwartludium, Patryka „TikTak” Mateli oraz Tadeusza Wieleckiego, moja kompozycja Chacarera beatboxera została zamówiona i po raz pierwszy wykonana podczas 51. Festiwalu Muzyki Współczesnej „Warszawska Jesień”, a także nagrana i wydana przez Polskie Centrum Informacji Muzycznej (POLMIC). Po wykonaniu Barbara Bolesławska-Lewandowska napisała: „W utworze Chacarera beatboxera Abras połączył w całość elementy muzyki etnicznej, starych melodii popularnych i muzyki nowej, tworząc nieco transowy taneczny wir, pełen słonecznej radości i zabawy”.

Dlaczego jako kontynuację studiów muzycznych wybrałeś Akademię Muzyczną w Krakowie? Czy interesujesz się polską kulturą i muzyką?
Makis Solomos zapytał mnie kiedyś o moją „różnorodność inspiracji”, a następnie stwierdził: „Różnorodność można odnaleźć również w twym języku muzycznym”. Rzeczywiście, poprzez użycie różnych pomysłów, technik i procedur, moje kompozycje utrzymują między sobą wewnętrzną jedność, którą można odnaleźć w dyskursie muzycznym, w którym „powierzchnia form” (w pojęciu Chomsky’ego) może ulec zmianie, podczas gdy „struktury głębokie” pozostają stałe. Tak więc moja muzyka może zawierać odniesienia do różnych nauk i sztuk, począwszy od teologii, a skończywszy na biologii, często wykorzystując również podejście ekfrastyczne i intertekstualne, jak i nowe technologie. Alejandro Drago napisał kiedyś, że moja muzyka jest „jednocześnie emocjonalnym i metafizycznym lotem”. Gdy komponuję, staram się znaleźć równowagę pomiędzy myślą i emocją, dialogując z przeszłością oraz teraźniejszością i przyszłością (Karajan powiedział: „Otrzymaliśmy wiedzę na temat przeszłości, by wykorzystać ją w teraźniejszości, a następnie przekazać przyszłości”), pamiętając o alchemicznym „zjednoczeniu przeciwieństw”, które szczegółowo badał Jung.

Pracowałeś jako wykładowca w dwóch znaczących uczelniach muzycznych w Argentynie. Studiowałeś również w Akademii Muzycznej w Krakowie. Jaki jest system edukacji muzycznej w Argentynie i czym różni się od tego w Polsce?
Wykładałem w dwóch argentyńskich uczelniach: w Narodowym Uniwersytecie w Lanús (Buenos Aires) oraz Konserwatorium Muzycznym Miasta Buenos Aires im. Astora Piazzolli. Pierwsza instytucja oferuje wykształcenie z zakresu muzyki kameralnej i symfonicznej, zawarte w dwuletnim programie skierowanym do zaawansowanych studentów i młodych profesjonalistów. Druga uczelnia umożliwia uzyskanie różnych stopni wykształcenia muzycznego w dziedzinie instrumentalistyki, muzyki kameralnej i elektronicznej. W tym wypadku programy studiów składają się z trzyletnich lub czteroletnich poziomów: początkującego, średnio zaawansowanego i zaawansowanego, których suma wynosi całościowo około 12-13 lat. Wspomniane programy mogą ulec pewnym zmianom w przyszłości, przy czym inne wyższe uczelnie muzyczne w Argentynie (publiczne i prywatne) oferują swe własne systemy nauczania.

Nawet gdybym poszukiwał jeszcze większej ilości informacji w celu dokonania rzetelnego porównania obydwu systemów edukacji muzycznej (w Polsce i Argentynie), jestem pewien, że odnalazłbym więcej podobieństw niż różnic (mimo istotnych cech charakterystycznych i kontekstu kulturowego). Mógłby to być interesujący temat przyszłego projektu badawczego! Myślę, że podobieństwa te mogą wynikać z tego, iż (z etnicznego punktu widzenia) większość ludności w Argentynie (ok. 90%) przybyło z Europy: Włoch, Hiszpanii, Francji, Polski, Rosji, Niemiec, Wielkiej Brytanii etc. Tak więc europejscy imigranci, którzy uciekając przed wojnami, zasiedlili Argentynę w XIX i XX w. (tak jak m.in. Witold Gombrowicz), przywozili z sobą wiele zwyczajów kulturowych, w tym systemy edukacji muzycznej. Przykładowo, w argentyńskiej prowincji Misiones, Polacy założyli osadę Wanda być może nawiązując w ten sposób do słynnej córki króla Kraka.

Co było dla Ciebie najbardziej zaskakujące, jeśli chodzi o system nauczania kompozycji w polskich uczelniach muzycznych?
Gdy przybyłem do Polski, byłem już po studiach muzycznych, które odbyłem w Austrii, Niemczech, Włoszech, Hiszpanii i Argentynie. Dlatego trudno mi było znaleźć jakiekolwiek niespodzianki w systemie nauczania w innych częściach Europy. Jednakże chciałbym zwrócić uwagę na pokorę i pogodę ducha, które okazywał mi legendarny kompozytor Krzysztof Penderecki, gdy byłem jego studentem. Abstrahując od technicznych aspektów kompozycji muzycznej, o których dyskutowaliśmy, prowadziliśmy długie rozmowy o Argentynie (część jego rodziny mieszka w prowincji Buenos Aires), obecnej sytuacji muzyki współczesnej, wykorzystywaniu rozmaitych orkiestrowych technik wykonawczych i wielu innych rzeczach. Dzięki jego gościnności miałem szansę kilka razy odwiedzić dom Pendereckich i przy kawie spotkać jego żonę Elżbietę oraz resztę rodziny. Z tą samą hojnością dzielił ze mną swoją wiedzę i doświadczenie, udzielając mi jednocześnie rad i wsparcia.

Gdy studiowałem na Uniwersytecie Muzyki i Sztuki w Wiedniu, Krzysztof Penderecki dyrygował koncert w Wiener Musikverein. Zawsze interesowałem się jego muzyką kościelną, postanowiłem więc zapytać, czy daje lekcje kompozycji. Odpowiedział mi, że uczy w Akademii Muzycznej w Krakowie i jeśli chciałbym u niego studiować, powinienem wysłać mu kilka swoich utworów. Dzięki temu będzie mógł ocenić, czy mnie zaakceptować, czy nie, gdyż ma bardzo niewielu studentów. Tak uczyniłem, zostałem przyjęty zarówno przez niego, jak i przez rektora Akademii Muzycznej. Moje studia w Krakowie były możliwe dzięki stypendiom, jakie otrzymałem od Fundacji Argentyńskiej w Warszawie, Krajowego Funduszu Sztuki w Buenos Aires i innych europejskich instytucji wspierających sztukę.

Zawsze byłem w kontakcie z polską kulturą i muzyką, głównie z racji moich kontaktów ze wspomnianymi już wcześniej polskimi imigrantami (to m.in. oni zbudowali Argentynę), jak i dzięki dziedzictwu, jakie pozostawili po sobie słynni Polacy, tacy jak Jan Paweł II, Chopin, Szymanowski, Penderecki, Lutosławski, Górecki etc. Jednak gdy przybyłem do Polski, doświadczyłem znaczącej zmiany w moim życiu. Opatrzność dała mi szansę silnego odczuwania obecności Boga w przestrzeni ulic i murów tego miasta – magicznego Krakowa (mojego Krakowa) – przy jednoczesnym podziwianiu piękna i uroku polskich kobiet, które jawiły mi się jako rodzaj delikatnej teofanii. Jak nigdy wcześniej czułem się w pełni sobą, a w swej małości odczuwałem nieskończony bezmiar Boga.

Która polska kompozycja (lub inne dzieło sztuki z tego kraju) znacząco wpłynęło na twoją pracę jako kompozytora/dyrygenta/badacza i dlaczego?
W kilku moich utworach chóralnych można odnaleźć wpływy sonoryzmu. Często nawiązują one do katolickiej muzyki kościelnej – np. Pésame (Actus contritionis) na narratora, chór mieszany, zespół kameralny i elektronikę czy Pentecostés (Veni Sancte Spiritus) na chór mieszany i elektronikę. Dzięki Michałowi Pawełkowi i Warsztatowi Kompozytorsko-Wykonawczemu, obydwa utwory zostały wykonane w Akademii Muzycznej w Krakowie, w r. 2006 i 2007. W Buenos Aires Pésame zostało uhonorowane nagrodą TRINAC 2008 (Narodowa Trybuna Kompozytorów), natomiast Pentecostés otrzymało niedawno nagrodę TRINAC Mention 2014. Obydwa konkursy kompozytorskie zostały zorganizowane przez fundację Encuentros – Argentyńską Sekcję Międzynarodowego Towarzystwa Muzyki Współczesnej (ISCM) – członka Międzynarodowej Rady Muzycznej (IMC) UNESCO. Dzięki Pawłowi Łukaszewskiemu, który zaprosił mnie do wzięcia udziału w festiwalu XIII Laboratorium Muzyki Współczesnej w Warszawie, mogłem pozostawać w ciągłym kontakcie z dziełami wielu polskich kompozytorów, co było dla mnie niezwykle ważne.

Teresa Malecka zaprosiła mnie do wzięcia udziału w serii wykładów prowadzonych w latach 2006-2007 przez Siglinda Bruhna w Akademii Muzycznej w Krakowie. I tak oto poznałem pojęcie „ekfrazy muzycznej” oraz teksty, które ci dwaj autorzy publikowali na ten temat w Stanach Zjednoczonych oraz w Polsce. Pozwoliło mi to na świadome zastosowanie perspektyw ekfrastycznych w mych dziełach kompozytorskich, ale również w dyrygowanym przeze mnie repertuarze oraz w akademickich projektach badawczych. Bardzo przydatne okazały się dla mnie również teksty Mieczysława Tomaszewskiego, Andrzeja Chłopeckiego, Reginy Chłopickiej, Małgorzaty Janickiej-Słysz, Alicji Jarzębskiej, Iwony Lindstedt i innych.

Nad jaką kompozycją obecnie pracujesz?
Zazwyczaj w tym samym czasie tworzę kilka dzieł różniących się między sobą etapem zaawansowania procesu kompozytorskiego. Kończę teraz pracę nad utworem przeznaczonym na chór mieszany i elektronikę, opartym na tekstach religijnych, zamówionym przez Ensamble Vocal Cámara XXI z Buenos Aires. Inne zamówienia to: koncert skrzypcowy dla Édua Zádory (Austria-Węgry), koncert na marimbę dla Mariny Calzado Linage (Argentyna), nowy koncert fortepianowy dla Esteli Telerman (Argentyna), utwór kameralny dla Ensemble Pyxis (Francja) oraz solowe i duetowe kompozycje dla Sylvii Hinz (Niemcy), Kirsten Swanson (USA), Michała Górczyńskiego (Polska), Leo Viola (Argentyna) oraz Samuela Aguirre (Chile).

Nasi czytelnicy są bardzo ciekawi twych muzycznych planów. Nowe kompozycje? Powrót do nauczania następnych pokoleń kompozytorów? Czy zamierzasz znów odwiedzić Polskę?
Poza kompozycjami, nad którymi pracuję, mam w planie również następne projekty: nową operę o Argentynie z librettem Leonela Contrerasa oraz cykl pieśni symfonicznych do tekstów poetów argentyńskich. Właśnie teraz nagrywane są moje utwory, które niedługo ukażą się na trzech nowych płytach CD. Mam również nadzieję, że będę wciąż aktywnie działał jako dyrygent. Praca wykładowcy jest niezwykle satysfakcjonująca, jednak zawsze zależy mi na tym, by znaleźć czas również na komponowanie, dyrygowanie oraz badania naukowe.
O tak, bardzo chciałbym znów odwiedzić Polskę! Kiedy mieszkałem w Krakowie, zakochałem się w Polce o imieniu Anna i chciałem ją poślubić, mieć z nią dzieci i zostać w Polsce do końca życia, jednak ona zawsze zwykła mawiać: „nigdy nie wiesz”. I faktycznie tak zostało napisane: „Serce człowiecze rozrządza drogi swe; ale Pan sprawuje kroki jego”.

Rozmawiała Marianna Dąbek

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(Natalia González Figueroa. Piano, Argentina - 16 April 2015)
Estreno de obras argentinas en Europa por Natalia González Figueroa y Urdimbre Dúo
Natalia González Figueroa visitó España, Suiza e Inglaterra en Mayo de 2015.

En el marco de su labor de difusión de la música de autores argentinos, González Figueroa presentó recitales comentados casi exclusivamente con música de compositores de su país natal. Incluyó el estreno en Londres de las obras “Chacharera Endebussyada” de Juan Manuel Abras y “El exilio de los Espíritus (nro. IV de Cuentos de la Selva)” de Daniel Doura, ambas para piano.

Junto a la flautista Tanja von Arx, con quien integra el dúo URDIMBRE, estrenaron en Suiza la obra “Inti (Rapsodia para flauta y piano)” del compositor Esteban Benzecry, obra que asimismo formará parte del primer CD del dúo, grabado en Buenos Aires.

Esta Gira fue declarada de Alto Nivel Artístico y Cultural por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto.

Cronograma:
5 y 6 de Mayo: Curso de Música Argentina para piano y música de cámara. Recital de piano en el Conservatorio Superior de Música de Castilla-La Mancha, Albacete.
9 y 10 de Mayo Recitales de URDIMBRE Dúo en Casa Borgo, Locarno (Ticino) y el Teatro di Banco (Ticino), Suiza.
20 de Mayo recital de piano en St. James Picadilly , Londres, Inglaterra.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 13 August 2014)
Estreno en Viena de Juan Manuel Abras
REDACCIÓN
Viena

La ciudad de Viena fue el marco elegido por la violinista de origen húngaro Édua Zádory para el reciente estreno absoluto de Perpetuum tanguile, una obra del joven compositor y director argentino Juan Manuel Abras que se enmarca en la tradición de las piezas denominadas ‘perpetuum mobile’ o ‘moto perpetuo’, distinguidas por su flujo continuo y regular de notas con idéntica duración, legadas a la historia de la música occidental por compositores como Haydn, Paganini, Ravel y Britten. 

En Perpetuum tanguile, no obstante, Abras incorpora a la música clásica elementos provenientes tanto del tango argentino como del folclore musical de Filipinas, representado por la canción Leron, Leron Sinta que se halla inserta en un entramado contemporáneo capaz de albergar procedimientos de cita y deconstrucción no ajenos a algunas obras de Luciano Berio y otros compositores activos durante la segunda mitad del siglo XX.

El concierto, que tuvo lugar en la Asociación para la Promoción del Arte y la Tecnología Multimedia BRICK-5 de la capital de Austria, contó también con la presencia de la violonchelista de origen serbio Ana Topalovic y del artista plástico austriaco Wolfgang Semmelrock, quien se dio a la creación de nuevas obras al son de las piezas de Abras, Bartók, Cerha, Kodály y otros compositores en el marco de una sesión de Live Painting ofrecida al público vienés. 
La música de Juan Manuel Abras, discípulo de Krzysztof Penderecki y formado en Viena con Leopold Hager y Kurt Schwertsik, continúa así difundiéndose regularmente por Europa Central, como evidencia también el estreno absoluto de su obra Only One Note, acaecido semanas atrás durante la presentación brindada por el pianista y compositor argentino Juan María Solare en la Theatersaal de la alemana Universidad de Bremen.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 21 March 2016)
Estreno en Hungría de Abras
​REDACCIÓN
​Fránkfurt

La música actual y la danza contemporánea se conjugaron durante el reciente estreno en Hungría de The hermit, una nueva obra sacra del compositor argentino-español Juan Manuel Abras basada en el cuadro Der Einsiedle de Arnold Böcklin, óleo que también sirviera de inspiración a Max Reger. El evento estuvo a cargo de la violinista Édua Zádory y la bailarina Beatrix Simkó, artistas húngaras radicadas en Viena, y tuvo lugar en el castillo que el noble Francisco Nádasdy poseía en la localidad de Sárvár, famoso por sus frescos barrocos y hoy convertido en museo.

La obra de Abras recurre a la fauna ibérica para combinar las duraciones y alturas contenidas en el canto del jilguero español (Carduelis carduelis parva) con las notas presentes en el himno mariano medieval Ave Maris Stella, dejando al mismo tiempo lugar a la improvisación del instrumentista, quien debe asumir el rol de un eremita que toca su violín frente a una imagen de la Virgen María mientras es observado atentamente por un ángel en puntas de pie, papel representado por una bailarina vestida de blanco.

Abras, nacido en Estocolmo y criado en Ginebra y Madrid, recibió su formación musical en Austria, Alemania, Italia, Polonia, España y Argentina, estudiando con Krzysztof Penderecki, Kurt Schwertsik y Roberto García Morillo mientras se formaba también con compositores como Karlheinz Stockhausen, Helmut Lachenmann y Wolfgang Rihm.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 03 July 2015)
Dos estrenos de Abras en Buenos Aires
Buenos Aires

La oferta cultural de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires brindó recientemente al público porteño los estrenos absolutos de Sitwa Raymi (Oración primera al Hacedor) y Discursos argentinos, dos obras vinculadas a la producción compositiva del joven Juan Manuel Abras, radicado en España, flamante Doctor en Música por la Pontificia Universidad Católica Argentina y Máster en Música Hispana por la Universidad de Salamanca y la Universidad de Valladolid, discípulo argentino de Krzysztof Penderecki, Kurt Schwertsik y Roberto García Morillo.

El estreno de Sitwa Raymi estuvo a cargo del Ensamble Cámara XXI dirigido por Miguel Á. Pesce y tuvo lugar en la Basílica María Auxiliadora y San Carlos de la capital argentina. El título de la obra alude a una de las principales festividades periódicas incaicas y dicha pieza está escrita para coro mixto, instrumentos andinos (pututu y wankara) y sonidos electroacústicos, incorporando la Oración primera al Hacedor que recogiera el clérigo y cronista español Cristóbal de Molina, durante el siglo XVI, en su texto Relación de las fábulas y ritos de los Incas.

Discursos argentinos fue estrenada por el oboísta Marcelo Baus en el Circolo Italiano di Buenos Aires y rdentro de la temporada de conciertos organizada por la Asociación Argentina de Compositores, entidad que este año festejará su centenario tras haber sido fundada en 1915 como Sociedad Nacional de Música. Esta obra de Abras aborda la aplicación de la prosodia a la composición instrumental y utiliza aspectos rítmico-melódicos propios del habla rioplatense, tomando como materia prima los discursos televisados de tres ex presidentes argentinos.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain (11 September 2014)
Abras recibe la Mención TRINAC 2014
Buenos Aires

El joven compositor y director argentino Juan Manuel Abras ha sido recientemente distinguido en Buenos Aires con la Mención TRINAC 2014 por su obra Pentecostés, para coro mixto y sonidos electroacústicos, en el marco de la Tribuna Argentina de Compositores convocada por la Fundación Encuentros Internacionales de Música Contemporánea. Radicado en Europa, Abras suma así más de una docena de galardones y becas a su trayectoria internacional. 
Junto con el resto de las obras premiadas, la Fundación Encuentros enviará Pentecostés “como representación oficial ante los World New Music Days que organiza la SIMC (Sociedad Internacional de Música Contemporánea) en Eslovenia en el año 2015”, así como a “todas las radios participantes de la Tribuna Internacional de Compositores que organiza el Consejo Internacional de la Música (ONG con sede en la UNESCO, Paris)”. 
También en Buenos Aires, la clarinetista Griselda Giannini tuvo a su cargo el reciente estreno absoluto de otra obra de Abras, Ploratus acerbos infantem edere, brindado en el Departamento de Artes musicales y Sonoras del Instituto Universitario Nacional del Arte (IUNA) dentro de la temporada de conciertos organizada por Compositores Unidos de Argentina (CUDA).

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(20 Minutos, Mexico - 24 January 2014)
Unirá Umbratono Ensamble música antigua y contemporánea en concierto
Notimex 24.01.2014 - 19:16h

Piezas de compositores contemporáneos como David Lang, Juan Manuel Abras y Hans Ulrich Lehmann, serán interpretadas mañana por la agrupación Umbratono Ensamble en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes.

En esta ocasión, el clarinetista bajo Antonio Rosales y la flautista de pico Sylvia Hinz, ofrecerán este concierto en el marco del ciclo "Música de cámara" que organiza el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).

El repertorio incluirá las piezas "PressRelease" de David Lang; "Sueño y chacarera" del autor Juan Manuel Abras; "Monodie" de Hans Ulrich Lehmann, y "Umleitung" de Orie Sato.

Además de la música de base de "El arte de la fuga" de Johann Sebastian Bach, con la interpretación del "Canon 17, 16, 15 y 14", informó el INBA, mediante un comunicado.

"´El arte de la fuga´, una de las obras cumbre de Johann Sebastian Bach, no cuenta con una dotación específica, por lo que la utilizamos como música de base para diversas piezas en Umbratono Ensamble", comentó Antonio Rosales.

Con ello, el ensamble se coloca como una de las agrupaciones que combina música antigua y barroca con música contemporánea, además de traer piezas de compositores que no han sido difundidas en México.

"En el caso de las obras de Lang, Abras y Hans Ulrich Lehmann, nunca se han escuchado en el país. En cambio, la pieza de Orie Sato, autora japonesa radicada en España, ya se ha tocado en México, pero no la versión para flauta de pico y clarinete bajo", comentó Rosales.

Aunque el clarinetista considera que México es un país en el que es casi inexistente la tradición de combinar música barroca y contemporánea, consideró que el concierto de mañana es una buena ocasión para presentar su proyecto.

De la misma manera, dijo, sucede con la combinación de flauta de pico y el clarinete bajo. "Somos los únicos en el mundo que existimos con una formación profesional con esta dotación. Umbratono Ensamble es el primer grupo que lo hace de manera formal", subrayó.

Umbratono Ensamble es una agrupación que busca expresar los sonidos de la tierra y remitir a la dualidad de la música antigua y contemporánea.

De ahí que sus interpretaciones, aseguró Rosales, evoquen "la música que está oculta a la luz de lo contemporáneo y viceversa, pero que permanece en espera de salir para brillar en sonidos al público".

A casi dos años de su fundación, el proyecto impulsa las selecciones de "El arte de fuga" de Johann Sebastian Bach, así como piezas de compositores mexicanos y alemanes.

El ensamble se ha presentado en la embajada de México en Alemania, el Castillo de Chapultepec, el Museo Nacional de Arte, el Festival Alfonso Ortiz Tirado, el Museo Iconográfico de El Quijote y en la Escuela de Música, Musikschule Friedrichshain Kreuzberg.
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(Boletín Núm. 70, Instituto Nacional de Bellas Artes, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Mexico - 23 January 2014)
De Bach a estrenos en México con Umbratono Ensamble
​• La agrupación vincula la música antigua con la actual
• Ofrecerá un concierto el sábado 25 de enero, a las 18:00 horas, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes

A principios de 2012 fue creado Umbratono Ensamble en Berlín, Alemania, con la intención de impulsar un proyecto que involucraba selecciones de El arte de la fuga de Johann Sebastian Bach junto con el estreno de dos obras de compositores mexicanos y alemanes. A casi dos años de su fundación, la agrupación estrenará en México tres piezas de David Lang, Juan Manuel Abras y Hans Ulrich Lehmann,como parte del ciclo "Música de cámara", organizado por el Instituto Nacional de Bellas Artes(INBA).

"El arte de la fuga, una de las obras cumbre de Johann Sebastian Bach, no cuenta con una dotación específica, por lo que la utilizamos como música de base para diversas piezas en Umbratono Ensamble", comentó en entrevista Antonio Rosales, clarinete bajo, quien, acompañado de Sylvia Hinz en la flauta de pico, se presentará el sábado 25 de enero en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, a las 18:00 horas.

El programa estará integrado por PressRelease de David Lang, Sueño y chacarera de Juan Manuel Abras, Monodie de Hans Ulrich Lehmann y Umleitung de Orie Sato. De las obras que poseen El arte de la fuga como base, se escucharán Canon 17, 16, 15 y 14 de Bach.

"Nuestro ensamble combina música antigua y barroca con música contemporánea. Por esta razón seleccionamos algunas obras de Bach y los estrenos en México. En el caso de las obras de Lang, Abras y Hans Ulrich Lehmann, nunca se han escuchado en el país. En cambio, la pieza de Orie Sato, autora japonesa radicada en España, ya se ha tocado en México, pero no la versión para flauta de pico y clarinete bajo", compartió el clarinetista.

"En Europa se acostumbra que los grupos de música antigua que tocan con instrumentos históricos también interpreten composiciones de la época actual", aseveró Rosales, quien considera que en México se ha seguido poco esta tradición que combina música barroca y contemporánea, y por esta razón "es una excelente ocasión para presentar nuestro proyecto que lo ideamos de esta forma originalmente desde que nos constituimos como Umbratono Ensamble."

Además del repertorio inusual, lo mismo sucede con la combinación de la flauta de pico y el clarinete bajo. "Somos los únicos en el mundo que existimos con una formación profesional con esta dotación. Umbratono Ensamble es el primer grupo que lo hace de manera formal. El público nos ha recibido de forma estupenda, por ser una combinación muy nueva que funciona muy bien.

"El nombre del grupo remite al color umbra (ocre oscuro) de la tierra, el cual deseamos expresar en sonidos. El término umbra también se refiere a la sombra proyectada cuando un objeto bloquea la luz directa del sol. La música de Umbratono quiere remitirse a la que está oculta a la luz de lo contemporáneo y viceversa, pero que permanece en espera de salir para brillar en sonidos al público. La música antigua y la contemporánea tienen esta dualidad que queremos expresar en escena."

El ensamble se ha presentado en la Musikschule Friedrichshain Kreuzberg y la embajada de México en Alemania, y en nuestro país en foros como el Castillo de Chapultepec, el Museo Nacional de Arte, el Festival Alfonso Ortiz Tirado (en Álamos, Sonora) y el Museo Iconográfico de El Quijote en Guanajuato, entre otros.

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(​Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 07 January 2014)
Estreno de Abras en Italia

La obra 'Un réquiem lorquiano (Balada de la placeta)', inspirada en un célebre texto de Federico García Lorca y llevada al ámbito de las artes sonoras por el compositor y director argentino Juan Manuel Abras, fue estrenada recientemente en un concierto que tuvo lugar en el Auditorio de la Asociación Artístico Cultural "Cultura e musica – G. Curci" de la ciudad italiana de Barletta, merced a la iniciativa del grupo Soundiff - Diffrazioni Sonore, auspiciado por la Región Puglia y la Presidencia del Consejo de Ministros del Gobierno Italiano.

Seleccionada de entre más de medio centenar de obras, la composición de Juan Manuel Abras (formado musicalmente con Penderecki, Schwertsik, Stockhausen, Lachenmann y Rihm) fue una de las cinco creaciones que resultaron elegidas a través de un comité científico integrado por Riccardo Santoboni (Italia), catedrático del Conservatorio de Música 'Santa Cecilia' de Roma, y Andrew Hill, quien fuera profesor tanto en la Edge Hill University como en la De Montfort University (Reino Unido). Acerca de la convocatoria internacional realizada oportunamente para la realización del evento, los organizadores declararon que las "presentaciones este año sumaron más de 60 [obras] y la calidad fue muy alta".

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(Sacramento365.com. The Year-Round Source for Sacramento Events, USA - 12 October 2013)
Folk Inspirations
Presented by Camellia Symphony Orchestra at Sacramento City College Performing Arts Center

The Camellia Symphony Orchestra (CSO) begins its 51st season with Folk Inspirations. Following a very successful 50th anniversary season, the opening night concert will be one to remember with the U.S. premiere of "Suite Argentina" by Juan Manuel Abras (Argentina), which received the prestigious Reinl-Stiftung Composition Award in Austria in 2002. Back for his second season, Maestro Baldini will be leading the orchestra through pieces of classical folk music that he has chosen because of the feelings they invoke within the listener. "Folk Inspirations is a very special program that features four works that borrow musical material from sources outside the concert hall. I have chosen composers that are very close to my heart, and the audience is really in for a treat with a concert program that offers variety, energy, colors from the world, and very sensual atmospheres."

In a return engagement, soprano Carrie Hennessey will once again delight Camellia Symphony audiences with her full and powerful voice as she performs the inspirational "Bachiana Brasileira No. 5" by Brazilian composer Heitor Villa-Lobos. According to Maestro Baldini, "This piece is truly beautiful, very meditative and inspirational. I believe it will transport people to a special place for a few moments. It is scored only for cellos (all the cellos in the orchestra) and a solo soprano. It will give people the opportunity to hear a very rare and rewarding instrumental combination." Guests are encouraged to come to the backstage area at the end of the concert to meet Ms. Hennessey, Maestro Baldini and many of the CSO musicians.

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(​The Davis Enterprise, USA - 10 October 2013)
Baldini to conduct Camellia Symphony Orchestra’s season opener on Saturday
​By Jeff Hudson
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Conductor Christian Baldini — familiar locally as the leader of the UC Davis Symphony Orchestra — will lead the season-opening concert of the Camellia Symphony Orchestra, a community-based ensemble in Sacramento, on Saturday, Oct. 12, at Sacramento City College. The program will include the Concerto for Orchestra by Béla Bartók, and three works by South American composers.

"This is the Camellia Symphony Orchestra’s 51st season opener, and my second season with the orchestra," Baldini said. “The theme is music that is inspired by folk material.

"Béla Bartók was clearly at the forefront of this, as what many call history’s first ethnomusicologist. He collected folk material that the peasants sang and played in the countryside along Romania, Hungary, Bulgaria, etc. This comes across very naturally in his music, and he managed to blend this with the symphonic language in a masterful way.

"Somehow Argentine composer Astor Piazzolla (who wrote ‘Oblivion’) did something similar with tango and symphonic music," Baldini continued. "Tango musicians rejected him for being ‘too new,’ and in some circles classical musicians also used to reject him for not being ‘radical enough.’ His music is a great fusion."

The concert also features soprano Carrie Hennessey, doing Heitor Villa-Lobos’ "Bachianas Brasileiras No. 5," which Baldini described as "incredibly beautiful and highly inspired by bossa-nova, a delicate and tasteful Brazilian musical style very much related to jazz."

There also will be a premiere of the "Suite Argentina" by Argentine composer Juan Manuel Abras. He studied in Vienna and also did studies with the Polish composer Krzysztof Penderecki.

"The work won an important award in Austria, and it showcases different types of dances from Argentina, much in the way that Ginastera did with his ballet ‘Estancia,’" Baldini said. "This is written in a very personal style, and shows mastery of the composer not only in the knowledge of these dances, but also as a skillful orchestrator."

He promised that "It will be a concert full of contrast, colors from around the world, and a showcase of how excellent the Camellia Symphony is sounding these days. I am very happy to be starting my second season as their music director."

Baldini recently returned from Argentina (his homeland), where he conducted La Orquesta Sinfónica Nacional in Buenos Aires on Sept. 20. That concert landed him on the front page of the prominent newspaper La Nación.

The Oct. 12 concert by the Camellia Symphony Orchestra is at Sacramento City College Performing Arts Center, 3835 Freeport Blvd. in Sacramento, with music at 7:30 p.m. and a pre-concert lecture at 6:45 p.m. Tickets are $30 general, $28 for seniors, $15 for students and $8 for children age 8 and younger. To purchase them, visit www.camelliasymphony.org or call 916-929-6655.
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(Camellia Symphony Orchestra, USA - 21 June 2013)
Camellia Symphony’s 51st season includes U.S. premiere and world class soloists

Sacramento, CA–The Camellia Symphony Orchestra (CSO) has planned an adventurous 51st Season with Music Director and Conductor Maestro Christian Baldini bringing his unique voice as the artistic leader of this distinguished orchestra. The new season promises to be both exciting and fresh with an award-winning U.S. premiere from South America, Piazzolla and Villalobos, a Russian evening, Beethoven’s breath-taking 9th Symphony, and the participation of extraordinary soloists.

On its second season there, CSO is also settling nicely into its beautiful new venue at Sacramento City College. The first season at the newly renovated Performing Arts Center* was a great success with patrons and musicians alike. Offering state of the art acoustics, comfortable seating and open parking, the venue is quickly becoming a popular option to the downtown venue scene.

A Message from Maestro Baldini on the 51st Season:

"The Camellia Symphony Orchestra is a gem in our community. When planning a new season, I always spend a considerable amount of time thinking of works that need to engage our community, bring new sounds from distant lands, continue developing our wonderful orchestra and the great tradition that it has, all of this while finding a nice thematic thread that could be built upon during coming seasons as well.

Our 51st season is filled with great masterworks. We are presenting two works that the orchestra never performed before: Beethoven’s beloved Ninth Symphony & Bartok's Concerto for Orchestra. We are also presenting some of the great warhorses that audiences and orchestras alike love: Elgar's Enigma Variations and Stravinsky's Suite from The Firebird. There will be plenty of variety, music from all over the planet, folk-inspired tunes, rare instruments such as Piazzolla’s favorite (the bandoneon) and one US première of a work by Juan Manuel Abras (Argentina), which received the prestigious Reinl-Stiftung Composition Award in Austria in 2002.

In addition to this, we will be featuring world-class soloists, some of whom will be making their debut in Sacramento. These are artists that I admire and that I am proud to introduce to our community and our loyal audience members. Seth Asarnow is an extraordinary bandoneon player that I first heard about when I was in Buenos Aires conducting the BA Philharmonic. Some of the musicians there recommended Seth very highly, as "an American that plays like an Argentine". I was delighted to confirm this! Alina Kobialka is only 16 years old, yet she is a very mature musician and a tremendous virtuoso violinist. Everyone in Sacramento knows carry Hennessey, and we are excited to have her back this season. Last, but not least, I am excited to collaborate with two wonderful choruses for our production of Beethoven's 9th, one from Davis and one from Sacramento. We will have incredible soloists for this concert too. And we will have a surprise ready, of course, as it should be!"

Season tickets are now on sale offering a 25% discount off the single ticket price. They are available through the Camellia Symphony box office; single tickets will go on sale August 1, 2013. To purchase tickets or for more information, contact the Camellia Symphony office at: (916) 929-6655 or log onto www.camelliasymphony.org.
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(2013 CMS [College Music Society] International Conference, Argentina - 20 June 2013)
Something Borrowed, Something New: The Marriage of Stylistic Elements in Works by Milhaud, Abras and Riley for Piano 4-hands

This recital [performed by Duo Solose (Jane Solose and Kathleen Solose)] presents works which exemplify the appropriation of contrasting cultures and musics by a Frenchman, an American and an Argentinian. Darius Mihaud and Terry Riley adopt elements of Latin and South American popular music, borrowing and quoting brazenly (in Milhaud’s case) without scruples, and (in Riley’s case) using infectious elements of rhythm and melody to inspire a highly original language. Argentinian Juan Manuel Abras’ 'Estelango' borrows and combines elements of music from the Baroque and Classical periods with those of tango music.

'Boeuf sur la Toit' by Milhaud is a compilation of popular Brazilian dance genres including the tango, the samba, the canção, the cateretê, the corta-jaca and the polka by various famous composers of popular dance-music including Marcelo Tupinambá, Ernesto Nazareth, Catulo da Paixão Cearense and several others. It is interesting the composers and pieces are not acknowledged by Milhaud, although scholars have easily identified the sources. A case of “plunderphonics”?

In his humorous 'Estelango' Abras works the tritone sonority (with its multiple associations) extensively in a quick tango tempo, briefly alluding to a diminished 7th and Classical cadential trill context, only to return to the original leg-kicking tango parody.

Terry Riley himself describes 'Cinco de Mayo' as “a work in one movement with infectious swirling Latin melodies and rhythms”. Venturing far beyond catchy rhythms, this complex piece features a polarized use of register and unusual vertical sonorities. The piece culminates in a jubilant, dizzying finale, a tour de force of the piano 4-hand repertoire.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 12 June 2013)
Estreno en París de Juan M. Abras

La obra Moment musical sur un thème de P. et M. Hill, compuesta por el joven compositor y director de orquesta argentino Juan Manuel Abras a pedido del Ensemble Aleph, fue recientemente estrenada en el Théâtre Dunois de París dentro del marco de los festejos correspondientes al 30.º aniversario de dicha agrupación francesa que tuvieron lugar en la mencionada sala parisina. "Creado en 1983, el Ensemble Aleph es un colectivo de solistas asociados" (Dominique Clément, Sylvie Drouin, Jean-Charles François, Monica Jordan, Christophe Roy y Noëmi Schindler), "un grupo de intérpretes y de compositores, una formación de geometría variable, en busca de nuevas relaciones posibles entre el sonido y el texto, el movimiento y la música".

El programa de la velada se abrió con una charla mantenida entre Laure Marcel-Berlioz, Directora del Centro de Documentación de la Música Contemporánea de Francia, y el musicólogo Makis Solomos, especialista en la obra de Iannis Xenakis y el pensamiento de Theodor W. Adorno. Posteriormente, el Ensemble Aleph interpretó tres de las piezas que componen Die Stücke der Windrose (Las piezas de la rosa de los vientos) de Mauricio Kagel para dar luego paso al estreno de la mencionada obra de Abras, así como otras 43 piezas creadas por compositores que, al igual que éste, fueron también laureados a través de las distintas ediciones del Foro Internacional de Jóvenes Compositores organizadas por el grupo galo (Programa ‘Cultura 2000’ de la Unión Europea).

Asimismo, los compositores presentes arriba mencionados ofrecieron al público parisino una disertación moderada por Makis Solomos, durante la cual relataron sus experiencias vinculadas a los 30 años de actividad internacional del Ensemble Aleph. Seguidamente, el conjunto francés ejecutó otras tres piezas de la mencionada obra de Kagel antes de coronar el evento con un bufé realizado en compañía de creadores e intérpretes que brindó a los oyentes la posibilidad de conversar con los artistas.

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(Pianists From the Inside, United Kingdom - 22 February 2013)
Juan Manuel [Abras - Interview by Malan Wilkinson]

• What motivates you to compose?

Composing is, for me, an inner necessity: music is a fruit of the spirit that can sometimes lead us to the Absolute. When you compose, it becomes possible to fulfill the desire to create a world of your own, a personal microcosm where you set the rules and also make their exceptions. Along with my constant goals, there are everyday events that, providentially, act for me as inspirational triggers: I unconsciously absorb these stimuli before combining them spontaneously into the seed of a musical whole that may not necessarily resemble its primeval components.
Through inspiration, during an 'inner vision', one’s mind often hears and sees fragments of a new work before even writing its first note, as if the piece was already finished; knowledge and experience then help me to process them through work and intuition (something that reminds me the way in which alchemy processes the prime matter). And, somehow, this seems to be connected to a sense of duty: one is moved to compose what it needs to be composed (thus, avoiding superfluous initiatives), focusing on oneself as the first listener of a new own piece, but bearing in mind its future audience as well.

• How would you describe your music?

My music is a faithful reflection of myself.

Within the frame of classical music, my output embraces many styles, techniques and genres while keeping an inner unity that can be often found in a sonorous discourse which dialogues with past and present towards future. You could say, in Chomskyan terms, that my music tends to manifest itself through varied surface forms which are often derived from a common deep structure. At the same time, some of my compositions are frequently nourished both by elements taken from Argentine folk music and urban dances-which I then incorporate into the classical music I write, often related to Viennese trends due to my relationship with Austria-and concepts like 'numinous', 'anamnesis', 'unity in variety' and 'union of the opposites', while containing references to fields that can range from theology to biology. By the use of different approaches and perspectives, including intertextual and ekphrastic ones, as well as by employing new technologies.

I always try to give my music a balance between emotion and thought.

• Can you explain a bit about your cultural influences?

UNESCO reaffirmed in 2001 that “culture should be regarded as the set of distinctive spiritual, material, intellectual and emotional features of society or a social group, and that it encompasses, in addition to art and literature, lifestyles, ways of living together, value systems, traditions and beliefs”.

Within that context, I have been always exposed to cultural diversities since I came to life, receiving influences from both my family (rooted in the present states of Spain, Italy and France, but recently settled in Argentina) and the countries where I lived and studied: Sweden (where I was born), Switzerland, Spain, Argentina, Italy, Austria, Germany and Poland. At the same time, I must also add to this those influences coming from my multiple objects of study, which I gladly absorbed as a composer, in this case, and not a as researcher (thus, avoiding any possible positivist controversy).

• How does cultural influences inspire your music?

I think the way that this happens is mainly due to the interaction of the previously mentioned cultural influences I have received during my life and the generative process related to musical composition I have just described in my answer to your first question.

• Are you interested in any particular kind of world music?

In 1994 Carl Rahkonen stated that “World music means different things to different people [...]. It is not Western art music, neither is it mainstream Western folk or popular music. World music can be traditional (folk), popular or even art music, but it must have ethnic or foreign elements”. In that case, I must confess that my interest comprises every possible kind of world music available: from Greenland to Antarctica and Alaska to Kiribati; from the settlements near Mount Everest to those communities close to the Dead Sea. However, in my compositional output you may usually find those elements taken from Argentine folk music and urban dances I previously cited, which I often integrate into my classical music works (as I already said, frequently linked to Viennese trends, given my relationship with Austria) without neglecting, at the same time, those elements coming from the aforementioned different cultures I absorbed.

Simultaneously, I have been always fascinated by some world music historically linked to Christianity, Judaism, Islam, Hinduism, Buddhism and other religions.

All this explains why some of my works are entitled “Chacarera meets the Puna”, “Pésame (Actus contritionis)”, “Huayno meets the Milonga”, “Pentecostés (Veni Sancte Spiritus) “, “Chacarera endebussyada”, “De coelesti hierarchia”, “Chacarera beatboxera”, “Dialogos between Moses, Demosthenes, Virgil and Turing”, “Milonga meets Malambo”, etc.

• Who has influenced you as a composer and why?

A considerable source of influences came directly from the composers I studied with during my studies and courses at the University of Music and Performing Arts Vienna, Krakow Academy of Music, ‘Manuel de Falla’ Superior Conservatoire of Music Buenos Aires and other institutions: Krzysztof Penderecki, Kurt Schwertsik, Karlheinz Stockhausen, Helmut Lachenmann, Wolfgang Rihm and Roberto García Morillo, among others.

Other classical music influences came through some of the many composers whose works I have studied, conducted, played and listened to: from medieval plainchant to current contemporary pieces of different trends, passing through Renaissance, Baroque, Classical, Romantic and 20th-century music. And, within this context, I must also mention the influences I also received from some folk and popular (including film) music I have been in contact with. All the influences I referred to previously were absorbed by me during a natural process of interaction; I consider them beneficial to me and hold them in esteem.

• You won the Grafimuse Prize (Brussels, 2011). Can you tell us a bit about this prize?

The Grafimuse Prize (Lachert Foundation Brussels, Deposito dei segni) is the latest of more than a dozen awards and scholarships that, thank God, I have won during the last decade (three of them in Vienna, Austria). Its artistic director was Piotr Lachert, the jury was headed by Joerg Gruenert and its organizers (IRIC Thracica was one of the partner organizations of the competition) stated that the “first contest/festival of Grafimuse is open to all musicians around the world, professionals and students, of all ages. The purpose of the contest is the creation of two-dimensional works of visual art”. The “winning works will be printed [...] and will be exhibited in the following places: Chieti, Fermo, Kraków, Pescara, Sambuceto, Santos, Sofia, and Warsaw. During this exhibition, concerts/artistic happenings (instrumental, dance, vocal, and movement) will take place using the winning entries. The works will be treated as sources of artistic inspiration for improvisation, as well as graphic scores”.

• Can you tell us a bit about your current composing?

I am currently working on a 'birthday' piece for the Ensemble Aleph (France), whose members kindly asked the composers who took part in the several editions of their International Forum for Young Composers (Program Culture 2000 of the European Union) to compose a work to celebrate the ensemble’s 30th anniversary, a composition which will be premiered in Paris during June 2013 at the Théâtre Dunois. At the same time, I am sketching a new concerto while giving shape to a number of symphonic, choral and solo works which are planned to be premiered during 2013-14 in Europe and the Americas. Last but not least, I also keep on working on various pieces related to one of my two ongoing PhDs at the Pontifical Catholic University of Argentina.

• Any exciting plans for 2013?

Yes! God willing, moving back to Europe, where I was born and raised, to continue there my work and studies as composer, conductor and researcher. However, in order to do so, I must call a halt to my teaching activities in Argentina, where I hold five chairs, in total, as Professor at the National University of Lanús (Techniques and Chamber Music of the 20th-Century) and the Superior Conservatoire of Music of the City of Buenos Aires ‘Astor Piazzolla’ (Analysis, Performance Practice, Contemporary Stylistics, Classical-Romantic Stylistics); and the same applies to my activity as researcher at the ‘Carlos Vega’ Institute for Musicological Research of the Pontifical Catholic University of Argentina. Nevertheless, I hope that going back to the Old World will contribute to consolidate and widen my current international career. May God grant it!

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(Diario Marca. La Historia de Oaxaca, Mexico - 21 November 2012)
Hoy
Tocará en "Instrumenta Oaxaca" el flautista András Adorján

• En La Ofrenda Musical Johann Sebastian Bach participa András Adorján, en el Ex Convento de San Pablo
Oaxaca de Juárez, Oax- Este miércoles 21 de noviembre las actividades académicas y musicales de Instrumenta Oaxaca 2012, “Los paisajes imaginarios”, incluyen además de muchas horas de clases y talleres, presentaciones del programa “Instrumenta en tu Universidad”, y los conciertos La Ofrenda Musical Johann Sebastian Bach y En un paisaje imaginario, en el Teatro Macedonio Alcalá, para culminar la noche.

"Instrumenta en tu Universidad" se llevará a cabo a las 17:00 horas en el Paraninfo de la Facultad de Derecho de la UABJO, donde los maestros Juan Hermida, violoncello y Misa Ito, piano, interpretarán obras de Claude Debussy, Nikolai Miaskovsky, Astor Piazzola y Juan Manuel Abras.

A las 18:00 horas, como parte de este mismo programa que pretende establecer puentes de interacción entre la comunidad universitaria y la música, un ensamble de Instrumenta ofrecerá un recital en la Universidad Mesoamericana, ubicada en Avenida Juárez.

Dicha presentación dará muestra del trabajo realizado por maestros y alumnos en los talleres de Instrumenta Oaxaca 2012. En la presente edición, este encuentro académico y artístico continúa con su enfoque en la práctica de la música de cámara.

A las 19:00 horas, el Ex Convento de San Pablo de la Fundación Alfredo Harp Helú Oaxaca será la sede de "La Ofrenda Musical Johann Sebastian Bach", donde, Manfred Kraemer, violín; Juan Carlos Zamudio, violín; Balázs Máté, violoncello barroco; András Adorján, traverso; y Eunice Padilla, clavecín, interpretarán piezas de Bach.

Cabe destacar en este concierto la participación de András Adorján, uno de los flautistas más reconocidos en el orbe, por su virtuosismo, que nos acompaña esta edición de Instrumenta Oaxaca, Los paisajes imaginarios.

La Ofrenda musical de Johann Sebastian Bach (1685-1750) se distingue de cualquier otra obra "ofrecida" a algún músico o institución porque ésta obra específica fue preparada e interpretada por el propio receptor de dicha dedicatoria y por el compositor de la misma y éstos no podían ser más relevantes.

Como tantas obras musicales su nacimiento está rodeado de anécdotas y leyendas. En 1747, Bach se había visto precisado a viajar a la corte de Postdam, por consideración a su hijo Carl Philipp Emanuel Bach, quien trabajaba para el monarca Federico II, Rey de Prusia, (tal vez el mayor monarca músico y compositor de la historia) y éste habría precisado su interés en que Papá Bach lo visitara, lo escuchara tocar sus obras para flauta y que también tocara para él. Para entonces ya Bach era reconocido como el gran maestro de la improvisación y de la fuga.

El día de actividades académicas y artísticas lo cierra la velada "En un paisaje imaginario", a las 20 horas en el teatro Macedonio Alcalá.

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(La Catarina, Año 12, No. 354, Mexico - 22 October 2012)
La búsqueda inter, trans y multidisciplinaria. Interacciones disciplinarias entre las Artes y las Ciencias
​Fernanda Muñiz Salazar
fernandamunozsr@udlap.mx

El 5° Festival Internacional de Música Contemporánea: Discantus Nuevos Escenarios del Arte dio inicio el día 12 de octubre. El grupo que abrió los conciertos fue el “Trío de las Américas”, integrado por profesores de la UDLAP: Misa Ito (pianista y maestra de tiempo completo en la licenciatura de música), Jackeline González (violinista y maestra en la licenciatura en música) y Juan Hermida (violonchelista y jefe del departamento de Artes). El programa estuvo conformado por cinco obras escritas por compositores del siglo XX y XXI: Tres pièces originales de Enrique Fernández Arbós (España, 1884), Fiddle Sonata de Mark O’Connor (E.U., 1997), Milonga en re de Astor Piazzolla (Argentina, 1970), Milonga meets Malambo de Juan Manuel Abras (Argentina, 2011) y Slow Dance de Kenji Bunch (E.U., 1996). A partir de la obra de Piazzolla fue que se proyectaron fotografías de Enrique Soto, con la idea de presentar en el escenario la interacción entre distintos campos artísticos.

La finalidad del Festival Discantus consiste en hacer interactuar a la gente con las nuevas obras artísticas y los recientes avances tecnológicos que conforman el arte multimedia, para “formar un público cada vez más interesado en el acontecer musical de nuestro tiempo” comenta Jorge Andrade, director artístico del Festival; igual que plantea los dilemas filosóficos que han surgido en los últimos años, o que se vienen discutiendo desde hace ya algunas décadas. "El subtítulo que ahora adoptamos, Nuevos Escenarios del Arte, expresa una nueva inclusión: la de integrar manifestaciones innovadoras asociadas al sentir generalizado en las artes de una nueva generación, y a las búsquedas inter, trans y multidisciplinarias" agrega el Mtro. Andrade. Vivimos en una época donde el conocimiento es cada vez más incluyente, es decir, la fragmentación que se venía dando entre distintas disciplinas se está desvaneciendo. Ese es el mensaje de Discantus este año.

El festival terminará el 21 de octubre y tiene lugar en distintos puntos del centro de la ciudad de Puebla. Para mayores informes: www.imacp.gob.mx o www.pueblacapital.gob.mx

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(La Jornada de Oriente - Puebla, Mexico - 15 October 2012)
Este año se abre como un nuevo escenario del arte multidisciplinario a nivel nacional
Pluralidad, innovación e inclusión, rasgos de Discantus en sus cinco años: Andrade
​Por: Paula Carrizosa

"Pluralidad, innovación e inclusión, han sido tres de las características que han definido al festival Discantus a lo largo de sus cinco ediciones, ya que ha conjuntado las propuestas de los jóvenes creadores con los criterios universales de la música", señaló su director artístico Jorge Andrade Roca, quien acotó que este año se abre como un nuevo escenario del arte multidisciplinario nacional con el que Puebla se coloca a la altura de otras propuestas generadas en San Luis Potosí, Michoacán, Oaxaca y el Distrito Federal.

El fin de semana en el Teatro de la ciudad se inauguró este festival que ofrecerá hasta el próximo 21 de octubre distintos actos académicos y presentaciones artísticas multidisciplinarias. Para Jorge Andrade esta quinta edición “posiciona a Puebla en la geografía regional y nacional como un espacio para el arte internacional, que forma a un público interesado en las músicas de los siglos XX y XXI”.

Durante su discurso inaugural señaló que este año Discantus se abre como un espacio en el que se integran la inter, la trans y la multidisciplina, con proyectos artísticos que se mezclan con las ciencias sociales, naturales, exactas y humanas.

Discantus, señaló Andrade Roca, “trata de mostrar el arte en la vanguardia de la ciencia, de las interacciones disciplinarias entre el arte y la ciencia, para dar una nueva luz a Puebla”.

Para comenzar el festival el Trío de las Américas, integrado por la pianista Misa Ito, la violinista Jaqueline González y el violonchelista Juan Hermida, ofrecieron el concierto “Convergencias a tres. Sonidos, imágenes y evocaciones” que incluyó la música de autores contemporáneos y se acompañó de una serie fotográfica de Enrique Soto, fisiólogo y director de la revista Elementos de la Universidad Autónoma de Puebla.

La primera obra del concierto fue un set de tres danzas españolas antiguas –un bolero, una habanera y una seguidilla gitana–, escrita por el compositor Enrique Fernández, que remiten al folclore español; mientras que la segunda se trató de un pieza del estadounidense Marc O’Connor, integrada por cuatro movimientos que remiten a un estilo irlandés llamado “fido”, y que requieren del virtuosismo del violinista –en este caso Jaqueline González— por el ritmo de la pieza.

Tras una pausa, el Trío de las Américas –que recientemente participó en el 34 Foro internacional de música Nueva Manuel Enríquez, en la ciudad de México–, ofreció la Milonga en re, de Astor Piazolla y Milonga Meets Malambo, de Juan Manuel Abras, para marcar la diferencia de géneros en la obra de dos compositores argentinos, ambos del siglo XX.

En ambas piezas, el fondo del Teatro de la ciudad sirvió como una pantalla de proyección de la serie fotográfica de Enrique Soto: la primera con imágenes de la naturaleza –árboles, aves, enramados– y la segunda con escenas citadinas –edificios, calles, alambrados, enrejados, grafittis, puertas, ventanas–, que se adecuaban a su ritmo.

Para cerrar, la agrupación ofreció la pieza Slow dance, de Kenjo Bunch acompañada de la fotografía a color de Soto, integrada por acercamientos a la maquinaria, los engranes, las cadenas y la movilidad de una industria.

Hoy, 15 de octubre, se realizarán las siguientes actividades de Discantus: la conferencia “En busca del contacto con nuestros ancestros que migraron al mar” de Ariel Guzik a las 16 horas en el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla (IMACP), y el concierto “Homenaje a Revueltas, Moncayo y Noriega” del Ensamble de Cámara del IMACP, en el Teatro de la ciudad a las 19 horas.

Durante la semana destacan la inauguración de la instalación sonora “Cápsula Nereida” del propio Guzik, y el videoarte de Iván Puig, y el concierto “Interacciones dimensionales”, del Cuarteto Latinoamericano (16 de octubre), además de la charla “Utilería sonante” de Joaquín Orellana, la plática “Arte generativo, reactividad y música” de Iván Macuil y la presentación de Tábula Rasa, con “Entre dos siglos” (17 de octubre).

Otros serán la mesa de debate “Arte y cerebro”, con la participación de Francisco Gómez y Joseline Vega; la ponencia “Algoritmos matemáticos en la composición musical”, de Susana Tiburcio, y el concierto “Temporalidades transversales” de la brasileña Iracema de Andrade para el jueves 18, mientras que para día 19 resaltan las conferencias “Cielo quántico”, del serbio Micho Durdevich, y “Explorando en las fibras de la música”, de la guatemalteca Alejandra Privado, seguidas del concierto “Interacciones místicas y ancestrales”, con Orellana y el coro Victoria de Guatemala.

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(Cantabile. Revista de Música Clásica. Año 14, N° 65, Argentina - September / October 2012)
En busca de una identidad
​Los aniversarios redondos que conmemoran este año a compositores como Alberto Williams, Carlos Guastavino o Astor Piazzolla, dan pie a una reflexión sobre la música argentina, los avatares del nacionalismo y el derecho a la construcción de una cultura a partir de valores universales.
Texto: Daniel Varacalli Costas

Cada año se renuevan los pretextos para meditar sobre la música argentina. Aunque gratuitos, los aniversarios se han convertido en un peculiar criterio local de programación y hasta de exhumación; vale la pena repasar los correspondientes a 2012: 150 años del nacimiento y 60 de la muerte de Alberto Williams; 100 del nacimiento de Carlos Guastavino, y 20 de la muerte de Astor Piazzolla.

A su modo, cada uno de estos compositores representa estadios sucesivos de nuestro “nacionalismo musical”, una denominación con tantos significados que suele tornarse equívoca.

Para la época del patriarca de la música argentina, la gestación de un estilo nacionalista se inscribía en el trasvasamiento del modelo europeo, en particular el francés, acorde al proyecto de la Generación del ’80. Es interesante acceder a los términos en que se planteó la discusión en la Legislatura de la Provincia de Buenos Aires en 1882, cuando se decidió acordar a Williams –contra una oposición que no veía el objeto de financiar a un músico– una beca para estudiar por cuatro años en París.

Williams logró así formarse con César Franck y estrenar sus primeras obras en Europa; fue el único argentino en dirigir la Filarmónica de Berlín en un concierto monográfico. Volvió al pago para encontrar un desierto que él irrigó con la creación del primer Conservatorio, privado, sin subsidios, que formó la generación inicial de músicos profesionales argentinos y se extendió por todo el país.

Para la época en que Carlos Guastavino comenzó a componer, el “nacionalismo” había tomado otro perfil menos saludable. Basta para ello leer las memorias en cuatro tomos de Manuel Gálvez –y compararlas con el ideario de Paul Groussac, en ‘Los que pasaban’– para advertir cómo hacia la década de 1930 el nacionalismo había virado hacia un perfil muy diferente: el rescate de la más rancia tradición hispánica, la reivindicación de lo rural como paradigma de virtud frente a la corrupción de lo urbano, la primacía del catolicismo sobre cualquier otra escala alternativa de valores, y –en consecuencia– de la corporación sobre el individuo. La “gran aldea” que el liberalismo había hecho de la Buenos Aires colonial había pasado a ser una megalópolis de inmigrantes anarquistas que era necesario controlar.

El tango, producto de esa “mescolanza” que la posteridad bautizó “crisol de razas”, era un género indigno y prostibulario, lo que se patentiza, por ejemplo, en la casi total ausencia de este folklore en la obra de Alberto Ginastera.
A tal punto que “folklore” sigue siendo un término tan equívoco como “nacionalismo”. Todavía hoy el folklore urbano necesita ser adjetivado y no parece ser fuente de tanta “sabiduría popular” como su par campestre.

Si en Williams las miniaturas pianísticas y su emblemático ‘Rancho abandonado’ conviven con formas abstractas en un lenguaje romántico tardío, a menudo bellamente anacrónico, a menudo estrambóticamente original (sinfonías, poemas sinfónicos, suites, sonatas), en Guastavino el privilegio de la melodía diáfana y el ritmo de inconfundible sabor “de tierra adentro” se sobreponen a cualquier concepto de música absoluta. Por lo demás, el santafesino
fue un declarado enemigo de toda vanguardia; en este sentido, su reacción se encuentra en las antípodas de Juan Carlos Paz.

Con Piazzolla, finalmente, el “nacionalismo” da una nueva vuelta de tuerca que genera –al decir de Fischerman y Gilbert– un “malentendido”: el de suponer que el marplatense es un músico académico, en lugar de un compositor de música popular para ser escuchada, esto es, con genuino contenido artístico, pero con reglas distintas de las que rigen la música europea de tradición escrita, con las cuales trabajó Alberto Williams.

Tangos cultos

En una reciente edición, el sello ‘Gourmet Musical’ recoge una serie de minuciosos trabajos producto de un seminario universitario coordinado en 2007 por Esteban Buch. Bajo el título por lo menos paradójico de ‘Tangos cultos’ analiza la presencia, bajo diversas formulaciones, del tango en la obra de compositores “académicos”. La trayectoria que se infiere del libro es que la labor del actual compositor profesional se aleja de la “sublimación” del folklore bajo nuevos ropajes tímbricos y armónicos, para limitarse a tomar del “acervo popular” un motivo, una imagen, un color que de manera “residual” (Monjeau) aporte una referencia, a menudo nostálgica, en un marco musical tributario de las técnicas establecidas en el siglo XX (como en los ‘Postangos’ de Gerardo Gandini). En lugar de ser relativizada, la dicotomía clásico-popular parece revivir; si se habla de “tangos cultos” se apela a un oxímoron que supone una creencia arraigada en el lector: la de que clásico y popular representan mundos diversos y en cierta medida incompatibles.

Como en tantas ocasiones, la palabra de Borges, cristalizada en la tesis de Beatriz Sarlo, aparece como iluminadora en este contexto: un país que está en las orillas de los centros de la cultura tiene derecho a toda la tradición de Occidente (y por qué no, de Oriente, y de la humanidad toda); puede aspirar legítimamente a tomar lo bueno donde lo encuentre para definir su propia identidad. La obra de Borges así lo demuestra, y también la de tantos compositores argentinos que hoy trabajan –en nuestro país y en el extranjero– libres de toda impostación nacionalista.

La historia como clave

Llegados a este punto, podría uno preguntarse qué valor tiene el rescate de esa obra que, como la de Williams, Guastavino y aun del mismo Piazzolla, se definen por acomodamiento u oposición a una tradición que reclamaba para sí la idea de una nacionalidad.

Acaso la respuesta no sea distinta que aquella que otorga valor a la historia, no como relato nostálgico y anecdótico del pasado, sino como discurso que opera sobre el presente, al margen de la percepción o el conocimiento de sus destinatarios.

Como una suerte de inconsciente colectivo, la historia le da forma al presente de manera constante; por eso en la música no es posible desentenderse de lo que se ha hecho y en nuestro país de lo que el “nacionalismo” ha significado, aun en sus vertientes más siniestras. Cuesta pensar, por ejemplo, que el único libro existente sobre Williams, firmado por Jorge Pickenhayn, fue encargado por la última Junta Militar, cuyas autoridades figuran en la portada interior. Cuesta pensar en esa retorcida vuelta de tuerca por la que la Argentina abandonó un proyecto de país liberal, laico e ilustrado, para ser un país autoritario, supersticioso y empobrecido, un lastre que perdura hasta hoy.

El rescate del corpus compositivo argentino no tiene sólo un interés geográfico: sus vericuetos, siempre paradójicos, generan pensamiento sobre una identidad al margen de cualquier simple apropiación de lo foráneo o cualquier pueril rechazo de lo establecido.

Rectas y curvas

Generar pensamiento en torno a la música concebida en la Argentina o por argentinos (lo que es extensible a toda América latina) es un primer paso que, aunque pueda parecer teórico, resulta fundamental para la construcción de una cultura. Libros como ‘O juremos con gloria morir: historia de una épica de Estado’ o ‘El affaire Bomarzo’, de Esteban Buch; ‘Piazzolla, el malentendido’, de Diego Fischerman y Abel Gilbert; ‘Música y modernidad en Buenos Aires’ de Omar Corrado o La obra musical de Carlos Guastavino, de Silvina Luz Mansilla (único estudio exclusivo de este compositor), representan propuestas superadoras de una historiografía convencional, sin desmedro del valor de la musicografía precisa y documentada de la que nuestro medio carece por su propensión a destruir su patrimonio.

Paralelamente, un conjunto de hacedores comprometidos con el rescate del material argentino busca con denuedo espacios de expresión que permitan al menos conocer esa música con un grado razonable de calidad, otro aspecto que le ha sido sistemáticamente negado. Uno de sus puntos de partida fue la tarea de la pianista Estela Telerman, primero con el Grupo Drangosch y luego con Argentmúsica.

La tarea del director y compositor Lucio Bruno-Videla, por su propia iniciativa y desde su puesto en el Instituto de Investigación en Etnomusicología de la Ciudad, es incesante y sacrificada. Su exhumación de la ópera ‘Chasca’, de Enrique Mario Casella, es sólo un hito de una tarea continua de fijación y almacenamiento de manuscritos que se encuentran al borde constante de la desaparición.

Otro director de orquesta, Gabriel Castagna, logró lo que pocos (con excepción de Valentín Surif y su serie interrumpida de la obra para piano de Williams en ‘Naxos’): grabar en Europa (y colocar en el sello ‘Chandos’) con un alto nivel de calidad obras de Williams, Guastavino y Piazzolla, pero también de muchos otros autores y aun con intérpretes locales. Comparte con Bruno-Videla su afán por lograr versiones legítimas y depuradas de partituras de autores argentinos, víctimas en la mayoría de los casos de la orfandad de editores responsables y de consecuentes programadores.

La apertura de la sala Alberto Williams en el Centro Cultural Borges, bajo la conducción artística del pianista Tomás Ballicora, es otro de los acontecimientos de interés, máxime cuando se ha materializado en un ciclo que está dando a conocer infinidad de obras vinculadas –o no– con los aniversarios que se conmemoran.

Mientras tanto, los compositores argentinos de formación académica, siguen ingeniándoselas para otorgar identidad a una técnica determinada invariablemente por las vanguardias europeas de principios del siglo XX.

Aunque alumno de Stockhausen, Lachenmann y Rihm, Juan Manuel Abras acaba de estrenar ‘Milonga meets Malambo’ en México y ‘Chacarera endebussyada’ en Madrid, y Esteban Benzecry ‘Rituales amerindios’ en Amsterdam, Londres y próximamente en Estados Unidos dirigido por Gustavo Dudamel. Por su parte, Juan María Solare, en sus obras incluidas en ‘Tango Monologues’, inaugura una forma original de componer a partir del tango.

No menos argentinos –u originales– son todos aquellos creadores que, en nuestro país o en lugares claves del mundo, trabajan una música más abstracta, menos referencial, más o menos libre o serial, pero siempre dirigida a bucear nuevos universos sonoros. Todos ellos tienen el mismo derecho “borgeano” a tomar del universo los rasgos de una deseable identidad. De no entenderse así, seguirá teniendo vigencia la afirmación de John Cage: “El mejor compositor europeo es argentino y se llama Mauricio Kagel”.

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​(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 27 June 2012)
Estrenos de Abras en México y España

La agrupación mexicana Trío de las Américas (integrado por Misa Ito, Jackeline González y Juan Hermida) tuvo a su cargo el reciente estreno absoluto de Milonga meets Malambo, obra del joven compositor y director argentino Juan Manuel Abras Contel (Estocolmo, 1975), durante un concierto que se llevó a cabo en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México dentro del marco del XXXIV Foro Internacional de Música Nueva 'Manuel Enríquez', evento organizado por la Coordinación Nacional de Música y Ópera del Instituto Nacional de Bellas Artes azteca.

Paralelamente, la pianista argentina Natalia González Figueroa brindó al público español el flamante estreno europeo de Chacarera endebussyada, otra composición de Abras Contel, que tuvo lugar durante un concierto desarrollado en el Palacio Longoria de Madrid, sede de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) de España, y fue organizado por Musikeon, la Asociación Mujeres en la Música y el Foro Argentino de Compositoras.

Las dos obras mencionadas se insertan en una de las líneas compositivas que, incorporando a la música clásica elementos de las danzas folclóricas argentinas, presenta la polifacética producción de Abras Contel, multipremiado compositor, director e investigador que fuera discípulo de Krzysztof Penderecki en Cracovia y se perfeccionara en Viena con Kurt Schwertsik y Leopold Hager, teniendo también como docentes a Karlheinz Stockhausen, Helmut Lachenmann y Wolfgang Rihm.

(CONACULTA (Consejo Nacional para la Cultura y las Artes), Mexico - 19-06-12)
El Trío de las Américas y Mary Elizabeth Thompson, presentes en el Foro Internacional de Música Nueva
​Comunicado No. 1336

• La noche del lunes 18 de junio ofrecieron el programa 17 de este encuentro, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes

Con estilos disímbolos que no obstante se complementaron en el escenario, el Trío de las Américas y la flautista Mary Elizabeth Thompson estuvieron presentes en el 34 Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez.

Los artistas ofrecieron la noche del lunes 18 de junio el programa 17 de este encuentro, en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, donde obsequiaron interpretaciones que mostraron un amplio panorama de las búsquedas creativas de compositores contemporáneos, centrándose en piezas realizadas de 2003 a 2011.

La primera en subir al escenario fue la flautista Mary Elizabeth Thompson, quien sorprendió con obras hasta ahora no interpretadas en Mexico, como Three Beats for Beatbox Flute (2011), de Greg Pattillo, que fue muy celebrada por sus diversas variaciones y tonos concretos.

Asimismo, Thompson ejecutó Lifestream (2011), de Jean Angelous Pichardo, pieza de gran exigencia técnica y en la que la flauta intercala diversos matices acústicos.

Finalmente, la virtuosa obsequió House on Fire (2003), de Forrest Pierce y A Moment for Elliot Smith (2006), de Caleb Burhans, mostrando por qué ambos compositores están considerados actualmente entre los más propositivos en el panorama de la música contemporánea.

A continuación, el Trío de las Américas inició su presentación con Scala cromática (2007), de Arvo Pärt, pieza en la que se apreció la perfecta integración de los intérpretes de la agrupación Misa Ito, en el piano; Jackeline González, en el violín y Juan Hermida, en el violonchelo.

El trío siguió con las composiciones Kord Kalligraphy No. 9 (2003), de Reza Vali y El rincón de los recuerdos (2006), de Héctor Quintana, que conmovieron a los asistentes por su gran belleza y fueron celebradas con largos aplausos.
Finalmente, los músicos dieron a conocer al público Two Vocalises (2001), de Mark Anthony Turnage, y Milonga Meets Malambo (2011), de Juan Manuel Abras, en las que el piano y las cuerdas se fundieron en un gran lienzo musical que se apoderó de la acústica de la Sala Manuel M. Ponce, donde nuevos aplausos sellaron este recorrido por lo mas novedoso de la música contemporánea.

HBL México / Distrito Federal

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​(El informador, Mexico - 19 June 2012)
Se presentan el Trío de las Américas y Mary Elizabeth en Bellas Artes
​• Los artistas ofrecieron el concierto en la Sala Manuel M. Ponce
• La flautista y el grupo participan en el 34º Foro Internacional de Música Nueva 'Manuel Enríquez', centrando su presentación en obras realizadas de 2003 a 2011

CIUDAD DE MÉXICO - Un amplio panorama de las búsquedas creativas de compositores contemporáneos ofreció el Trío de las Américas y la flautista Mary Elizabeth Thompson, durante su participación en el 34º Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez.

Los artistas, que ofrecieron un concierto en la Sala Manuel M. Ponce, del Palacio de Bellas Artes, centraron su presentación en obras realizadas de 2003 a 2011, informó el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta).

Para dar inicio con esta presentación, Thompson sorprendió a los espectadores con su interpretación de "Three Beats for Beatbox Flute" (2011), del compositor estadounidense Greg Pattillo, pieza que no había sido interpretada en el país.

La joven flautista continúo su participación en este encuentro de música con "Lifestream" (2011), de Jean Angelous Pichardo, pieza de gran exigencia técnica y en la que la flauta intercala diversos matices acústicos; "House on Fire" (2003), de Forrest Pierce y "A Moment for Elliot Smith" (2006), de Caleb Burhans.

Por su parte, el Trío de las Américas inició su presentación con "Scala cromática" (2007), de Arvo Pärt, obra en la que se apreció la perfecta integración de los intérpretes de la agrupación.

Para continuar, el grupo ejecutó "Kord Kalligraphy No. 9" (2003), de Reza Vali y "El rincón de los recuerdos" (2006), de Héctor Quintana, obras que notablemente conmovieron a los asistentes, que en respuesta aplaudieron con fervor.
Finalmente, los músicos interpretaron "Two Vocalises" (2001), de Mark Anthony Turnage, y "Milonga Meets Malambo" (2011), de Juan Manuel Abras, en las que el piano y las cuerdas se fundieron al unísono.

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(Instituto Nacional de Bellas Artes. Minuto X Minuto, Mexico - 13 June 2012)
Del 14 al 18 de junio, 34 estrenos en el marco del FIMNME
• Las sesiones serán en el Cenart, Sala Ponce del PBA y el Auditorio Silvestre del CNM
• De los 34 estrenos 14 serán mundiales y 20 en México

El XXXIV Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez (FIMNME) continúa su programación y del 14 al 18 de junio ofrecerá nueve conciertos en los que se incluyen 34 estrenos, de los cuales 14 serán mundiales y 20 nacionales. Las sedes para estas sesiones serán el Auditorio Blas Galindo del Centro Nacional de las Artes (Cenart), la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes (PBA) y el Auditorio Silvestre Revueltas del Conservatorio Nacional de Música (CNM).

El jueves 14 y viernes 15 de junio se ofrecerá los programas 9, 10, 11 y 12, en el Auditorio Blas Galindo del Cenart, con dos conciertos por día, el primero a las 17:00 y el segundo a las 20:00 horas.

El Duplum Dúo (Fernando Domínguez, clarinetes,e Iván Manzanilla, percusiones) inicia la jornada el jueves 14 con las obras ¡Qué alta va la luna! (Lucía…) (2011), de Georgina Derbez; A la sombra del azul (2011), de Arístides Llaneza; Quantum Leap II (2011), de Ignacio Baca Lobera, y Last (1997), de Philippe Manoury, sesión con tres estrenos mundiales y uno en México.

El programa 10, a las 20:00 horas, será ido en dos partes, la primera a cargo del Ensamble Cello Alterno (racema de Andrade y Edgardo Espinosa) y la pianista Edith Ruiz,. Con las obras: Sin título (2010), Sandra Lemus Hernández; Romance de Hsiao y Chin (1998), de Chen Yi, y Venus Express (2009), de Hébert Vázquez.

Después del intermedio se tocarán tres estrenos en México a cargo del Ensamble Tamayo (Shari Mason, Jacob DeVries, Gregory Daniels y Ana María Tradatti): Ave María...Virgo Serena (2007), de Charles Wuorinen; Between Tides (1993), de Toru Takemitsu, y Simaku (1996), de Kevin Puts.

El primero de los conciertos del viernes15, a las 17:00 horas, contará con un estreno mundial y cinco en México, interpretados por las percusiones de Aldo Aranda y el ensamble Liminar, con José Luis Castillo como director huésped.

Las obras son: Matching (2006), de Alejandro Castaños; Enclosure (2008), de Hugo Morales; Lago Argento (2009), de Martín Jaroszewicz; Máquina Esquiza I y II (2010, de Iván Naranjo; My Life Has Been Filled with Terrible Misfortune, Most of Which Never Happened (2004), de Sergio Luque, y Fractis umbraculis (2011), de Alejandro Romero.

En el Programa 12, el viernes 15 a las 20:00 horas incluirá tres estrenos mundiales y uno en México, con el Ensamble Nuevo México, bajo la dirección de Irina Toledo Chávez: Sonetos de agua (2011), de Gilberto Moreno Ramos; Red in Volatile Blue (2008-revisión 2012), de Diana Syrse Valdés; Mokhäh ¡te ra mänto! (2004), de Gabriel Pareyón, y Entelequia (2004) de Douglas Tarnawiecki.

El Programa 13 será en la Sala Manuel M. Ponce del PBA el sábado 16 de junio a las 12:00 horas. Ahí la soprano Karla Muñoz Arias, acompañada al piano por Dmitri Dudin, interpretarán dos estrenos mundiales y tres en México: Mirabai Song (1983), de John Harbison; Cinco miniaturas (2011), de Mario Stern; Quattro liriche di Antonio Machado (1948), de Luigi Dallapiccola; Sueño mexicano (2011), de Fernando Cataño, y Quatre Instants (2003), de Kaija Saariaho.

Este mismo día, a las 18:00 horas en el Auditorio Blas Galindo del Cenart, se realizará el programa 14, con un concierto electroacústico que incluye dos estrenos mundiales y uno en México: Arte Meridiem (2011), de Alejandro Casales; Nei Lau (2011), de Wan Yuk Bun; Birdcage on Stuff (2009), de Ernesto Illescas Peláez; Fractalidad (2011) y Gravedades (2011), de Héctor Ulises Vera Rodríguez; Naturaleza acusmática (2011), de Luis Paul Millán, y David y Goliat, de Manuel Ramos Negrete.

El domingo 17 de junio a las 12:15 en el Auditorio Silvestre Revueltas del CNM, la Orquesta de Cámara de Bellas Artes bajo la dirección del huésped Rodrigo Macías y el solista invitado David Vázquez Esquivel (vibráfono), interpretarán el programa 15 del FIMNME. Para esta sesión se estrenarán una obra a nivel mundial y otra a nivel nacional, en el siguiente orden: Homenaje a cuatro, de Alicia Urreta; Concerto pour vibraphone et orchestra à cordes (1999, de Emmanuel Sejourne; Instinct (2008), de Anthony Green, y Por regiones, de Jesús Villaseñor.

Ese mismo día pero a las 17:00 horas en el Sala Manuel M. Ponce del PBA, se continuará con el programa 16, donde la Orquesta de Cámara Idée Fixe y el Cuarteto Arcano compartirán escenario para interpretar un estreno en México: Arco (2000), de Cosimo Colazzo, además de Música de feria (1932), de Silvestre Revueltas; String Quartet No. 4 (2011), de Michel Matthews, y Formas acuáticas (1999), de Leonardo Coral.

El Trío de las Américas y Mary Elizabeth Thompson en la flauta son los responsables del programa 17, que inicia la semana del FIMNME, este lunes 18 de junio a las 19:30 horas en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes. Dos estrenos mundiales y cinco en México se escucharán en este recital.

Las obras son Lifestream (2011), de Jean Angelous Pichardo; House on Fire (2003), de Forrest Pierce; A Moment for Elliot Smith (2006), de Caleb Burhans; Three Beats for Beatbox Flute (2011), de Greg Pattillo, interpretados por la flautista Mary Elizabeth Thompson.

Luego del intermedio tocará turno al Trío de las Américas, que ofrecerá: Scala cromática (2007), de Arvo Pärt; Kord Kalligraphy No. 9 (2003), de Reza Vali; El rincón de los recuerdos (2006), de Héctor Quintana; Two Vocalises (2001), de Mark Anthony Turnage, y Milonga Meets Malambo (2011), de Juan Manuel Abras.

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(Artnovini.com, Bulgaria - 22 May 2011)
Галерия „Арте” показва творби на лауреатите от конкурса „Графимуза”

СОФИЯ. Днес в столичната галерия „Арте” (ул. „Раковски” 183) ще бъдe открита изложба на победителите в Международния конкурс-фестивал „Графимуза” (Grafimuse), която представя картини, графики и фотографии, създадени от музиканти от цял свят. Идеята на събитието, организирано от белгийската фондация „Лахерт” (www.lachertfoundation.eu), е да вдъхнови специално специфичния синкретичен подход към изкуството и да заинтересува творци и публика, които имат синестезия, т.е. смесени възприятия като чуване на цветове и виждане на звуци. Сред най-известните синестети са композиторите Оливие Месиен, Дюк Елингтън, Николай Римски-Корсаков и др.

Победителите в конкурса бяха обявени в началото на юни и тази година те са: Хуан Мануел Абрас (Аржентина), Ан-Хелена Шлютер (Германия), Едгар Барозо (Мексико), Мартин Даске (Германия), Давиде Ремиджио (Италия), Марко де Биази (Италия), Кристия Дьопке (Германия), Манфред Гехан (Германия), Джакомета Мароне д’Алберти (Италия), Мацей Яржински (Полша), Барбара Марчинковска (Полша-Франция), Анна Михайлова (Русия), Фолкер Нихусман (Германия), Паола Фасоло (Италия), Силвия Хелщерн (Германия), Михаела фон Пилзах (Германия), Янив Сегал (САЩ) и Зак Шийтс (САЩ).

В България събитието се организира от Международния научен и информационен център „Трацика” (www.thracica.com) и галерия „Арте” (www.galleryarte.eu). На откриването, от 17.00 ч. в галерия „Арте”, студентите от департамент „Музика” на НБУ, ще изпълнят импровизации, вдъхновени от изложените творби.

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(UCActualidad N° 141, Argentina - May 2011)
Doctorando en música de la UCA premiado en Viena

Un jurado de Austria, Alemania y los Países Bajos otorgó al compositor argentino Juan Manuel Abras -quien cursa el Doctorado en Música en la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA el 2° Premio entre 140 postulaciones para el concurso internacional “Wiener Filmmusikpreis 2010” (Premio de Viena a la Música de Cine), organizado por la Sociedad de Compositores de Austria.

Abras, quien cursó estudios musicales en el Conservatorio Municipal “Manuel de Falla” de la Ciudad de Buenos Aires, es además Licenciado en Historia por la Universidad del Salvador. Entre 2001 y 2003, fue alumno de Kurt Schwertsik (Composición) y Leopold Hager (Dirección Orquestal), en los cursos de posgrado de la Universidad de Música y Artes Dramáticas de Viena y, entre 2006 y 2007, asistió al curso de Krzysztof Penderecki en la Academia de Música de Cracovia. En la actualidad, es alumno del Doctorado en Música de la Facultad de Artes y Ciencias Musicales de la UCA, con un proyecto de tesis sobre “Nuevas tecnologías y técnicas extendidas de la ejecución en referencia a lo numinoso: su aplicación a la música de cámara desde una perspectiva akfrásica e intertextual”, dirigido por el Dr. Pablo di Liscia (U.N. de Quilmes).

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(Ámbito Financiero, Argentina - 10 March 2011)
Diálogo con Juan Manuel Abras, uno de los compositores nacionales jóvenes más destacados de hoy
“Me decepcionó no ver más óperas argentinas en el Bicentenario”

• De padres argentinos (él diplomático y periodista, ella socióloga y profesora de piano), Juan Manuel Abras creció en Suecia, Suiza y España y llegó luego a nuestro país, donde fue tomando forma su vocación de compositor y director de orquesta, que a su vez perfeccionó en Europa, con Krzysztof Penderecki y Karlheinz Stockhausen, entre otros. Hoy reparte su actividad entre el nuevo y el viejo continente, y el año pasado fue admitido en la Sociedad Austríaca de Compositores y recibió el Segundo Premio del concurso Wiener Filmmusikpreis (Premio de Viena a la Música de Cine), sumando hasta el momento doce galardones y becas. Dialogamos con Abras acerca de su labor compositiva y de su visión de la actualidad musical argentina.

• -Periodista: ¿Es fácil para un compositor encontrar un lenguaje propio en el siglo XXI?

-Juan Manuel Abras: Es algo que tiene que surgir naturalmente. Pienso que ahora, igual que en la Edad Media, en la historia de la música a cada «ars antiqua» le sigue una «ars nova», y siempre se puede hacer algo nuevo. Lograr un estilo propio dentro de las tendencias actuales debería ser la consecuencia natural de la intuición, del conocimiento y del oficio del compositor. Si no, se corre el riesgo de caer en el ejercicio de estilo o en una originalidad forzada.

• -P.: ¿Qué papel cumplen en esa instancia las tradiciones o las estéticas anteriores?

-J.M.A.: Con la formación necesaria, uno puede valerse de ellas para expresar su propia individualidad; lo importante es lo que se dice con éstas. Pensemos que tanto Bach como HTMndel eran compositores barrocos y son tan similares como diferentes. En lo personal, las diversas estéticas de mis obras están intrínsecamente relacionadas con la «visión» que tengo de éstas antes de empezar a escribirlas: retomando los conceptos de Schenker, Chomsky, Tomaszewski y Solomos, diría que la unidad de las obras musicales no radica necesariamente en la estructura superficial que representa el estilo, sino en su estructura profunda.

• -P.: ¿Sigue vigente hoy en día en el mundo el concepto de «vanguardia»?

-J.M.A.: En muchos países de Europa está considerado anacrónico, y algunos compositores que antes era vanguardistas hoy son «retaguardistas», porque permanecieron anclados en los años 60 y 70, algo difícil de comprender desde Sudamérica. Hoy en día hay una gama ilimitada de posibilidades a la hora de componer.

• -P.: ¿Cómo percibe el panorama de la música contemporánea en la Argentina?

-J.M.A.: Me decepcionó mucho el bajísimo porcentaje de óperas y obras orquestales argentinas que se interpretaron en los principales teatros de Buenos Aires en el año del Bicentenario. Conductas como ésas, sumadas al hecho de que nuestro país está geográficamente aislado y a su actual situación socioeconómica, dificultan el «aggiornamento» del medio argentino, y se pone en riesgo la herencia de la tradición musical europea que la Argentina supo irradiar hacia el resto de Sudamérica. Pero también puedo decir que hay labores de investigación y publicación excelentes, como las que están llevando la Universidad Católica Argentina (donde curso un Doctorado en Música) y la Universidad Nacional de Quilmes. Al mismo tiempo vi el compromiso para con la música contemporánea de eventos como el Festival Internacional Encuentros o el Ciclo de Música Contemporánea de la Dirección Nacional de Artes.

• -P.: ¿Argentina reconoce a sus compositores?

-J.M.A.: Somos varios los que desarrollamos nuestra actividad profesional principalmente en Europa, donde los artistas dedicados a la música clásica gozan por lo general de un reconocimiento social y económico que aquí no es común. Aunque parezca obvio, la principal tarea de un compositor es componer, y en muchos países de Europa tanto el sector público como el privado son conscientes de que el creador debe ser justamente remunerado mediante encargos, como el intérprete lo es a través de su cachet, cosa que en Argentina no suele suceder.

• -P.: ¿Cómo se inició su vínculo con Penderecki?

-J.M.A.: Lo conocí en el 2003, luego de un concierto que él dirigió en el Musikverein de Viena cuando yo estaba por concluir allí mis estudios de postgrado. Meses después, tras haber examinado mis obras, me aceptó como su alumno, y gracias a becas que me otorgaron el Fondo Nacional de las Artes y la Fundación Argentina en Polonia, en el 2006 me fui a Cracovia para estudiar con él. Penderecki es una leyenda viviente de la historia de la música, muchas de sus obras son piedras angulares, pero es también una persona afable, serena y sencilla, y me siento realmente privilegiado de ser su discípulo.

• -P.: ¿Cómo llegó a la música para cine?

-J.M.A.: Desde chico, gracias a mis padres, recibí una formación clásica pero también me interesaban el folklore, el jazz, el pop y la música de cine, como la de John Williams, Shore, Horner, Arnold, y Goldsmith, entre otros, y ya desde ese momento pensé en escribir partituras de películas. Cuando se produjo la convocatoria en Viena desarrollé una obra que estaba escribiendo para mi doctorado en la UCA. Y como compositor y director de música clásica intento seguir el ejemplo de grandes maestros como Prokofiev, Shostakovich y Penderecki, que también escribieron para el cine.

• -P.: ¿Qué desafíos implica ese rubro para un compositor estrictamente académico?

-J.M.A.: Al componer música de cine, las ideas del director de la película y la propia relación imagen-sonido parecerían constreñir el proceso compositivo de un creador clásico, pero hay que saber tomarlas como fuente de inspiración y aprovecharlas.
Entrevista de Margarita Pollini


17-02-2011 - Mundoclasico.com - SPAIN
Abras, galardonado en el Concurso 'Bicentenario'

La obra 'Música para un soldadito de plomo', del joven compositor y director de orquesta Juan Manuel Abras (discípulo de Krzysztof Penderecki), fue recientemente galardonada en Argentina con una mención especial del Concurso de Composición “Bicentenario”, organizado por la Orquesta de Cámara Sibelius con el apoyo de la Cámara de Comercio e Industria de Lomas de Zamora y del Conservatorio Provincial de Música “Julián Aguirre” de Banfield (Provincia de Buenos Aires).

El concurso, realizado “con el propósito de alentar, apoyar y promover la creación de obras dentro del marco de la música ‘Académica’”, galardonó también a los compositores Nicolás Japas (primer premio), Marisol Gentile (mención especial) y Alex Nantes (mención especial). El jurado estuvo integrado por catedráticos y compositores (Silvina Shifman, Eduardo Wilde y Marcelo Zanardo), así como por integrantes de la Asociación Civil Orquesta de Cámara Sibelius.

Las obras que recibieron galardones en el evento son susceptibles de ser estrenadas durante el Concierto Especial que la Orquesta de Cámara Sibelius brindará durante la primera mitad de 2011 en el Salón de las Américas de la Cámara de Comercio e Industria de Lomas de Zamora.

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(Österreichischer Komponistenbund. Mitgliederinformation #1/2011, Austria - February 2011)
Ein musikalisches Fest für die heimische Filmmusik
Film Composers Lounges in Wien und Graz

Mehr als 350 Gaste sahen und h6rten am 13. September 2010 im Porgy & Bess live, wie die Musik zum Film und der Film zur Musik kommt. Gerd Schuller und Band intonierten Filmmusiken u.a. aus "Kommissar Rex" und "Der Feuerteufel", Mia Zabelka brachte ihre audiovisuelle Performance zum Stummfilm "Geheimnisse einer Seele". Die Nachwuchsarbeiten der Kompositionsstudentlnnen Alpar Balasz und Qin Huan - Kooperationsarbeiten der Filmakademie Wien mit dem Institut für Komposition und Elektroakustik der Universitat für Musik und darstellende Kunst / Filmakademie Wien - zeigten auf, wie Film und Musik gemeinsam entstehen und entwickelt werden: die Komponistlnnen arbeiteten hier von Anfang direkt mit den Filmschaffenden zusammen.

Die Uraufführung zweier Stücke in SongwriterTradition von Rupert Huber (Tosca) und Chris Eckman (The Walkabouts) zu eigens kreierten Filmen von Kurt Mayer bedeutete die Weltpremiere von "LONG", einem neuen Musikprojekt der vorstehenden Künstler.

Nach der Pause servierten die Sofa Surfers dem Publikum ihre Kompositionen zu Wolf HaasVerfilmungen sowie zu "Der Knochenmann", Lothar Scherpe stand im Interview mit Mercedes Echerer über sein umfangreiches Musikschaffen (u.a. "Müllers Büro") Rede und Antwort. Walther Soyka und Karl Stirner paraphrasierten musikalisch 6sterreichische Filme der 50er und 60er Jahre, und für den knisternden Ausklang sorgte das Trio um Gerhard Gruber mit der Vertonung stummer Erotikfilme der "SATURN-Film" aus den 1910er Jahren, abgerundet von einer filmhistorischen Einführung durch Thomas Ballhausen (Filmarchiv Austria).

Verleihung des Wiener Filmmusikpreises 2010 Zentrum und absolutes Highlight des Abends war die Verleihung des "Wiener Filmmusikpreises 2010" im Rahmen der ersten Film Composers Lounge in der Konzertmitte:

Von Juni bis August schrieb und richtete der Osterreichische Komponistenbund den von der Kulturabteilung der Stadt Wien gestifteten Wiener Filmmusikpreis in Zusammenarbeit mit EU XXL film, der Universitat für Musik und darstellende Kunst Wien und Best-of-Film-Music aus. Der bundesweite Kompositionswettbewerb (für unterschiedliche kammermusikalische Besetzungen / alternative Filmmmusik-Konzepte) lockte neben dem von der Stadt Wien (MA 7 Kultur) gestifteten Preisgeld in H6he von 7.000 EUR auch mit der Live-Aufführung des Siegerwerks am Abend der "Film Composers Lounge" sowie je einem Software-Paket der "Vienna Symphonic Library".

Aufgabe war die Neuvertonung einer von drei kurzen Szenen von jeweils ca. 4 Minuten Lange aus den Filmen "Der Knochenmann" (Regie: Wolfgang Murnberger, Produzenten: Danny Krausz, Kurt Stocker (DOR Film)), "In 3 Tagen bist Du tot 2" (Regie: Andreas Prochaska, Produzent: Helmut Grasser (Allegro Film)) und Der Rauber" (Regie: Benjamin Heisenberg, Produzent: Nikolaus Geyrhalter Filmproduktion, Peter Heilrath).

Die sensationelle Beteiligung ambitionierter Nachwuchstalente aus ganz Osterreich führte zu mehr als 140 eingesendeten Werken, die von der hochkaratigen, internationalen Jury

- Mike BeilfuB (Chefredakteur "Cinema Musica")
- Loek Dikker (niederl. Filmkomponist, u.a. "RosenstraBe")
- Reinhard Karger (dt. Komponist, Institut für
Medienkomposition Wien)
- Alexander Kukelka (6sterr. Filmkomponist, Vizeprasident
OKB, Filmakademie Wien)
- Guido Mancusi (6sterr. Komponist, Konservatorium
Wien Privatuniversitat)
- Peter Patzak (6sterr. Regisseur, Institutsvorstand
Filmakademie Wien)
- Otto M. Schwarz (Österr. Komponist, diverse
Film- und TV-Musiken)
- Ralf Wengenmayr (dt. Filmkomponist, u.a.
"Der Schuh des Manitu", "Lissi und der wilde
Kaiser") u.a.

in kürzester Zeit gesichtet und bewertet wurden und schlieBlich zu einem Sieger, zwei zweiten Platzen und einem dritten Platz führten. Der "Wiener Filmmusikpreis 2010" ging an Christof Unterberger aus Vorarlberg für seine "Musik für sechs Celli" zur Szene aus "Der Rauber". Die weiteren Platze gingen an Wolfgang Radl und Juan Manuel Abras (zwei Zweitplatzierungen) sowie ein dritter Platz an Thomas Reinhardt.

Wir danken allen Teilnehmerlnnen des Wiener Filmmusikpreises 2010 für ihre kreative Arbeit, die vielen, vielseitigen und spannenden Werke, die ingereicht wurden und stellen fest: die hohe filmmusikalische Qualitat in Osterreich wird ganz deutlich! Und das ist ein gutes Zeichen für die Zukunft ...

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(MDW | Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, Austria - Winter 2010)
[...] Juan Manuel Abras, Komposition (ehemaliger Studierender von Kurt Schwertsik und Leopold Hager) erreichte den 2. Platz des Wiener Filmmusikpreises 2010
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Preise (VER VER VER)
(Der Tätigkeitsbericht 2010 des Österreichischen Komponistenbundes (ÖKB), Austria - ​Winter 2010)
​7. Film Composers Lounge

Eine neue Facette und Bereicherung erfuhr das Composers Lounge-Format 2010 durch die Ausdehnung auf den Bereich der Filmmusik. Die erste Film Composers Lounge am 13. September war ein musikalisches Fest für die heimische Filmmusik. Von der Stadt Wien mit der Verleihung des Wiener Filmmusikpreises beauftragt, führte der Österreichische Komponistenbund in Zusammenarbeit mit EU XXL film, der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien und Bestof-Film-Music einen bundesweiten Wettbewerb für Filmmusik durch: Aus den 130 eingesandten Beiträgen ging Christoph Unterberger für seine Vertonung eines Ausschnitts aus „Der Räuber“, als Sieger hervor. Die weiteren Preise gingen an Wolfgang Radl, Juan Manuel Abras und Thomas Reinhardt. Der Konzertabend im Wiener Porgy&Bess präsentierte das gesamte Spektrum der Filmmusik „made in Austria“ von Wolfgang Schlögl mit den Sofa Surfers, Gerd Schuller, Mia Zabelka, Alpar Balasz, Quin Huan, Rupert Huber und Chris Eckman sowie Lothar Scherpe, Soyka&Stirner und Gerhard Gruber. Eingeleitet wurde die Veranstaltung mit einem Fachtalk, bei dem prominente Vertreter aus der Filmbranche aus Österreich und dem europäischen Ausland zum Thema „Kreativwirtschaft Musik&Film“ diskutierten.

Nach der erfolgreichen Premiere dieses neuen Filmmusik-Live-Formats und einem großen medialen Echo präsentierte der Österreichische Komponistenbund am 10. Dezember eine weitere Film Composers Lounge im Grazer „Dom im Berg“: Auch hier begann der Abend mit einem hochkarätigen Fachtalk, der sich mit dem Filmmusikstandort Graz beschäftigte. Das Anschließende Konzert brachte ein buntes Programm von Kollegium Kalksburg, Gerd Schuller, Andreas Fabianek, Gabriele Proy, Wolfgang Radl und Franz Reisecker.
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(SADAIC.org.ar, Argentina - November 2010)
Abras Premiado

El joven compositor de música clásica y director de orquesta Juan Manuel Abras, discípulo argentino de Krzysztof Penderecki, obtuvo el 2.° Premio del concurso Wiener Filmmusikpreis 2010 (Premio de Viena a la Música de Cine), en el que participaron 140 compositores. Este premio es muy importante teniendo en cuenta que fue organizado por la Sociedad de Compositores Austriacos (ÖKB) y además colaboraron EU XXL FILM-Forum For European Film, la Universidad de Música y Artes Dramáticas de Viena / Instituto de Composición para Medios/ Academia de Cine de Viena y la Best-of-Film-Music Company”.

La entrega de premios tuvo lugar en la sala Porgy & Bess de Viena y los premiados fueron invitados a participar en el Simposio Internacional de Música para Cine de Viena 2010, realizado en la Universidad de Música y Artes Dramáticas de esa ciudad, donde recibieron un nuevo galardón de dicha casa de estudios.

Abras ya había sido premiado en la capital de Austria en 2003, cuando obtuvo el Premio 'Theodor Korner' para la promoción de las Ciencias y las Artes y también en 2002, cuando le fue otorgado eI 2.° Premio en el Concurso Internacional de Composición de la Fundación 'Franz Josef Reinl'.

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(La Nación, Argentina - 14 October 2010)
Premio para Juan Manuel Abras

El joven compositor argentino Juan Manuel Abras obtuvo el 2° premio del concurso internacional del Wiener Filmmusikpreis (Premio de la Ciudad de Viena a la Música de Cine), del que participaron 140 compositores. La ceremonia de presentación de los ganadores tuvo lugar en la Universidad de Música y Artes Dramáticas de Viena. Abras fue discípulo de Krzysztof Penderecki en la Academia de Música de Cracovia, en Polonia, y realizó un postgrado en composición con Kurt Schwertsik y con el director Leopold Hager en la Universidad de Viena.

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​(Mundoclasico.com, Spain - 06 October 2010)
El compositor Juan Manuel Abras premiado en Viena por tercera vez
​Por Redacción

El joven compositor de música clásica y director de orquesta Juan Manuel Abras, discípulo argentino de Krzysztof Penderecki, obtuvo recientemente el 2.° Premio del concurso Wiener Filmmusikpreis 2010 (Premio de Viena a la Música de Cine), en el que participaron 140 compositores. El Wiener Filmmusikpreis fue organizado por la Sociedad de Compositores Austriacos (ÖKB) en colaboración con EU XXL FILM-Forum For European Film, la Universidad de Música y Artes Dramáticas de Viena / Instituto de Composición para Medios / Academia de Cine de Viena y la Best-of-Film-Music Company “con el fin de descubrir talentos locales para la música de cine y dar nuevos impulsos creativos y dinámicos a la escena de la creación musical austriaca en el género de la música para medios y películas”. Entre sus patrocinadores y socios se encuentran el Departamento de Cultura de la Ciudad de Viena (Wien Kultur), Austro Mechana, Asociación de la Industria Cinematográfica y Musical (FAF), Gala der Filmmusik “Hollywood in Vienna”, Film Archiv Austria, Vienna Film Commission, Departure (Agencia de Industrias Creativas de la Ciudad de Viena) y Vienna Symphonic Library S.R.L. El jurado internacional estuvo integrado por una decena de compositores, directores de cine y críticos musicales de Alemania, Austria, Holanda e Italia, como Mike Beilfuß, Loek Dikker, Reinhard Karger, Alexander Kukelka, Guido Mancusi, Peter Patzak, Otto M. Schwarz y Ralf Wengenmayr, entre otros.

La entrega de premios tuvo lugar en la célebre sala Porgy & Bess de la capital austriaca, en el marco de la actual edición del Film Composers Lounge, y los premiados fueron invitados a participar en el Simposio Internacional de Música para Cine de Viena 2010, realizado en la Universidad de Música y Artes Dramáticas de esa ciudad, donde recibieron un nuevo galardón de dicha casa de estudios, compartiendo sala con Howard Shore y Klaus Badelt, compositores de la música de El Señor de los Anillos y Piratas del Caribe, respectivamente.

Abras ya había sido premiado en la capital de Austria en 2003, cuando obtuvo el Premio 'Theodor Körner' para la Promoción de las Ciencias y las Artes -siendo recibido, en dicha ocasión, por el entonces Presidente de Austria Thomas Klestil en el Palacio Imperial de Hofburg- y también en 2002, cuando le fue otorgado el 2.° Premio en el Concurso Internacional de Composición de la Fundación 'Franz Josef Reinl'.

Entre 2001 Y 2004 el joven artista estudió en la Universidad de Música y Artes Dramáticas de Viena, donde realizó estudios de postgrado en Composición con Kurt Schwertsik y Dirección de orquesta con Leopold Hager, siendo seleccionado en 2006 por el Ensemble Aleph (Francia) para integrar el 4.° Foro Internacional de Jóvenes Compositores (Programa “Cultura 2000” de la Unión Europea) en virtud de su obra The Song of Anna O., inspirada en el libro Estudios sobre la histeria de los médicos austriacos Josef Breuer y Sigmund Freud. En 2009 Abras fue aceptado -unánimemente y aún siendo argentino- como miembro de la Sociedad de Compositores Austriacos (ÖKB) y en la actualidad realiza un Doctorado en Música en la Pontificia Universidad Católica Argentina (UCA).

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(Kulturia.com, Austria - 16 September 2010)
Wiener Filmmusikpreis 2010 vergeben - Kompositions-Workshops mit Badelt und Kolonovits

Der Wiener Cellist Christof Unterberger hat den Wiener Filmmusikpreis 2010 gewonnen. Er erhielt am 14. September die von der Stadt Wien gestiftete Auszeichnung in Höhe von 7.000 Euro im Rahmen der Film Composers Lounge, wo er seine musikalische Untermalung des Streifens “Der Räuber” auch live vortrug. Die beiden ex Equo am zweiten Platz sind Juan Manuel Abras und Wolfgang Rabl und der dritte Platz ging an den begnadeten Cellisten Thomas Reinhardt. Hintergründe und Infos zum von Reinhard Karger (Professor für Komposition an der Musikuniversität Wien) und Alexander Kukelka (Österreichischer Komponistenbund ÖKB) ausgeschriebenen Wiener Filmmusikpreis sind hier abrufbar.

Am Montag abend wurden die Nachwuchskünstler im Wiener Jazz-Lokal Porgy & Bess im Rahmen der Film Composers Lounge ausgezeichnet. Musikalische Einlagen boten die österreichischen Komponisten und Formationen Gerd Schuller, Mia Zabelka, Quin Huang & Alpar Balazs, Long (Chris Eckman und Rupert Huber), die Sofa Surfers, Lothar Scherpe, Walther Soyka & Karl Stirner sowie Gerhard Gruber, Adula Ibn Quadr und Peter Rosmanith. Fotos der Star-Performances sind hier abrufbar.

Am 15. September fand an der Wiener Universität für Musik und darstellende Kunst das International Film Music Symposium Vienna (Wiener Filmmusiksymposium) statt. Neben Vorträgen der Hollywoodkomponisten Howard Shore (“Lord of The Rings“, “Philadelphia”) und Klaus Badelt (“Pirates of The Caribbean – The Curse of the Black Pearl”) und dem Co-Produzenten des Films “Lord Of The Rings” Rick Porras, boten Christian Kardeis (Vienna Symphonic Library), Wolfgang Schlögl (Sofa Surfers), Klaus Badelt und der österreichische Dirigent, Arrangeur und Komponist Christian Kolonovits Kompositions-Workshop und trafen sich Kolonovits und die Regie-Legende Peter Patzak (“Kottan ermittelt”) zum öffentlichen Talk.

Howard Shore kündigte bei der Pressekonferenz die Veröffentlichung seines Scores für den teils in Wien gedrehten “Freud”-Film von David Cronenberg mit November 2010 an. Bei seinem Workshop für Komponisten und Filmmusik-Freaks erklärte Klaus Badelt, dass er es liebt “Fehler zu machen”, also Musik zu schreiben und diese immer wieder neu zu überarbeiten. Zuerst stehe die musikalische Idee, die lediglich 10 Prozent des Aufwandes bedeute, die anschliessende Feinarbeit hingegen würde die restliche Zeit bis zur Veröffentlichung benötigen. Sein Produktionsteam sei eine Art “Architektenteam” mit klaren Aufgabengebieten für jeden Mitarbeiter.

Der realistischste Weg zum Erfolg beginne als “Kaffeekocher” in einer Musikproduktionsfirma, so habe er auch nach seiner Zeit als Komponist in Deutschland für TV-Serien und Werbung in Kalifornien seine Tätigkeit bei Hans Zimmer begonnen. Zudem müsse man “sich selbst der grösste Kritiker sein”. Aber “Filmmusik zu schreiben kann man nicht lernen”.

Er beginne einen Track meistens mit Strings oder mit Piano anschliessend würden dann unzählige Variationen programmiert und arrangiert und allen Beteiligten (Produzent, Regisseur…) online zur Verfügung gestellt, bis schliesslich zwischen 80 und 140 Spuren vorhanden sind und der Track bereit ist für die Orchesteraufnahme. Badelts persönlichen Lieblings-Kompositionen -auf deren Veröffentlichung er nach eigenen Angaben keinen Einfluss hat, auch weil die dafür nötigen Rechte meist die Filmproduktionsfirma innehat- sind übrigens “Pour Elle” (2008), “Der kleine Nick” (2009) und “The Promise” (2006).

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(Martín Liut. Compositor, docente, Argentina - 01 August 2009)
Legionarios argentinos: un listado provisorio

Ya pasaron los cuatro programas que, en la FM Clásica de Radio Nacional hicimos para escuchar músicas actuales de los compositores argentinos radicados en el exterior. Durante el programa, me di cuenta de que, por razones diversas, conozco incluso personalmente a unos cuantos compositores argentinos que viven afuera y a los que les va bien.
Sé que faltan, así que los aportes son bienvenidos.
(actualizado al 11 de agosto)

Francia: Horacio Vaggione, Martín Matalón, Luis Naón, Oscar Strasnoy, Daniel Teruggi, José Luis Campana, Ricardo Mandolini, Mario Lorenzo, Mario Mary, Esteban Benzecry, Diego Losa, Carlos Graetzer, Sebastian Rivas, Daniel D' Adamo, Ricardo Nillni, Carlos Roque Alsina, Octavio López.

España: Fabián Panisello, Alejandro Civilloti. José Mataloni.

Alemania: Juan María Solare, Edgardo Rudnitzky

Suiza: Erik Oña.

Inglaterra: Alejandro Viñao.

EE. UU: Osvaldo Golijov, Pablo Ortiz, Juan Pampín, Mario Davidovsky, Ezequiel Viñao, Marcelo Toledo, Gustavo Leone, Patricia Martínez, César Vuksic

Holanda: Cecilia Arditto, Diego Soifer.

Canadá: Alcides Lanza

Polonia: Juan Manuel Abras

Canadá: Alcides Lanza

Uruguay: Graciela Paraskevaidis, Osvaldo Budón
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(Gazeta Wyborcza Łódź, Poland - 15 February 2009)
Wyborcza.pl / Łódź / Kultura w Łodzi
Muzyka współczesna pełną gębą
​Jędrzej Słodkowski 15.02.2009 00:00

Beatbox, czyli technika, w której instrumentem stają się gardło, wargi i język wykonawcy, została wymyślona kiedyś przez młodych hiphopowców, których nie było stać na sprzęt. Za sprawą zespołu Kwartludium beatbox zaczyna pojawiać się w filharmoniach. W łódzkiej już 17 lutego.

Kwartludium, jeden z najbardziej cenionych polskich wykonawców muzyki współczesnej, tworzą: Dagna Sadkowska - skrzypce, Michał Górczyński - klarnet i klarnet basowy, Paweł Nowicki - instrumenty perkusyjne i Piotr Nowicki - fortepian. Z kwartetem wystąpią doświadczeni i utytułowani beatbokserzy - Patryk "TikTak" Matela i Jakub "Zgas" Żmijowski.

Rozmowa z Michałem Górczyńskim

Jędrzej Słodkowski: Łączycie muzyczne i kulturowe bieguny. Świat muzyki współczesnej często jawi się jak getto w getcie, tj. w świecie miłośników muzyki klasycznej. Beatbox to element kultury hiphopowej. Jesteście pionierami? Czy ktoś już wpadł na taki pomysł?

Michał Górczyński: Wydaje mi się, że jesteśmy pionierami. Odwiedzamy mnóstwo stron internetowych związanych z beatboksem, ale nikt z nas nie znalazł śladów takiej współpracy. Dlaczego? Problemem jest to, że beatbokserzy nie znają nut, a kompozytor potrzebuje przecież wykonawcy, który wiernie odda jego zamysł. Ja słyszałem tylko o jednym beatbokserze z Anglii znającym nuty. Skończył podstawową szkołę muzyczną.

Jak rozpoczęła się współpraca Kwartludium z „TikTakiem” i „Zgasem”?

- Miałem pomysł, by w duecie grać z beatbokserem. Znalazłem kontakt do "TikTaka", czyli Patryka Mateli, beatboksera w Warszawy. Powiedziałem o pomyśle na cykl kompozycji inspirowanych zwierzętami. Kiedy pokazałem mu utwór "Mysz", trochę się przestraszył, ale spotkaliśmy się ponownie i zaczęliśmy ćwiczyć. Nagraliśmy cztery kompozycje: "Mysz", "Małpa", "Pies" i "Kurczak". Nagranie pokazałem Antkowi Beksiakowi, szefowi festiwalu Turning Sounds, który zgodził się na wykonanie tych kompozycji na festiwalu. Na Turning Sounds przyszedł Tadeusz Wielecki, dyrektor Warszawskiej Jesieni. Spodobał mu się nowatorski pomysł i wymyślił projekt o większej skali: beatbokserzy razem z Kwartludium mieliby grać utwory zamówione u kompozytorów polskich i iberoamerykańskich. Muzyce z krajów hiszpańskojęzycznych była poświęcona ubiegłoroczna Warszawska Jesień. Miałem już doświadczenia w pracy z beatbokserem, więc korespondowałem z kompozytorami polskimi, meksykańskimi, argentyńskimi, podpowiadałem, jakie metody stosować przy komponowaniu na beatboksera.

No właśnie, da się to ująć w nutach?

- Tak. Ale musiałem też wymyślić sposób, w jaki sposób nieznający nut beatbokserzy mają je czytać. Beatbokser gra z sygnałem w uchu i słyszy kliki. Wcześniej cały utwór przeczytałem, przeliczając "raz i dwa i trzy i ". Dzięki temu beatbokser śledzi linijka po linijce cały utwór. To się przydaje zwłaszcza w takich utworach jak kompozycja Dobromiły Jaskot, w której jedne takty są na 3/8, a inne np. na 3/4.

Gdyby beatbokserzy byli wykształconymi muzykami, efekty, które wykorzystują, niesamowicie wzbogaciłyby świat muzyki współczesnej. To jest zadanie na przyszłość. Techniki beatbokserskie powinny przechodzić do przestrzeni współczesnej wokalistyki, ale także gry na instrumentach dętych. Mnie samego zainspirowały do poszukiwania nowych rozwiązań artykulacyjnych dla klarnetu.

Wasz projekt przełamuje bariery społeczne.

- Nie tylko. Wydaje mi się, że ma wielkie znaczenie edukacyjne. Gdyby nie beatbox, hiphopowiec nie trafiłby na koncert w filharmonii. To kulturalny styk. Muzyka współczesna robi wycieczki w stronę muzyki popularnej. Ale beatbox wydaje mi się szczególnie bliski muzyce współczesnej ze względu na poziom techniczny. Przykład: solówki, które wykonuje Rahzel [beatbokser znany ze współpracy z The Roots i Björk - przyp. red.], naśladując dźwięki gier komputerowych, z pewnością można zaliczyć do świata dźwięków muzyki współczesnej. Nasz projekt ma ambicje wykreowania nowego, wspólnego świata muzycznego.

* Michał Górczyński - klarnecista, absolwent Akademii Muzycznej w Warszawie, wykonawca muzyki współczesnej i improwizowanej. W 2002 roku z absolwentami akademii w Warszawie, Gdańsku i Bydgoszczy założył zespół Kwartludium

Program koncertu

Juan Manuel Abras - "Chacarera beatboxera"

Michał Górczyński - "Massive"

Paweł Hendrich - "Cyclostratus"

Dobromiła Jaskot - "Hum"

Andrzej Kwieciński - "0 14'48(3)"

Diego Roman Martinez - "Operetta"

Gabriel Paiuk - "Distancia"

Wtorek (17 lutego), godz. 19 w Filharmonii Łódzkiej (ul. Narutowicza 20/22). Bilety: 20 zł, wejściówki - 10 zł
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(Dwutygodnik Ruch Muzyczny, Rok LII, NR 24, Poland - 23 November 2008)
O 'Warszawskiej Jesieni' (część II) [...]
25 września 22.30 Hala Sportowa OSiR Ochota

• TikTak, Zgas, Kwartludium

Koncert zamówień z udziałem zespołu Kwartludium i dwóch beatboxerów, Zgasa i Tik Taka, był wydarzeniem oczekiwanym z niejakim podnieceniem przez sporą część publiczności "Warszawskiej Jesieni". Ze względu na swój nietypowy charakter i udział beatboxerów właśnie, trudno się dziwić, że hala OSiR-u wypełniła się tego wieczoru szczelnie. Po koncercie słyszało się rozmaite opinie; biorąc pod uwagę nierzadko zbyt wygórowane oczekiwania, wielu nie kryło rozczarowania.

Do skomponowania krótkich utworów na ten skład (przypomnijmy, że Kwartludium to klarnet, skrzypce, fortepian i perkusja) zaproszono samych młodych twórców, w większości poniżej trzydziestki. Czworo Polaków - Andrzej Kwieciński, Michał Górczyński, Dobromiła Jaskot i Paweł Hendrich, i czterech z Południowej Ameryki - Gabriel Paiuk, Juan Manuel Abras, Diego Román Martínez i Eduardo Moguillansky. Z przyczyn technicznych utwór tego ostatniego nie został wykonany, pozostałe zaś pokazały rozmaite pomysły na połączenie głosu beatboxera z instrumentami.

Podstawowym zadaniem - i pytaniem, przed którym stanęli młodzi twórcy - było bez wątpienia: jak połączyć te dwa światy? Czy głos beatboxera ma organicznie współgrać z instrumentami, stać się integralną częścią utworu, czy też powinien raczej pozostać w opozycji do instrumentalnej tkanki brzmieniowej? Nietrudno zgadnąć, że kompozytorzy dali na to pytanie rozmaite odpowiedzi.

Kwieciński zdecydował się wykorzystać wyłącznie dźwięki o nieustalonej wysokości, co dało w rezultacie krótką, delikatną i subtelną brzmieniowo kompozycję, z wyraźnie zaznaczonymi solowymi fragmentami klarnetu i głosu oraz rytmiczną perkusyjną "stopą". Górczyński skupił się na interesującym dialogowaniu beatboxera z klarnetem na tle mniej lub bardziej tradycyjnie artykułowanych dźwięków pozostałych instrumentów. Głos stał się tutaj integralną częścią utworu, czego nie można powiedzieć o Cyklostratus Hendricha - kompozycji zdecydowanie najbardziej złożonej harmonicznie. Nakładające się przebiegi partii instrumentalnych, odbicia, imitacje, przekształcenia i transpozycje dały gęstą tkankę o dużym stopniu skomplikowania i trudności dla wykonawców. W przeciwieństwie do pozostałych twórców, operujących brzmieniem albo próbujących stworzyć jakiś konkretny klimat brzmieniowy, Hendrich ambitnie postawił na harmonię i ściśle określone wysokościowo przebiegi. Całość mogłaby się jednak równie dobrze obejść bez udziału beatboxera - jego partia była wyłącznie dodatkiem i nie wpływała na strukturę ani charakter kompozycji. Z polskich twórców najbardziej interesująco zaprezentowała się Dobromiła Jaskot. Każdy dźwięk w jej utworze Hum... miał "pazur" - w krótkim czasie nabrzmiewał wewnętrzną energią i znikał, od razu rozbrzmiewając w innym miejscu. Zainteresowanie Wschodem dawało już o sobie znać w twórczości młodej kompozytorki, jej nowy utwór swoim nastrojem ŕ la "przyczajony tygrys, ukryty smok" wyraźnie przywodził na myśl daleką Japonię...

Spośród twórców latynoamerykańskich, Gabriel Paiuk stworzył w swej Distancia (efectos de superficie) świat efektów dźwiękowych rozgrywających się niemal na granicy ciszy; pojedyncze długie brzmienia, szmery i poświsty beatboxera dały utwór skupiony, niemal kontemplacyjny, wciągający słuchacza w swój świat od pierwszych dźwięków. Na tym tle diametralnie odmienne propozycje przedstawili Abras i Martinez. Obaj postawili przede wszystkim na zabawę. W Chacarera beatboxera Abras połączył w całość elementy muzyki etnicznej, starych melodii popularnych i muzyki nowej, tworząc nieco transowy taneczny wir, pełen słonecznej radości i zabawy. Jeszcze dalej poszedł Martinez, budując w swej Operetta konglomerat stylów i gatunków - od efektów głosowych (włącznie z echami śpiewu operowego w partii beatboxera) naśladowanych przez instrumenty, aż po szalony happening (rzucanie piłeczkami, okrzyki, uzyskiwanie dźwięków przez "bulgotanie" w butelce z wodą, itd.). Publiczność reagowała salwami śmiechu, a całość nagrodziła długimi owacjami.

Był to z pewnością jeden z lżejszych koncertów Festiwalu, odetchnąć można było od przydługich niekiedy i przyciężkich programów. Zastanowiło mnie przede wszystkim, że młodzi kompozytorzy polscy podeszli niezwykle serio do zadania skomponowania utworu na zespół z założenia raczej rozrywkowy, natomiast twórcy z południowej Ameryki zdecydowanie postawili na zabawę (choć był też napuszony i zupełnie nieodpowiadający charakterowi utworu komentarz Martineza). Czyżby naszej kompozytorskiej młodzieży brakowało poczucia humoru? A może to raczej ranga szacownej instytucji, jaką jest przeszło pięćdziesięcioletnia "Warszawska Jesień", nie pozwoliła spojrzeć im na postawione zadanie bardziej z przymrużeniem oka? Tak czy inaczej, mimo że arcydzieł na tym koncercie nie słyszałam, to uważam, że był on potrzebny i spełnił swe zadanie znakomicie, pokazując kolejną płaszczyznę zbliżenia odmiennych muzycznych światów. Duże brawa dla beatboxerów za odwagę, a dla Kwartludium za konsekwencję w ciągłym, twórczym eksperymentowaniu.

BEATA BOLESŁAWSKA-LEWANDOWSKA [...]

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(Forbes Magazine, Poland - November 2008)
Patronat Forbes
Iberoamerykańska Warszawska Jesień

Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej Warszawska Jesień (19-27 września) pozostaje bezkonkurencyjny pod względem repertuarowych odkryć, takich jak koncert hiphopowo-beatboxowy, który zgromadził fanów muzyki alternatywnej. Kompozytorzy łączyli różne formy i faktury muzyczne, spajając je głosem beatboxera. To połączenie muzyki klasycznej, typowego human beatboxingu i argentyńskiej muzyki tradycyjnej dało ciekawa mieszankę wystawioną przewrotnym tytułem „Chacarera beatboxera”. Obok Juana Manuela Abrasa pojawiły się także kompozycje młodych, ale już uznanych na świecie polskich kompozytorów: Dobromiły Jaskot i Pawła Hendricha.

Mimo to trudno nie zauważyć, ze w tym roku festiwal nieco rozczarował. Nie tylko brakiem nowatorstwa wykonanych dziełach, ale również nieprzemyślaną do końca formułą. Sam pomyśl na iberoamerykańskie brzmienia – świetny i wiele obiecujący. Miało się jednak wrażenie, ze kompozytorzy nie podołali zadaniu. „Flamencopodobne” dzieło Mauricio Sotelo nie znalazło uznania w oczach krytyków, hiszpański folklor nie wpisał się dobrze we współczesne brzmienia. Rozczarowało i flamenco, i cześć orkiestrowa, którym nie udało się stworzyć integralnej całości. Znacznie lepiej wypadł utwór Sotelo „Chalan” na perkusję i orkiestrę, ale raczej dzięki niesamowitym umiejętnościom perkusisty Miquela Bernata i hiszpańskiej orkiestry pod dyrekcja Arturo Tamayo.

Finał okazał się najlepszym koncertem festiwalu. Kompozycja José Marii Sánchez-Verdú „Maqbara” zachwyciła słuchaczy. Utwór ten to refleksje na temat śmierci (qabar – grób). Nie odnajdziemy tu jednak ekspresji bólu, jest raczej zderzenie z sama śmiercią wyrażone muzyczna przestrzenia i szeptem wierszy Omara Chajjama i Adonisa ze wspaniale wpisanym w siatkę kompozycji głosem muezina (hipnotyzujący Marcel Peres).

„The End” Oskara Strasnoy to muzyczny żart, którym brawurowo zakończono 51. Międzynarodowy Festiwal Muzyki Współczesnej Warszawska Jesień.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 09 October 2008)
Estreno de Juan Manuel Abras en el Festival Otoño de Varsovia
​Redacción, Buenos Aires

El ensamble Kwartludium y el beatboxer Patryk 'TikTak' Matela tuvieron a su cargo el reciente estreno en Polonia de 'Chacarera beatboxera', del joven compositor y director argentino Juan Manuel Abras, dentro del marco del célebre Festival Internacional de Música Contemporánea Otoño de Varsovia (Warszawska Jesien).

Fruto de una comisión de dicho festival, la obra de Abras —dedicada a los intérpretes polacos y en memoria del músico argentino Daniel Sartori— combina elementos de la música clásica, el human beatboxing y la música folklórica argentina en una pieza original concebida para un proyecto surgido entre Michal Górczynski, compositor y clarinetista de Kwartludium, y Tadeusz Wielecki, compositor y director del “Otoño de Varsovia”, iniciativa que también convocó a otros siete jóvenes compositores de Polonia, Argentina y México, y al beatboxer polaco Jakub Zgas Zmijowski.

La música de la Península Ibérica y América Latina fue una de las principales temáticas de la 51.a edición del Festival Warszawska Jesien, en cuya programación —junto a composiciones de Luciano Berio, Olivier Messiaen, Giacinto Scelsi, Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis y otros creadores europeos— fueron incluidas obras de varios compositores iberoamericanos, entre ellos los argentinos Juan Manuel Abras, Basilio Maximiliano del Boca, Alejandro Iglesias Rossi, Mauricio Kagel, Martin Matalon, Eduardo Moguillansky, Eric Oña, Gabriel Paiuk, Fabián Panisello, Graciela Paraskevaídis, Andrea Pensado, Oscar Strasnoy, Julieta Szewach y Alejandro Viñao, y los españoles Hèctor Parra, José María Sánchez-Verdú y Mauricio Sotelo, entre otros.

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(Gazeta Stoleczna, Poland  20 / 21 September 2008)
Kwartludium i beatboxerzy

•• W czwartek 25 września w Hali Sportowej OSiR na Ochocie będziemy świadkami niecodziennego projektu.
Ceniony zespół instrumentalny Kwartludium w składzie: Michał Górczyński (klarnet, klarnet basowy), Dagna Sadkowska (skrzypce), Piotr Nowicki (fortepian) i Paweł Nowicki (perkusja),wystąpi wspólne z beątboxerami: TikTakiem i Zgasem. Dojdzie do oryginalnego mariażu współczesnej muzyki komponowanej z hiphopowym, niestosującym zapisu nutowego beatboxem, czyli technika ustnego imitowania dźwięków perkusyjnych, gitarowych lub elektronicznych.

Takie próby podejmowano Warszawie już wcześniej-w ubiegłym roku na festiwalu Turning Sounds 5 wystąpili wspólnie Michał Górczyński i TikTak. Beatboxer imitował dźwięki klarnetu basowego, na którym grał Górczyński, a ten z kolei naśladował dźwięki wydawane przez hiphopowca, z powodzeniem przenosząc techniki beatboxowe na instrument dęty.

-Robili to tak fantastycznie, że pomyśleliśmy, że warto to powtórzyć oraz dać kompozytorom możliwość posłużenia się tak ciekawym materiałem – mówi Tadeusz Wielecki, dyrektor festiwalu Warszawska Jesień.

Do gry wkroczyli wiec kompozytorzy młodej generacji: Andrzej Kwieciński, Dobromiła Jaskot, Paweł Hendrich i Michał Górczyński (w podwójnej roli autora i wykonawcy) oraz Meksykanin Juan Manuel Abras i Argentyńczycy Diego Roman Martinez, Eudaro Moguillansky i Gabriel Paiuk. Skomponowali – częściowo na zamówienie Warszawskiej Jesieni – osiem krótkich utworów na beatboxera beatboxera zespół instrumentalny.

Anna S. Dębowska

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 06 August 2008)
Juan Manuel Abras recibe más premios y encargos
​Redacción, Madrid

El joven compositor y director Juan Manuel Abras, discípulo argentino de Krzysztof Penderecki, sumó nuevas distinciones y encargos a su trayectoria internacional al haber sido galardonado con el Premio TRINAC 2008 - Tribuna Nacional de Compositores (EIMC-ISCM-CAMU-IMC-UNESCO) por su obra “Pésame (Actus contritionis)”, estrenada en Polonia durante 2007, y recibir una comisión del célebre Festival Internacional de Música Contemporánea “Otoño de Varsovia” (“Warszawska Jesien”), surgido en 1956 por iniciativa de los compositores Tadeusz Baird y Kazimierz Serocki y en el cual se presentaron figuras de la música contemporánea mundial de la talla de Nadia Boulanger, Pierre Boulez, Benjamin Britten, John Cage, Elliot Carter, Morton Feldman, Krzysztof Penderecki, Terry Riley, Dmitri Shostakovich y Karlheinz Stockhausen.

Radicado en Europa, Juan Manuel Abras -quien también fuera alumno del director Leopold Hager y del compositor Kurt Schwertsik en la Universidad (ex Academia) de Música de Viena, Austria- ha obtenido, durante los últimos años, casi una decena de distinciones y becas entre las que se cuentan el 2º Premio del Concurso Internacional de Composición “Franz Josef Reinl” Stiftung 2002 (Viena, Austria), la “Mención TRIMARG 2002” - Tribuna de Música Argentina y la “Mención TRINAC 2002” - Tribuna Nacional de Compositores (ambas EIMC-ISCM-CAMU-IMC-UNESCO), el Premio de Promoción a las Ciencias y las Artes “Theodor-Körner” 2003 (Viena, Austria), la “Beca de Promoción in Memoriam Erich Kleiber” 2004 (Berlín, Alemania) y la “Beca Directorio” 2005 del Fondo Nacional de las Artes (Buenos Aires, Argentina).

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(Le lieu dit, Nº 4. Laboratoire Instrumental EUropéen. Revue du Laboratoire Instrumental EUropéen initié par l’Ensemble Aleph et le Théâtre Dunois, France - Summer 2008)
Nouvelles des Jeunes Compositeurs du Forum

Carlo Forlivesi est au jury du Composition Competition IIC Tokyo en 2008 aux côtés de Joji Yuasa et Marco Stroppa.
www.alya.it/forlivesi
'Pentecostés' (2007) de Juan Manuel Abras a été jouée en avant-première au 19e Festival Miedzynarodowych Dni Muzyki Kompozytorów Krakowskich (PL)
'Antiphon – Mephistopheles choirs' de Pèter Köszeghy sera jouée durant le festival Weimarer Frühjahrstage le 17 mai à Jena (D), Doors (concerto pour guitares et orchestre de chambre) le 24 octobre à Münster (D) et en janvier 2009, 'Saturn Ways, deuxième concerto pour flûte' à Miskolc (H).
www.koeszeghy.net
Carsten Hennig a reçu le Premier Prix du Concours international de composition du Gouvernement de Mecklembourg / Poméranie Occidentale et a obtenu pour 2008 une bourse de la Fondation de la culture saxonne. En avril 2008 son 'Portrait' sortira chez Wergo. En 2008 et 2009 il a obtenu trois commandes pour les radios allemandes: MDR, BR et NDR.
www.emepublish.com/english/eme11K.htm
Trois commandes pour André Meier : une pièce pour corde solo et clavecin à la Tonhalle-orchester Zürich - création en novembre 2007), une pièce pour bande magnétique ('Don Quixote Readymade' - création en janvier 2008) et une pièce pour voix, clarinette, piano et contrebasse actuellement en cours d’écriture pour l’ Ensemble I Diversi.

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(La Nación, Argentina - 09 June 2008)
De las grandes páginas de la música a Buenos Aires
Penderecki y la Orquesta del Festival de Vilna

Con sólo 26 años y una obra genial (Treno por las víctimas de Hiroshima), su nombre cobró una vertiginosa notoriedad internacional. Célebre también por haber ganado los primeros premios en todas las categorías de un concurso de composición en Polonia, la figura de Krzysztof Penderecki surgió predestinada para las grandes páginas de la música. Así, su fama, sumada a la aceptación, presencia y popularidad de su obra, es un fenómeno inusual para los compositores llamados contemporáneos. La vastedad de su producción, la dimensión e importancia de sus composiciones y lo personal de una escritura y lenguaje que supo buscar caminos propios y evolucionar desde las experiencias más radicales de la posguerra, hacen de Penderecki una personalidad medular en la escena contemporánea, una verdadera leyenda de la historia de la música. Con 75 años y acompañado de la Orquesta del Festival de Vilna (Lituania), esta celebridad regresa a la Argentina, a un público que "siempre resultó grato e interesante".

• -¿Qué hay de cierto en la categorización que se hace de su obra respecto de un inicio atonal, ligado a la música serial, aleatoria, electrónica, y una fase posterior, supuestamente "romántica"?

-En mi lenguaje musical, hay muchos elementos de la tradición, lo cual es una consecuencia a la que se arriba tras un período Sturm und Drang. Es una evolución lógica. En general, todo lo que suena bien y contiene un ingrediente personal con cierta expresión es señalado por los dilentantes como romántico. En los países sudamericanos, la relación con la vanguardia está signada por complejos porque las grandes vanguardias no surgieron en América del Sur, sino en Europa. La gente vive, entonces, una avant-garde de segunda mano.

• -¿Qué pasó con las tendencias de la posguerra? ¿Dónde está hoy lo revolucionario en la composición?

-La verdadera vanguardia, aquella que aportó innovaciones, tuvo lugar entre fines de los 50 y comienzos de los 60. Lo realmente nuevo fue sólo esa renovación del lenguaje. Todo terminó en los 60. Después no hubo nada, sólo epígonos, meras repeticiones, mejores o peores, pero nunca nuevas.

• -¿Por qué se agotaron con tanta celeridad?

-Cuando uno analiza la evolución del arte observa que fue un período muy breve, pero fuerte e intenso. Hicimos tanto de nuevo que se llegó a un punto en que resultó casi imposible seguir evolucionando. Cerramos la puerta detrás de nosotros.

• -¿Cómo explica que público e intérpretes permanezcan aún reticentes a esas innovaciones?

-Porque se escribió mucha música mala. Hubo una superproducción de compositores que no tenían nada para decir. El público por naturaleza es abierto, pero cuando hay buena música y no sólo experimento.
• -¿Qué medios técnicos atraviesan su obra?

-La música que compongo contiene una clara idea de continuación. Desde mis comienzos como joven compositor, me interesaron las grandes formas. Antes de los 30 años, ya quería componer mi propia Pasión. Naturalmente que una obra de éstas no sería posible sin la tradición de Bach. También mi música sinfónica es una continuación del desarrollo de la forma con una fuerte influencia de los últimos grandes sinfonistas como Bruckner y Sibelius, Schostakovich y Prokofiev.

• -¿Qué papel desempeñó la religión en su personalidad como compositor?

-Viví la guerra y en la posguerra me tocó un Estado comunista donde todo tipo de arte espiritual estaba prohibido. Como joven anticomunista, encontré en la Iglesia una relación muy fuerte. En Polonia, la religión desempeñó un papel importantísimo durante todo ese proceso, acentuado por la figura de nuestro papa.

• -¿Qué espera para el futuro?

-Sólo escribir buena música, sin discutir necesariamente sobre el trauma de la vanguardia.

Por Cecilia Scalisi

Para LA NACION

Un discípulo privilegiado

El joven compositor argentino Juan Manuel Abras, discípulo de Penderecki en el posgrado en composición de la Academia de Música de Cracovia, Polonia, se refiere a la trascendencia de su maestro: "Krzysztof Penderecki es una leyenda viviente de la música clásica. Muchas de sus obras -como el Treno por las víctimas de Hiroshima o la Pasión según San Lucas- se han convertido en piedras angulares de la historia de la música. Su capacidad para cambiar la superficie de la estructura de su producción, en el momento justo, sin alterar lo más profundo de dicha estructura, le permite mantenerse vigente, entre lo sacro y lo profano, en la era de la intertextualidad. Penderecki conjuga, como lo han hecho los grandes compositores de la humanidad, la maestría técnica con la expresividad inmediata. Sus obras maestras permiten la manifestación sincrónica del goce intelectual en los eruditos, en tanto enriquecimiento del deleite sensible que éstos comparten con el gran público: entender y conmover se subliman mutuamente".

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(Páginas Musicales. Nº 54, Argentina - March / April 2008)
Recomendación

[...] La espera valió la pena. El segundo de los discos dedicados a los compositores “clásicos” y el tango continúa la línea trazada por el que le precedió; y vas más allá, pues en tanto el primero fue interpretado íntegramente por la pianista Estela Telerman, en este intervienen, además de Estela, otros dos pianistas: Dora Castro y Guillermo Carro, la violonchelista Mariana Levitin, los guitarristas Marcela Sfriso y Walter Ujaldón, el tenor José Luis Sarré y Omar Aranda Lamadrid, que recita textos muy poéticos de Juan Francisco Giacobbe, uno de los compositores presentes en el disco. Todos artistas de renombre, de modo que las interpretaciones tienen la cuidada calidad prevista, y por eso, se nos hace imposible destacar a alguno de ellos. El disco contiene veinticuatro tangos y al igual que el primero, constituye un recorrido por la historia de la composición musical en nuestro país. La lista de autores comienza con Francisco Hargreaves, que nació en 1849, y finaliza con Christian Baldini, que nació en 1978, y que junto con Juan Manuel Abras, propone una mirada más moderna del tango. Esto hace más fascinante la propuesta, pues a través de su apreciación podemos seguir los caminos que el tango ha tomado y explican por qué aún puede ser objeto de interés para los nuevos compositores. Además, la variedad de estilos brinda heterogeneidad y logra que, mientras lo escuchamos, nuestro interés nunca decaiga.

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(La Nación, Argentina - 12 April 2008)
La compactera
​​Música de Cámara Argentina Vol. 1
Varios interpretes
Transparencias, Ricercare, Tangoforte, Sonata para violoncello y piano y otros (Independiente).

Este primer CD de la Asociación Argentina de Compositores contiene registros de las últimas generaciones de miembros que la componen y configura un mosaico de distintas expresiones y orientaciones estéticas. La deliciosa Sonatina (1930) de Grisolía es interpretada impecable -y admirablemente- por Dora Castro. Irma Urteaga y Amanda Guerreño, con Tangoforte y Payanca con chamamé , respectivamente, manifiestan su sensibilidad hacia la música urbana y la expresión folklórica. La dodecafónica Sonata para violonchelo y piano de Beatriz Renta fue elogiada por la crítica. Transparencias Op. 14, de Carlos Florit Servetti, y Simihuinqui (2001) de Eva Lopszyc son expresiones que poseen, en el primer caso, sugerentes sonoridades que orillan la descripción y el pintoresquismo. Ricercare (1999), de Juan Manuel Abras conjuga procedimientos compositivos históricos con técnicas contemporáneas.

Héctor Coda

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(La Nación, Argentina - 09 January 2008)
Una apretada agenda para los argentinos más célebres
Mirada sobre la temporada europea y norteamericana que llevarán adelante artistas como Daniel Barenboim, Alejo Pérez, Franco Fagioli y Verónica Cangemi, entre otros.

Al contrario de la implicancia negativa que supone la "fuga de cerebros" para ciertas áreas del conocimiento, en la música clásica resulta inevitable -cuando se quiere hacer una gran carrera- y muy saludable para el país que los músicos, cantantes y directores se desarrollen en el exterior y emprendan una trayectoria internacional, pues representan en la vidriera del mundo una excepcional capacidad de la Argentina para exportar talentos. Lo único lamentable es una presencia demasiado esporádica de esos grandes artistas en nuestras carteleras, pues la mayoría son poco escuchados o hasta incluso desconocidos en la Argentina. Basta dar un vistazo por las agendas de los más notables para calcular la gravitación de nuestro país en el mundo clásico.

Año agitado

Comienza el año y con él los anuncios de los próximos meses. Como es de esperarse de los argentinos más célebres, varios de ellos marcan interesantes hitos en sus activos almanaques artísticos. Tal es el caso del infatigable Daniel Barenboim, que luego del resonante Tristán e Isolda de Milán, ofrecerá en la Staatsoper de Berlín, de enero a mayo, un programa exclusivo titulado Barenboim-Zyklus, en la matiné del domingo, en el que alternadamente actuará como pianista, director y acompañante de lied . Entre enero y febrero, retomará la integral de las sonatas de Beethoven en el Royal Festival Hall de Londres y la Scala de Milán. En el terreno de la ópera, lo más novedoso de su grilla es El jugador, de Prokofiev, una nueva coproducción de la Staatsoper (que estrenará en marzo) y la Scala (en junio). Para los argentinos -afortunadamente recuperado hace tiempo, tras décadas sin presentarse en el país-, el compromiso más relevante del genial músico será su regreso de la mano del Mozarteum, con la Staatskapelle de Berlín a partir del 30 de mayo.

Entre las celebridades líricas, como también es costumbre, los tenores Marcelo Alvarez y José Cura continúan en lo más alto del candelero. En el caso del exitoso cordobés, quizá la ausencia más lamentable de las temporadas argentinas, su calendario apunta varias atracciones. Por sólo citar algunas: el debut en el rol de Don José en la ópera Carmen encabezada por Olga Borodina, en la Metropolitan Opera House de New York, con escenografía y puesta de Franco Zeffirelli, en febrero y marzo próximo. Y en abril y mayo, otra Carmen con una nueva producción para el Maggio Fiorentino, con la batuta de Zubin Mehta y producción escénica de Carlos Saura.

Por su parte, el multifacético José Cura, largamente ausente del país hasta su regreso en 2007, anunció varias novedades en su cartelera, entre ellas la première el próximo domingo de El Cid, de Massenet, en Zürich; su debut como regisseur y escenógrafo en Un ballo in maschera, en la ópera de Colonia, Alemania, y el anuncio de su esperado debut en el repertorio wagneriano con el rol de Parsifal en la Deutsche Oper de Berlín, previsto para 2010.

• Popularidad y lauros

La reconocida mezzosoprano Bernarda Fink, probablemente la cantante argentina de mayor prestigio en Europa, luego de una presentación en París con Samuel Rattle (director de la Orquesta Filarmónica de Berlín) hará su debut con Idomeneo, de Mozart, en el Teatro Real de Madrid, en una coproducción de la Scala de Milán con la Opera Nacional de París. Por su parte, el ascendente tenor cordobés radicado en Italia, Gustavo Porta, ciertamente muy poco conocido en el medio local, protagonizará varias nuevas producciones: en enero, la ópera Cassandra (de Vittorio Gnecchi), con puesta de la directora general de la Deutsche Oper Berlín, Kirsten Harms ( regisseur para la cual el argentino está entre sus favoritos, pues ha encarnado los roles principales de sus últimas creaciones); y de marzo a junio, en el mismo teatro, hará el Radamés de una nueva producción de Aida . Darío Volonté retoma su actividad internacional tras un lapso dedicado a recitales argentinos. Por su historia personal y su radicación en Buenos Aires, el caso de Volonté es sí un ejemplo de popularidad y reconocimiento entre nuestro público, sólo equivalente en presencia local con el distinguido pianista Bruno Gelber, siempre activo tanto en el exterior como en la Argentina.

Para continuar con la lista de los líricos: la soprano mendocina Verónica Cangemi, con una intensa carrera en escenarios de prestigio, salvo por un par de apariciones, es muy poco escuchada en la Argentina. Por estos días, ofrecerá un recital en París y luego, en mayo, una producción de Fida Ninfa, de Vivaldi, ambas actuaciones se realizarán en el teatro Champs-Elysées; siguiendo su debut en junio, en la ópera de San Francisco con su ya tradicional Dalinda, de Ariodante (Haendel), con destacado elenco encabezado por Susan Graham. El tenor Darío Schmunck acaba de presentarse con María Stuarda, en la Staatsoper de Berlín -la casa de Barenboim-, y continuará con la misma obra en la Scala de Milán hasta febrero. De abril a mayo, su recorrido profesional lo llevará por Bruselas, Luxemburgo y Génova.

• Las nuevas generaciones

Entre los más jóvenes, ambos ganadores del Concurso de canto de Gütersloh (Alemania), el excepcional contratenor tucumano Franco Fagioli, con una única, pero exquisita presentación en la última temporada local, acaba de protagonizar Giulio Cesare, en Oslo, y continúa durante febrero con el mismo rol en Alemania; mientras que la soprano María Virginia Savastano, radicada en París donde continúa sus estudios de perfeccionamiento, está próxima a debutar en febrero en la Opera de la Bastilla, con una producción de Luisa Miller y un elenco de lujo integrado por Ramón Vargas y Marina Domaschenko.

Dejando la ópera y yendo al ámbito de los conciertos, el talentoso Alejo Pérez -un feliz caso que combina éxito internacional con asidua presencia en el país- dirigirá en estreno mundial la ópera Lady Sarashina, de Peter Eötvös, durante marzo en la francesa Lyon, y en junio tendrá a su cargo una producción de Don Giovanni, en Francfort, con régie de Peter Mussbach (director general del teatro de Barenboim en Berlín). La chelista cordobesa Sol Gabetta -con 25 años es la instrumentista joven más exitosa de la Argentina en este momento, pero aún desconocida en el país en relación con el nivel de popularidad que está ganando en Europa- aparece como tapa de la revista Rondo (el medio clásico de mayor tirada en Alemania) y acaba de ser nominada por su álbum debut para el Grammy, cuyo veredicto se dará a conocer el 10 de febrero en Los Angeles. Además, recibió en octubre la distinción Echo-Klassik, que entrega la Academia del disco alemana como instrumentista del año y obtuvo las más elogiosas críticas, entre otras la de la prensa germana, que llegó a compararla con Rostropovich. Su calendario abarca giras con hasta diez conciertos por mes, lanzamientos discográficos y campañas en prensa escrita, radio y TV.

El pianista Sergio Tiempo, artista bastante frecuente de las temporadas vernáculas, regresa el 5 de mayo para inaugurar el Mozarteum 2008, luego de una gira asiática con Mischa Maisky, presentaciones junto con su amiga y mentora Martha Argerich, y conciertos bajo las batutas de Claudio Abbado y Gustavo Dudamel.

Por último, caben citarse algunos ejemplos de destacados jóvenes que continúan sus estudios en el extranjero, como el barítono Gustavo Zahnstecher -ganador del premio Shell de Festivales Musicales-, actualmente alumno de Sigfried Jerusalem, en Nuremberg, y el compositor Juan Manuel Abras, discípulo de Penderwski en Polonia.

Muchos nombres quedaron afuera de esta lista que, sólo a título ilustrativo, escoge algunos de los más conspicuos representantes de la ópera y de la música clásica argentina en el exterior.

Cecilia Scalisi

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(Hufvudstadsbladet, Finland  06 July 2007)
Musik
Är det tillräckligt irriterande?

Raka i ryggen och med ett brett leende på läpparna inleder franska Ensemble Aleph sin konsert på nymusikfestivalen i Viitasaari. Snart kommer megafonen, visselpiporna och skriklätena in i bilden och ett förfärligt oljud börjar. Upplagt för katastrof?

VIITASAARI Sällan har man upplevt att en hel bok med material om just denna konsert delas ut helt gratis i början av tillställningen. Där finns utförliga presentationer och intervjuer med samtliga tonsättare och dessutom en cd för den som vill bekanta sig med verken efteråt.

Paketet är snyggt och professionellt gjort. Det hela är en dokumentation från franska nymusikgruppen Ensemble Alephs fjärde internationella tonsättarforum som hölls i Dresden i juli i fjol. Över sjuttio tonsättare skickade in sina partitur och elva valdes ut, varav tio spelades i onsdags på 25-årsjubilerande nymusikfestivalen i Viitasaari.

• Kejsarens nya kläder?

Men det snygga paketet förefaller till en början vara kejsarens nya kläder. Efter de fyra första numren, ser det ut som om ingenting av det som hörs under denna konsert kommer att ha något egentligt innehåll.

- Som under tidigare tonsättarforum, förvånas man över den extrema mångfalden hos tonsättarna, heter det i boken.

Trots de fina orden, är verkligheten en annan. Det som jag förvånas över är snarare hur likartade kompositörerna är. Det verkar som om de elva valts ut på basen av vem som använder mest nya, vågade spelsätt där megafoner, visselpipor och skrikläten är vardagsmat. Lägg därtill viskande musiker, en pianist som nästan uteslutande spelar på flygelsträngarna och en slagverkare vars huvudsakliga uppgift är att vifta i luften, så är fruktsalladen klar. Det är ett evigt effektsökeri.

• Positiva uppstickare

Men för att inte dra alla över en kam, vill jag nämna ett par exempel på intressanta effektsökande alster. Det femte numret var skapat av argentinaren Juan Manuel Abras (f. 1975) vars verk The song of Anna O. ledde in lyssnaren i en rytmiskt pulserande fantasivärld, som påminde om ett spökslott. Ett slag på gonggongen annonserade att stycket inleddes och ett annat att det avslutades.

En annan upplevelse var serbiska Jasna Velickovics (f. 1974) komposition Sleeping Beauty. Som titeln antyder, hade hon använt material av Tjajkovskij, utan att för den skull synliggöra det i ytskiktet. Hennes stycke hade i stället en klar dramaturgi med ett charmant Gershwinstuk, vilket kanske fick puritanerna här att se rött.

• Inte alltid bekvämt

Var det då något fel med att bjuda in Ensemble Aleph trots den fattiga behållningen? Nej, absolut inte. Till Viitasaari kommer årligen en liten skara - kanske femtio - tonsättare och aktörer i det finländska musiklivet för att lyssna till nyaste nytt i nymusiksfären. Och Aleph är ju en framstående nymusikensemble som uruppfört över 200 verk under 500 konserter sedan grundandet 1983.

Flera av medlemmarna i dag har passerat 50-strecket, men fortsätter likväl med att presentera unga tonsättares verk passionerat och gruppen förklarar öppet sig vara i tonsättarnas tjänst. Hur slutresultatet sedan låter återstår alltså för lyssnaren att bedöma.

Låt det klingande resultatet avgöra och låt de unga arga tonsättarna vara arga och irriterande om de så vill. Det är inte alltid bekvämt.

WILHELM KVIST
kultur@hbl.fi

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(Páginas Musicales. Nº 50, Argentina - May / June 2007)
Recomendación

La Asociación Argentina de Compositores continuando con su encomiable tarea de difusión de la obra de nuestros creadores musicales acaba de editar el CD "Argentina Vol. 1" conteniendo obras de siete de sus integrantes: Pascual Grisolía, Beatriz Renta, Irma Urteaga, Carlos Florit Servetti, Juan Manuel Abras, Eva Lopszyc y Amanda Guerreño. Una excelente oportunidad para conocer qué están haciendo nuestros compositores. A diferencia del disco que la Asociación había lanzado hace unos años, "Argentum", integrado sólo por obras para violín y piano, aquí encontramos una para piano solo, y seis obras de cámara con la más diversa formación. Desde una ya establecida, como el dúo de violonchelo y piano, hasta otras más peculiares como oboe y vibráfono. Igualmente es diverso el lenguaje musical de los compositores. Tradicional, como en la "Sonatina" de Grisolía -cuyo primer tema tiene cierto carácter infantil (la pieza está dedicada a su hija)-, o de vanguardia, como en la composición de Eva Lopszyc "Simihuinqui". En varias obras los creadores han decidido fusionar ambos lenguajes. Esa fusión se percibe también en algunas fuentes en las que han abrevado dos de las autoras: Irma Urteaga, en la música ciudadana, y Amanda Guerreño, en la siempre cautivante música folclórica. Pero ninguna de las dos lo hacen abiertamente; los ritmos afloran, son sugeridos y evocados. También ciertos climas son sumamente sugerentes, como el creado por Juan Manuel Abras y Eva Lopszyc en sus respectivas composiciones. Es esta diversidad lo que hace a la propuesta atractiva, pues todos los que se acerquen a ella quedarán complacidos.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 28 May 2007)
Un nuevo año de estrenos y grabaciones para el compositor argentino Juan Manuel Abras
Redacción, Buenos Aires

El reciente estreno en Polonia de la obra 'Pentecostés' de Juan Manuel Abras —a cargo del coro Pogratulujmy Mrówkom dirigido por Grzegorz Brajner durante la decimonovena edición del festival Días Internacionales de Música de Compositores Cracovianos— marca la continuación de un año de intensas actividades en Europa llevadas a cabo por el joven compositor y director de orquesta argentino, que comenzaron un año atrás cuando se estrenara en Varsovia 'Muchos rostros, una Madre', comisionada por la Fundación Argentina en Polonia.

Pentecostés (Veni Sancte Spiritus) es una composición basada en los Hechos de los Apóstoles y su estreno fue precedido, también durante 2007, por el de Pésame (Actus contritionis), obra inspirada en el Sacramento de la Penitencia y en diversos textos del sacerdote italiano Gabriele Amorth. Abras, quien se encuentra en Polonia perfeccionándose con Krzysztof Penderecki, participó asimismo en el 13º Festival Internacional Laboratorio de Música Contemporánea de Varsovia como compositor invitado.

Fuera de Polonia, el Ensemble Aleph (Francia) estrenará en Europa del Norte The Song of Anna O., del joven artista argentino, durante el 25º aniversario del festival internacional Time of Music de Finlandia, tras haberlo hecho en Holanda (festival internacional Gaudeamus Music Week de Ámsterdam) y Francia (Théâtre Dunois de París, festivales MANCA de Niza y Printemps des poètes de Carcassonne). Merced a esta obra, inspirada en el famoso caso que recogieran Josef Breuer y Sigmund Freud en su libro Estudios sobre la Histeria, Abras fue seleccionado por la mencionada agrupación gala para integrar el 4º Foro Internacional de Jóvenes Compositores que tuvo lugar hace algunos meses en el Centro Europeo para las Artes KunstForum Hellerau de Dresde (Alemania), dentro del marco del Programa Cultura 2000 de la Unión Europea.

Durante 2007 tres sellos discográficos distintos pondrán a disposición del público diversas obras de Abras a través de varias grabaciones que terminarán de hacer su aparición en el mercado antes de fin de año. Tras el lanzamiento, en Viena, del CD Harmonia Classica-Harmonie heute?! (HCR 022) y, en París, del disco compacto 4e Forum International des Jeunes Compositeurs. Oeuvres sélectionnées (que acompaña al libro Carnet de Bord, una coedición Centre de documentation de la musique contemporaine-Ensemble Aleph) —conteniendo Harmonie-Alpha et Omega y The Song of Anna O. respectivamente—, la Asociación Argentina de Compositores presentó hace algunas semanas en Buenos Aires su CD Argentina-Música de Cámara Vol. 1 (AAC 2705), que incluye Ricercare. Asimismo, próximamente verán la luz Obras para Violín Solo de Compositores Argentinos Vol. II (TR060427), un disco compacto grabado por Alejandro Drago para el sello argentino Tradition que recoge Chacarera meets the Puna, y Los compositores académicos argentinos y el Tango Vol. II (que incluye Estelango), grabado por la pianista Estela Telerman.

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(Waltmans. Early and Contemporary Music, The Netherlands - April 2007)
Juan Manuel Abras (AR)
....I believe that composing is, in part, writing what you ‘remember’. The musical work already exists, like a Platonic Idea....

• Juan Manuel, you are a young Argentine composer living and studying in Poland (Penderecki). Can you explain your situation?

Juan Manuel: It’s a very natural situation for me: I was born in Europe, my grandparents were Europeans and I was raised between Europe and Argentina, where my parents where born. I lived in six different countries through all European regions so far: Sweden (where I was born), Switzerland, Spain, Italy, Austria and Poland. Therefore, it seems so obvious that I can’t help being and feeling European and Argentinian at the same time. I met Krzysztof Penderecki in Austria when I was studying at the University (former Academy) of Music and Performing Arts Vienna; I told him I wanted to become his student, he accepted me as such after looking at my scores and I came to Poland for continuing my studies with him at the Academy of Music in Krakow.

But apart from my personal situation, Argentinians are mainly ‘transplanted Europeans’, as my father used to say (he was a diplomat and journalist). Historically, the concept of ‘Argentina’ only appeared clearly after the tremendous stream of emigration that left Southern, Western, Northern and Eastern Europe (according to UN’s regional division of the Old Continent) settled in a huge but sparsely populated land (its aboriginal groups were numerically few in relation to a territory that is about 3 million sq km) that was regarded as ‘The Granary of the World’ (and from a geographically point of view still remains so), mainly escaping from the European wars and crisis of the nineteenth and twentieth centuries. But Argentina not only opened its arms to people of European origin (97% of its population, according to CIA’s World Factbook 2007) but also to emigrants from Middle East, Far East and other regions of the world as well.

The process I just described generated in Argentina a kind of ‘spontaneous European Union’ that, at the same time, gave rise to an Argentine national identity, mainly made up of a mix of European cultures: hence, to be Argentinian is in essence a feeling, a sense of belonging to a new-born nation; there is even a popular saying that goes: ‘Argentina es un sentimiento’ (Argentina is a feeling). Because of this, origin will never normally affect your personal or professional relationships, in contrast –it is said– to what happens in other countries. As my mother always says (she is a sociologist), the concept of ‘foreigner’ is relative in Argentina because the country was mainly built by immigrants: how could you call a person ‘foreigner’ when your parents or grandparents where also ‘foreigners’?

• Can you tell a few words about education and schooling in contemporary music at Argentine conservatories/universities?

Some decades ago Argentina was an undisputed place for learning and teaching Contemporary Music in the American continent, thanks in part to the activities Argentine composer Alberto Ginastera (1916-1983) organised and carried out in Buenos Aires between 1963 and 1971 as director of the Latin American Centre for Advanced Musical Studies of the “Torcuato di Tella” Institute, an institution that benefited many young composers of the American continent and abroad.

The Music of Ginastera (his surname –like Abras– is Catalan) started embracing the nationalist orientation that emerged in Argentina during the 19th century –Alberto Williams (1862–1952), Argentine composer of British descent, was one of its most representative artists– and ended by incorporating microtonal and aleatoric elements chronologically preceded in his works by atonal and serial approaches that were favoured and supported in the country during the 1930s by Juan Carlos Paz (1901–1972) and, later and among others, Roberto García Morillo (1911-2003), with whom I studied Composition.

In 1958 Ginastera created the Faculty of Musical Arts and Sciences of the UCA-Catholic University of Argentina (whose present Dean is the prominent Argentine conductor Guillermo Scarabino, with whom I studied Orchestral Conducting), one of the most prestigious music teaching institutions of the country along with the “Carlos López Buchardo” Department of Arts of Music and Sound (former National Conservatory of Music) of the IUNA-National University Institute of Art (where I began the formal music studies I subsequently continued in Venice, Italy and Spain) and the “Manuel de Falla” High Conservatory of Music (a Spanish expression for ‘Academy of Music’), from where I graduated before continuing my studies in Vienna.

• Are there differences and similarities between Argentine and European music institutes?

Regarding the similarities, as I said earlier, Argentine people –and Argentine culture too– are mainly a mix and a consequence of the European immigration; and music teaching institutions are not an exception to this fact. Argentine musical tradition was neither imitated nor copied from European models, but inherited; it was brought by the European emigrant-musicians that settled in Argentina in search of a new place to live: from the distinguished Domenico Zipoli (1688–1726) to the legendary Erich Kleiber (1890-1956). This tradition have been continued by younger generations of artists that were born (or raised) in Argentina and pursued their careers there and abroad, like the internationally acclaimed Martha Argerich, Daniel Barenboim, Bruno Gelber, Michael Gielen, Alberto Ginastera, Carlos Guastavino, Mauricio Kagel, Carlos Kleiber and Astor Piazzolla, among others. I think this fact is clearly illustrated by the words John Cage used –it is said– for referring to Mauricio Kagel: “The best European composer I know is Argentinian”. A standing legacy of this tradition, and also a symbol of Buenos Aires, is the famous Teatro Colón, one of the leading Opera houses of the world that –with its unsurpassed acoustics– experienced a Golden Era just some decades ago.

As for the differences, it’s clear that in Argentina –like everywhere– Music can be affected by the nation’s political and economic situation; and despite being a wealthy country from the geographical point of view, the consequences of the many financial crisis the country suffered during the past years were deeply felt in many aspects of musical life, including teaching and learning. After the peso was devalued it became very difficult not only to attract foreign high-level artists but also to import scores and discs, limiting, thus, the contact with external musical influences. However, this situation has been constantly alleviated, for example, by events devoted to Contemporary Music like the Festival Internacional Encuentros, yearly organized by the Argentine composer Alicia Terzian (who studied with Ginastera) and by other musical activities held not only in Buenos Aires, but in the whole country as well. So, despite the crisis and their effects, I agree with the words that Gerard H. Béhague, a prolific scholar of Latin American ethnomusicology, wrote for ‘The New Grove Dictionary of Music and Musicians’: “Among the great Latin American capitals, Buenos Aires now enjoys a musical life of unique importance by virtue of its many theatres, orchestras and choral associations, and its good educational institutions. In addition, frequent contact with visiting foreign composers, musicologists or performers has afforded local musicians a comprehensive view of the contemporary musical world.”
• Listening to your music, it is various. Can you describe your position in the compositional landscape?

There is in many of my works –but not in all of them– a variety of inspirations and references (to Literature, Visual Arts, Theology and Religion, Biology, Psychoanalysis, Anthropology and Archaeology, etc.) that probably comes from the fact that I am interested in Arts and Humanities as much as in Science and Technology. In fact, I share a passion for past (I have a Bachelors and a Masters Degree in History) and future (I also wanted to be a Biology researcher); but inspirations and references to current world or personal events also abound, of course, in my pieces. Different styles and techniques are found in them too, but –however– not normally within the same composition (polystylistic or eclectic approaches that would imply the deliberated use of juxtaposed elements or the act of drawing them from various sources are almost rare).

I think there has always been a dialogue not only with past but also with future through Music History and, thus, all historic styles (including the many ‘isms’ of the 20th century) constitute a rich palette for the contemporary composer that can be accepted or rejected: I like to take from it what I want when I want, modify (or not) its ‘colours’ and add my own ones to it as well. This is due not only to my personal evolution but also to the influences and advices I have received, during my studies and courses, from masters like García Morillo, Schwertsik, Penderecki, Mullenbach, Stockhausen, Lachenmann, Rihm and Gielen, among others. As a result of what I just said, my music can sound atonal, bruitiste (experimental), serial, tonal, aleatoric, minimalist or algorithmic, be related to New Simplicity (including Neoclassicism and Neoromanticism), Sonorism, New Complexity or World Music (including Argentine folklore and Tango). But the style I will choose for a new piece is usually determined by the ‘inner vision’ I often experience prior to starting the compositional process: before writing the first note I can hear passages of the work to be written; I can see images of its future performance. And this is a fact I found linked to the platonic concept of ‘anamnesis’, something that could be put in relation, I think, with what we call ‘artistic inspiration’.

Regarding what I just said, I believe that composing is, in part, writing what you ‘remember’. The musical work already exists, like a Platonic Idea; the more faithfully you can ‘remember’ how it sounds, the better you can do your job; and then comes a lot of work and craftsmanship. It reminds me Michelangelo’s thoughts about freeing the forms that were already in the stone by chipping away all that was not a part of the statue. However, some people see this fact from a lower level of perception and believe the musical ideas exist only in the composer’s mind; and even if they rightly assume that the score is not the work (I think we could call a score ‘the instructions’ for performing a musical composition), they agree that the work exists when you transform it into sound: from their point of view, each musical work is recreated during a performance. Other people think that, even if we could agree that each performance is a recreation, from a deeper point of view, the composer creates the work once and forever; and from an even deeper point of view, the musical work is actually a pre-existent idea: I personally find the latter a more convincing statement.

Another aspect of my works relies in the balance I try to seek between the technical and objective aspects on one hand and, on the other, the way the piece sounds; a balance between theory and practice, between thinking and feeling: by achieving this ‘union of the opposites’, like in an alchemical process, the piece should satisfy my own expectations; when I compose, I am my first listener. But despite embracing the variety of styles and inspirations I described earlier, I believe my works maintain, at the same time, a unity that lies beneath the ‘surface’, the ‘outer skin’ that, from my point of view, a musical style, in part, constitutes. And because the concept of ‘unity in variety’ (and variety in unity) has been always present in philosophical and artistic thinking through History, I often try to include it in my compositions. In them, unity can be found in deeper aspects (like musical discourse, coherency of the work and its musical events, the way these are connected, etc.) that are not necessarily linked to a particular tendency, since unity its inner by nature; it lies on an ontological level. I love languages, dialects and their local peculiarities; and there is no need to think of Leibniz for realizing that some of them –because of their grammatical characteristics– are capable of expressing certain concepts in a more faithful way than others and vice versa. When you can speak different languages, you can also decide which to use for each occasion, not only without changing the core of the message to be expressed but also doing it more faithfully. I think that in the same way a technique should not be a goal in itself but only a mean to achieve the latter, the message must transcend the language, going beyond the boundaries implicit in the aesthetics and techniques of every musical style. However, even if most people think Music is an ‘universal language’ (and some find analogies with Chomsky’s ‘universal grammar’), for others it’s not even a language (Wittgenstein, Langer, etc.). Nevertheless, I believe Music (and Art in general) is capable not only of carrying a message (whether this happens in a language-like way, in a symbol-way or by other means), but also of letting us, during certain occasions, behold the Absolute.

Concerning what I just said, I can’t help remembering some words by Ligeti on how Music can sometimes seem to come from the infinite like an audible moment of the immutable and eternal music of the spheres, and what –it is said– Karajan once told Michel Glotz: “It is music coming from another world, it is coming from eternity”; and speaking on my own behalf, I sometimes experience that, like in some sort of ‘union of the opposites’, the more the Music flows, the more the time stops. However, other people focus on this same process from a less deep level of perception, stating that Music is someway related to an ‘act of illusion’ done against the physical laws, due to the ephemeral nature of sound; for them, Music begins from nothing (silence) and ends in nothing (silence), an approach that –even if obviously exact from a merely acoustical point of view– disregards, for some thinkers, any metaphysical experience, even when claiming to do the opposite by stating that what gives Music a metaphysical characteristic is its capacity to create ‘an illusion’ of eternity within reality (and, thus, not its capacity of letting us actually contemplate the Absolute). On the contrary, I believe Music can momentarily take us from our ontological reality to another; Art can actually overcome reality, rip it and tear it, liberating us –in some way– from the ‘illusion’ in which we live: despite the contextual differences, this reminds me not only some Neo-Platonic approaches but also the Hinduism’s concept of Maya (illusion) and Kant’s definition of ‘phenomenon’ that some artists –it is said–intuited and expressed, for example, through Literature: “Ever drifting down the stream / Lingering in the golden gleam / Life, what is it but a dream?” (Lewis Carroll); “All that we see or seem / is but a dream within a dream” (Edgar Allan Poe); In his play ‘La vida es sueño’ (Life is a dream) –whose action takes place in Poland, by the way– Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) wrote: “¿Qué es la vida? Un frenesí / ¿Qué es la vida? Una ilusión, / una sombra, una ficción, / y el mayor bien es pequeño; / que toda la vida es sueño, / y los sueños, sueños son.” (What is life? A frenzy / What is life? An illusion, / a shadow, a fiction, / and the greatest good is small; / for all life is a dream, / and dreams, are dreams.)

What is your opinion about the development of Western music after the 2nd World War until now?

I believe that Culture is a manifestation of the same human spirit that can’t help being wounded by the horror and atrocities of war; and since I also think that a musical work reflects –consciously or not– a composer’s ‘inner world’, it’s clear to me that the devastating consequences of the 2nd World War left an indelible and clearly noticeable mark in the music composed by the generation of artists who witnessed the conflict. I think we could all agree that one of the aspects that characterizes Contemporary Music is the acceleration suffered by the ever-present emergence process of new aesthetic movements that, in only a few years, gave rise to a rapid proliferation of ‘isms’. And even if a reaction against previous times is found in almost every period of Music History (as so clearly manifested, for example, in Vitry’s / Wolf’s term ‘Ars Nova’, opposed to ‘Ars Antiqua’), such a big quantity of styles in such a short period of time was hardly found in the past. Another distinctive aspect of some Contemporary Music (and artistic disciplines in general) seems to be a change in the association that historically existed between Art and concepts like ‘kalokagathia’, ‘telos’, ‘transcendence’, ‘artistic service’ or ‘common good; and it’s not necessary for the general audience to be Husserlian , Platonic-Augustinian or Aristotelian-Thomistic for intuitively perceiving this fact that some people define as “crisis of meaning”.

The existence of what I like to call the ‘Fontana Paradox’ is other particularity of some contemporary artistic productions including Music; I named it after Lucio Fontana (1899-1968), the eminent Argentine visual artist who lived and worked in Italy and founded the ‘Movimento Spaziale’ (Spatialism) around 1947: today, his canvasses, sculptures, ceramics and other masterpieces are included in the permanent collections of hundreds of museums worldwide. For illustrating the paradox, let’s imagine this situation: an unaware observer of the sixteenth century contemplates for the first time a painting by Leonardo da Vinci. Even without knowing who created that, it would have been probably clear for the observer that only a true master could have done such a work: for an untrained person, even to imitate such a painting properly would have been almost impossible. The same thing could probably have happened, for example, through the 1600s with a painting by Rembrandt, during the 1700s with a work of Goya and through the 19th century with a canvass, for instance, by Renoir. But now, let’s imagine another situation: an unaware observer of the twentieth century contemplates for the first time one the several works entitled ‘Concetto Spaziale – Attesa’ by Lucio Fontana: a canvass with a vertical cut. How could the unaware observer, without knowing beforehand who created that, distinguish the work of a true master like Fontana from that of an untrained person who could easily get a canvass and slash it too? There is, of course, a perfectly valid explanation of why this happens nowadays; but that doesn’t change the fact that it still happens.

Going back to Contemporary Music, it wouldn’t be difficult to find analogous situations to the one just described, especially because during some years what in the past was considered ‘The Art of…’ (Fugue, Counterpoint, Harmony, Form, etc.) became for many a kind of taboo, an imposed prohibition, due to logical and historically valid reasons normally unknown, however, to the general audience. Some people think that this apparent inversion and manipulation of values (that turned them from beneath) also opened the door to certain individuals who, taking advantage of this situation, started a sort of ‘revenge of the mediocres’ to hide their flaws, as impostors do, beneath the Art of the true contemporary masters. In the past, this would have been probably impossible to achieve since –despite the sometimes radical differences found between emerging new musical styles and previous ones– the most intrinsic values of Music had always remained untouched.

• What is your view on Western music at present, the aesthetic aspect, the personal approach, the use of twelve tones, a necessity of a new tone system? Is there a crisis? Is there a future? How?

As for the “aesthetic aspect” and “personal approach”, I think that was already answered in response to your previous question; but regarding the use of twelve tones in a ‘purist’ way, it seems clear that today –despite the use we can still make of it– we should refer to the ‘Zwolftontechnik’ as a historical method of composition, since almost a century (if we consider the Präludium of Schönberg’s Piano Suite op.25 as the earliest 12-note serial piece) separate us from its emergence. However, just as by the end of the 1950s only a few composers were not influenced by the consequences of Serialism –the first ones being the application of the serial structure to non-pitch elements– it wouldn’t be difficult to find traces of serial approaches in many musical works of our times.

Your question regarding the “necessity of a new tone system” and about “a crisis” makes me think of some scholarly reflections about Rousseau’s ‘Sistême Musicale’ –often defined as a rational and self-contained arrangement of musical phenomena– and its associations with the term ‘tonality’. If a tone system implies a systematic organization of pitches and the relations that exist between them, we can assume that –despite some theoretical disagreements– Western musical tradition witnessed, until the 20th century, a period of modal music (before 1600), followed by one of tonal music (ca. 1600-1910) and then one of atonal music (after 1910). During the past century, most of the many ‘isms’ I mentioned when answering your previous question tried to find new structures even by incorporating, for example, non-Western elements (taken from Indian rāga, Indonesian gamelan music, Arabic maqām, etc.), most of them related to different tuning systems whose exploration (that also gave rise to specifically-designed musical instruments) has always existed throughout Classical Music History since Ancient Greece times, favouring the emergence, for instance, of microtonal elements in the works of composers born in the 19th century (like Ives, Bartók, Milhaud and Hába, among others), the appearance of concepts like Alexander John Ellis’ ‘cent’ (100 cents is equal to one equally tempered semitone), or the instrumental inventions achieved by Harry Partch and the California Group since the 1930s. And if we define crisis (in Greek it literally means ‘decision’) like “an unstable or crucial time or state of affairs in which a decisive change is impending” (‘Merriam-Webster’s Dictionary’) we have to admit that just as we contemplated how the so called ‘dissolution of traditional tonal functions’ arose in the early years of the past century, we also noticed the emergence –only some decades later– of tendencies that have been called ‘New tonality’, ‘New Simplicity’ and ‘Neoromanticism’, which in most cases imply a return to quasi-tonal progressions, predictable metric pulses and former aesthetics.

Therefore, when you ask me about “a future” and “how”, considering what I just mentioned, it seems clear that each time it was said: “Everything is exhausted; what else could come next?” something new appeared; but it also was said: “Nothing is new under the sun. Even the thing of which we say, ‘See, this is new!’ has already existed in the ages that preceded us.” (Ecclesiastes). Thus, I can’t help remembering what George Crumb wrote in his article entitled ‘Music: Does it Have a Future?’: “music can never cease evolving; it will continually re-invent the world in its own terms” and I also can’t help thinking of Giambattista Vico’s ‘spiral’, related to his concept of ‘ideal eternal history’; I really believe in Providence: from my point of view, there will be always a future –also for Music– until the End of Time.

• What do the terms 'new' and 'experimental' mean to you in connection to contemporary music?

According to the cultural context, a word that may seem easy to translate from one language to another can have a complete different meaning in each of them despite the identical or similar spelling and common etymology: in Italian, the musical term ‘battùta’ means ‘measure’ whereas in Spanish and Polish the word ‘batuta’ refers to a conductor’s ‘baton’ (and in Spain, by the way, a ‘batón’ is a long type of robe). But since this play of words could go on, we may ask ourselves: can these potential ambiguities might be increased when the terms ‘new’ and ‘experimental’ are applied to Music, being both of them common adjectives instead of musical neologisms? Nevertheless, even if we agreed that in this case most translations would be accurate, it would be also difficult to deny how new and experimental was Mozart’s Music for the European audiences of the 18th century even if now we refer to it using the term ‘classical’ in a double sense: because of its belonging to what we call Classical Music and, within that category, for the reason that it also belongs to the so called ‘Classical Period / School / Style’. And what about Beethoven’s innovations in the fields of Harmony, Orchestration or Form, among others? Weren’t his innovations new and experimental? Going back to languages, just as in the case of using the term ‘classical’ to refer to the Music written by Mozart and other composers of his time, so the use of the word ‘neue’ (new) for designating most of the Music belonging to the 20th and 21st centuries appears to have arisen among German writers (like Paul Bekker and others), in whose production we also find the adjectives ‘moderne’, ‘zeitgenössische’ (contemporary), ‘gegenwart’ (current), ‘avantgarde’ and ‘experimentelle’, a word associated with “the redefining of the boundaries of a given art form” (David Cope’s definition of ‘Experimentalism’) and often related to the exploration of the so called ‘extended techniques’ characteristic of the 1960s and 1970s that lead us back to your question: if the ‘avant-garde’ is defined as ‘an intelligentsia that develops new or experimental concepts especially in the arts’ (Merriam-Webster’s Dictionary), which period of Classical Music lacked it, then?

• What are your ambitions for the future?

I would like to be able to keep on composing and conducting, and live from this beautiful profession and way of life that Music is for me.

• What would you like to tell composers of contemporary music, or the music world in general?

I love to talk and share my thoughts with others; but in this case, rather than doing that, I think I should let my work speak for itself. Everyone is invited to hear!

• Thank you Juan Manuel!

More info www.juanmanuelabras.com
Interview Heerlen - Buenos Aires by Frans Waltmans

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(Cantabile. Revista de Música Clásica. Año 9, N° 37, Argentina - March / April 2007)
Dos compositores argentinos en París

En el marco del IV Foro Internacional de Compositores organizado por el Ensamble Aleph, se ofrecieron en París The Song of Anna O., de Juan Manuel Abras (foto) y Límites II, de Eduardo Moguillansky. Las obras se interpretaron en el Teatro Dunois para "permitir al público parisiense acceder a la más exigente creación musical joven de la actualidad", expresó la entidad organizadora. Abras y Moguillansky fueron convocados para participar de este Foro junto con nueve compositores de diferentes países, tras lo cual se los invitó a una residencia de creación en el Centro Europeo para las Artes Hellerau de Dresde (Alemania), donde presenciaron ensayos de sus obras, brindaron entrevistas y conferencias, e hicieron que el público alemán conozca su música (fuente: Mundoclasico.com).

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 26 January 2007)
Los argentinos Abras y Moguillansky estrenan en París
Redacción, Madrid

Los jóvenes compositores argentinos Juan Manuel Abras y Eduardo Moguillansky fueron recientemente invitados a París por el Ensemble Aleph para asistir al estreno francés de sus obras 'The Song of Anna O.' y 'Límites II', respectivamente. Los conciertos se realizaron dentro del marco del 4º Foro Internacional de Jóvenes Compositores y tuvieron lugar en el Teatro Dunois de la capital francesa con el objeto de “permitir al público parisino acceder a la más exigente creación musical joven de la actualidad”, según expresó la agrupación de cámara gala en un comunicado de prensa.

Entre el público que asistió a los eventos se encontraban distintas personalidades del ambiente musical europeo, entre ellas Henk Heuvelmans (Director de la Fundación Gaudeamus de Ámsterdam), François Paris (Director del Centro Nacional de Creación Musical de Niza), Nelly Le Grevellec (Directora del Théâtre Dunois de París), Marianne Lyon y Katherine Vayne (autoridades del Centro de Documentación de la Música Contemporánea de París) y el musicólogo Makis Solomos.

Fundado hace casi 25 años, el Ensemble Aleph es reconocido hoy en día como una de las más importantes estructuras europeas de creación, reflexión y difusión del Arte Contemporáneo. En contacto directo con la música más reciente y abocado a las expresiones interdisciplinarias (particularmente al teatro musical y a la relación Música-Danza), la agrupación nunca ha dejado de buscar confrontaciones entre estéticas diferentes y concepciones artísticas diversas.
El Foro Internacional de Jóvenes Compositores organizado por el Ensemble Aleph (parte del Programa Cultura 2000 de la Unión Europea) tiene por objeto permitir a los jóvenes compositores de todo el mundo encontrarse para debatir sus estéticas y situaciones en tanto creadores, hacer circular sus obras entre los países de la Unión Europea y ligar la joven generación internacional de creadores musicales a la de los compositores ya reconocidos, sirviendo de referencia dentro de su campo y estableciendo un panorama actual de la creación musical de Europa.

Sólo 11 compositores de todo el mundo, entre ellos Abras y Moguillansky, fueron seleccionados por el Ensemble Aleph para formar parte del 4º Foro Internacional de Jóvenes Compositores (a la convocatoria para integrarlo se presentaron más de un centenar de artistas), tras lo cual fueron invitados a una residencia de creación en el Centro Europeo para las Artes Hellerau de Dresden (Alemania), asistieron a los ensayos de sus obras, brindaron conferencias, fueron entrevistados y presentaron al público alemán sus composiciones.

Las actividades del Foro fueron recogidas en el libro Carnet de bord, elaborado por Makis Solomos y Katherine Vayne, que incluye textos musicológicos sobre los once jóvenes compositores y un CD con las obras de éstos grabado en París por el Ensemble Aleph. Dichas composiciones fueron (y serán aún durante 2007) interpretadas en algunos de los más importantes festivales internacionales de Música Contemporánea como Gaudeamus Music Week de Ámsterdam (Holanda), MANCA de Niza (Francia), Aspekte Salzburg (Austria), Time of Music de Vitasaari (Finlandia), así como en las ciudades francesas de París (Teatro Dunois) y Carcassone (Festival Printemps des poètes).

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Concertclassic.com, France - 25 November 2006
Florilège contemporain

La musique d’aujourd’hui a le vent en poupe ! Grandes institutions ou structures beaucoup plus modestes s’attachent à lui faire place. Quelques exemples puisés dans l’actualité des jours prochains.

Comme le souligne Jacques Doucelin dans sa chronique, la musique contemporaine témoigne d’une belle santé : le public ose la découverte et partant les organisateurs n’hésitent pas à multiplier les propositions. Il est d’ailleurs significatif de noter que la série Jeune Public de la Cité de la Musique débute (le 25 novembre) non pas par une grande symphonie du répertoire ou un Pierre et le Loup, mais avec City Life de Steve Reich interprété par l’Ensemble Intercontemporain (photo) et Jonathan Nott…

Le week-end des 24-26 novembre permettra par ailleurs de retrouver l’Ensemble Aleph au Théâtre Dunois pour son désormais traditionnel Forum International des Jeunes Compositeurs. Les auditeurs du Festival Manca de Nice ont eu il y a peu la primeur de la sélection de jeunes compositeurs venus des horizons les plus divers que l’Ensemble Aleph invite à écouter et à rencontrer, de l’Argentin Juan Manuel Abras ou du Danois Casper Cordes au Français Yann Robin en passant par l’Espagnol Abel Paul ou l’Italien Filippo Perocco.

La péniche Opéra n’en est pas à sa première incursion dans le répertoire contemporain et ce sous un jour parfois savoureux comme ce fut le cas avec les irrésistibles Cantates de Bistrot de Vincent Bouchot. Détail révélateur d’une tendance générale favorable à la musique d’aujourd’hui, La péniche lance le 4 décembre une nouvelle série : « Les Lundi de la Contemporaine ». Ecouter la musique d’aujourd’hui mais aussi dialoguer avec ses auteurs ; tel est l’esprit des rendez-vous où le concert se poursuit (pour ceux qui le souhaitent) autour d’une table d’hôtes en compagnie du compositeur invité et de ses interprètes. C’est à Alexandre Lévy que revient d’inaugurer la série lors d’une soirée où l’on entendra ses deux cycles de mélodies sur des lettre de poilus pour voix, piano et électroacoustique. Les quelques extraits qui en ont été donnés dans le cadre de l’Académie Ravel de Saint-Jean-de-Luz en septembre ne peuvent qu’inciter à poursuivre la découverte !

Dans les régions, les orchestres symphoniques défendent eux aussi le répertoire contemporain. A Lyon par exemple, l’altiste Antoine Tamestit, l’Orchestre National et Jun Märkl interprètent, les 30 novembre et 2 décembre, Frauenleben de Betsy Jolas. Ce cycle de neuf lieder pour alto et orchestre s’insère entre Stravinski et Beethoven dans un programme qui sera repris le 6 décembre à Paris en ouverture du Domaine privé que la Cité de la Musique consacre à Betsy Jolas jusqu’au 10 décembre.

Depuis quelques années, le cinéma muet stimule l’imagination tant des improvisateurs que des compositeurs. Après le succès de son Concerto pour piano (créé par Alexandre Tharaud et l’EOP le 17 octobre dernier), Thierry Pécou s’apprête à faire entendre une nouvelle partition(les 8, 9 et 10 décembre). L’Auditorium du Louvre lui a en effet passé commande d’une musique pour le film de Robert J. Flaherty « Nanouk l’esquimau »(1922). Celui-ci offre de belles possibilités à un auteur dont l’imaginaire sonore doit beaucoup à l’étude des musiques traditionnelles d’Amérique ou d’Afrique. « La partition cherche à évoquer les sonorités si particulières d’un monde inouï… et inuit ! », affirme l’auteur. On attend avec impatience de la savourer, dans l’interprétation de l’Ensemble Zellig dirigé par le compositeur.

Alain Cochard

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(Revista Musical IMUS PUCV, Chile - November 2006)
Obra “Troll” de compositor PUCV Boris Alvarado, será estrenada en Varsovia, Polonia, en el XIII Międzynarodowy Festival Laboratorium Muzyki Współczesnej

Todos los años en esta fecha se realiza el más importante Festival actual de música contemporánea junto con el “Otoño de Varsovia”, en Polonia.

El Laboratorio de Música Contemporánea en su XIII edición contempla la participación de agrupaciones y compositores de diversas partes del mundo, congregando la atención de la actividad cultural polaca.

En esta versión han sido invitados los compositores Jonathan Dove (G.Bretaña), Toivo Tulev (Estonia), Sukhi Kang y Jaejoon Ryu (Korea), Tetsuya Omura (Japón), Ghenadie Ciobanu (Moldavia), Adrian Mociulschi (Rumania), Juan Manuel Abras (Argentina), Thomas Müller (Alemania) y Ada Gentile (Italia), entre otros.

Del mismo modo una importante presencia de agrupaciones musicales especializadas en la interpretación de música contemporánea estará presentes en esta nueva edición del Laboratorio como el Ensamble Interactivo de Japón dirigido por Masahiro UENO.

En este marco de actividades comprendidas entre fines de noviembre y principios de diciembre en diversas salas de conciertos y lugares de interés patrimonial como el Castillo de Varsovia, se llevan a cabo cada uno de los conciertos como también los paneles de discusión académica e intercambio de opiniones.

“Troll” (2005) de Boris Alvarado, fue seleccionada en el año pasado para ser estrenada en este certamen 2006, y es una de las obras que el compositor de nuestra Universidad ha estrenado este año junto a otras, en diversos escenarios nacionales e internacionales como es el caso de “Sámara” 5 häiku para voz y piano sobre textos del R.P. Joaquín Alliende Luco, “Samarriando” 9 provocaciones al vuelo para piano, “Vilanova” para violín, doble cuarteto y orquesta de cuerdas, “Köriannas” para coro femenino a capella, “Bhrauerianna” para timbales y orquesta, “Mate” para piano, “Warsowianna” para piano, “Feulá” para voz sola sobre un texto williche, “Lux Akainik” para 22 voces solistas, 4 flautas y 3 tam-tams y “Stella Splendens” para soprano y cuatro percusionistas.

La obra “Troll” fue preparada para su estrenos por los destacados músicos polacos Patrycja Piekutowska – violin, Tomasz Strahl –cello- y Emilian Madey – piano y será estrenada en la Sala de Conciertos del Palacio Ostrogski de Varsovia, Polonia.

Así mismo, esta y las obras mencionadas se sumarán a los estrenos de “Per” contrabajo sólo, en Enero 2007 durante el VII Festival de Música Contemporánea Chilena de la Universidad de Chile, siendo uno de los dos académicos PUCV, junto a Fernando Julio, que fueron seleccionados para este certamen.

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(Culture.pl, Poland - November 2006)
13. Laboratorium Muzyki Współczesnej
Warszawa, 30 listopada - 3 grudnia 2006

W dniach 30 listopada - 3 grudnia 2006 roku w Warszawie już po raz trzynasty odbędzie się festiwal LABORATORIUM MUZYKI WSPÓŁCZESNEJ organizowany przez Stowarzyszenie "Laboratorium Muzyki Współczesnej" przy współpracy Mazowieckiego Centrum Kultury i Sztuki i Akademii Muzycznej im. Fryderyka Chopina. Jego dyrektorem artystycznym jest Marian Borkowski.

Obok koncertów festiwalowych, 2 grudnia odbędzie się także debata poświęcona tematowi "Nowa muzyka - w stronę antropologii sztuki".

Gośćmi tegorocznej edycji LABORATORIUM będą m.in.: Jonathan Dove (Wielka Brytania), Toivo Tulev (Estonia), Sukhi Kang (Korea Południowa), Jaejoon Ryu (Korea Południowa), Tetsuya Omura (Japonia), Ghenadie Ciobanu (Mołdawia), Adrian Mociulschi (Rumunia), Juan Manuel Abras (Argentyna), Thomas Müller (Niemcy) i Ada Gentile (Włochy), a także polscy artyści i muzykolodzy: Marcin Wierzbicki, Zbigniew Bargielski, Bronisław Kazimierz Przybylski, Andrzej i Magdalena Dziadek, Ryszard Osada, Sławomir Zamuszko i Artur Cieślak.

Szczegółowy program dostępny jest na stronie: http://www.polmic.pl/wydarzeniaopis.php?lang=pl&id=1911&rok=2006&mc=11.

Źródło: http://www.polmic.pl/

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 23 October 2006)
Estrenos argentinos en Holanda
Redacción, Buenos Aires

En la reciente edición del festival de Música Clásica Contemporánea Gaudeamus Music Week de Ámsterdam pudieron escucharse los estrenos de las obras 'The Song of Anna O.', de Juan Manuel Abras; 'Límites II', de Eduardo Moguillansky; y 'Res Extensa', de Gabriel Paiuk, todos ellos compositores argentinos.

Las obras de Abras y Moguillansky participaron en el festival luego de haber sido elegidas para formar parte del cuarto Foro Internacional de Jóvenes Compositores organizado por el Ensemble Aleph (Francia) en el Centro Europeo para las Artes Hellerau de Dresden (Alemania), donde los dos artistas argentinos se desempeñaron como compositores en residencia.

La composición de Gabriel Paiuk (una instalación con música electroacústica) participó en el festival europeo tras haber sido seleccionada para competir por el Premio Gaudeamus, al cual se hizo acreedor el compositor argentino, junto con su colega griego Lefteris Papadimitriou.

El Centro de Música Contemporánea Gaudeamus fue fundado en 1945 y es famoso por promover y organizar actividades musicales tanto en Holanda como en el resto del mundo. Su centro de documentación (que incluye una biblioteca y una fonoteca), sus publicaciones, premios y festivales se han convertido en algunos de los más emblemáticos símbolos de la joven Música Contemporánea internacional.

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(La Provincia Cosentina, Anno 8, Nº 255, Italy - 16 September 2006)
L’artista argentino, accompagnato dal giornalista Guaglianone, ha visitato i luoghi dove vissero i nonni
Viaggio verso le origini per Juan M. Abras

CETRARO

Juan Manuel Abras, è il nome di un direttore d'orchestra e compositore emergente, tra i più conosciuti al mondo, di lui "La Nacion ha scritto: Juan Manuel Abras costituisce una ferma promessa della musica argentina all'estero". Di lui ha parlato anche El Clarin, ed è opinione comune che sia uno "tra i più giovani e grandi artisti del momento". Il compositore si trova oggi in Italia, per riscoprire le sue origini. Proprio per questo è giunto a Cetraro. Suo nonno, Ercole Buglione classe 1893, risiedeva nella "Porta di mare", lì, in un centro storico che ha gelosamente preservato strutture e ricordi di un passato non del tutto lontano, Abras è tornato ed ha ritrovato la casa dove proprio suo nonno è vissuto prima di emigrare in Argentina. In Italia è giunto con sua madre, e noi lo abbiamo conosciuto grazie all'intervento del giornalista Pasquale Guaglianone, che attualmente risiede in Argentina, terra che grazie anche al suo contributo sta riallacciando forti legami e ristabilendo contatti tra una grossa fetta di argentini di origini italiane e la loro terra natia. Juan Manuel Abras è nato in Svezia, figlio di un diplomatico argentino ha studiato musica in Europa e nella stessa Argentina, terra della quale la sua opera è impregnata, forti vibrazioni e sentite arie popolari caratterizzano le sue composizioni che tendono a preservare e a diffondere il patrimonio musicale argentino, a tal proposito ha detto: "Il linguaggio di un compositore non deve essere fine a se stesso, deve essere invece un attrezzo, uno strumento per trasmettere un contenuto musicale". Espressione di un'Argentina che ha apprezzato da subito il suo talento, uno dei suoi prossimi obiettivi è quello di esibirsi a Cetraro, un obiettivo che onora la cittadina tirrenica, che nella musica, ha investito molto. In occasione di un breve incontro abbiamo chiesto ad Abras come ha vissuto questo viaggio verso le sue origini, e lui ha garbatamente risposto: "Molto emozionante, per me poter vedere i luoghi dove mio nonno cominciò a muovere i primi passi, osservare con i miei occhi, posti che hanno occupato per diverso tempo la mia fantasia, raccontati da mia madre e mio padre. Per il momento mi recherò in Polonia, dove vivrò per un anno per alcuni studi di perfezionamento. Il mio sogno è comunque quello di ristabilire con Cetraro un forte legame, magari grazie al mio lavoro si potrebbe pensare di dirigere un'orchestra o di partecipare ad un evento musicale della città".

Francesca Ferro

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Carnet de BORD. The LOGBOOK. 4e Forum International des Jeunes Compositeurs / 4th International Forum for Young Composers. Ensemble Aleph" (pp. 16-27). Paris. Coedition Centre de documentation de la musique contemporaine (Cdmc)-Ensemble Aleph, France - September 2006 [Interview by Makis Solomos]
The union of opposites
Interview with Juan Manuel Abras

> As your father was a diplomat you have lived in several countries. Do you regard yourself as a young international composer or at least European?

> > Yes! My great parents were Europeans, and I am Argentinian; but Argentina is a mix of European cultures, so the link with Europe is natural. It is, however, true that I am a special case, since I have travelled a lot. I was born in Stockholm, and then we settled in Geneva and after that in Madrid; when I was nine or ten we went back to Argentina; a few years later, we left for Venice, then for Bilbao; we again returned to Argentina, and my father died; we subsequently settled in Vienna; two years ago we went back again to Argentina; for the present I shall be going to Poland to study with Penderecki... So I am something of a ‘citizen of the world’.

> What is the situation for contemporary music in Argentina? In this forum two composers out of eleven are Argentinian, yourself and Eduardo Moguillansky. Several Argentinian composers live in Europe. Yet we know so little about the musical situation in the country itself.

> > There has been a sort of generational hole for composers after the generation of Ginastera. What is more, there have been many socioeconomic problems. Because the peso was devalued as a result of the recent economic crisis, it has become very difficult to import scores and discs. In the 1990s the situation was much better economically speaking, and contemporary music was in better shape. Today, it is hard to keep in touch with the international evolution of music in Europe and the United States. Of course we do have musicians who play contemporary music, we have concerts, festivals, etc. but there are not enough. I should nonetheless mention ensembles like the Grupo Encuentros conducted by Alicia Terzián, who is also a composer - she was a pupil of Ginastera - and who organises each year the Festival Internacional Encuentros which is entirely given over to contemporary music. Several other events are held, but most of the musicians and the ensembles are not sufficiently trained in playing, for example, microtonal music, spectral music, etc. I don’t say that nothing like this exists; it’s simply that it hasn’t been sufficiently known. We do also have a few publishing houses, such as Ricordi Sudamericana, but the proportion of new scores published is very low. It’s the same for record companies. However, despite the crisis, Argentina gave birth to artists like Carlos Kleiber, Maurizio Kagel, Daniel Barenboim, Marta Argerich ...

> The piece you composed for the Ensemble Aleph is entitled The Song of Anna O. It follows an argument that is worth developing. Could you set it out?

> > I’ll give it a try! The argument is based on the case of Anna O., a patient of Dr. Josef Breuer (1842-1925), who developed the first psychoanalytical studies. He wrote a book in collaboration with Freud, Studies on hysteria, published in 1895, which constitutes one of the first academic textbook in psychopathology. This book devotes a chapter to the case of Anna O., whose real name was Bertha Pappenheim. I used passages from this chapter in my piece. The main idea is to portray in music the duality that was characteristic of Anna O.’s state of mind. In order to do this, I used two very different rhythmic and melodic elements. The piece is thus dominated by the idea of opposition, of the play of opposites. The marimba and the piano play in an obsessive, mechanical manner (systematic quaver rhythms, in continual chromatic rises or descents). They comprise the first element of the duality. The other element, given to the violin and the clarinet, consists of lyrical lines, with lots of vibrato, so it’s an expressive element. It is completed by the principal line, that continually moves from the voice to the trumpet. When the soprano is not singing, she improvises vocal effects: laughter, whispering, etc. Conversely, when the trumpet player is not playing the melodic fine, he is improvising on the didgeridoo or on the ‘train whistle’: the latter is mentioned in the book.

> ... Is it known if it was a real train whistle’?

> > ... The book says: "The whistle of the train that was bringing the doctor whom she expected broke the spell". As for the didgeridoo, I read some recent Australian academic studies that mentioned it for its role in trance processes. In fact some Western musicians claim to enter into a trance when they play it. So I associated with Anna O.’s trance, as she suffered from hallucinations. The music forms a continuous whole, without silences, a continuum, so as to represent Anna O.’s mental state during these sessions. In addition to the two main elements there are a few others, for example the staccato notes on the clarinet, that correspond to the cello part, making a kind of Klangfarbenmelodie (it alternates pizzicati, espressivo and martelé passages, etc.). All these elements become intertwined to create a totality that is Anna O.’s state of mind.

> The violinist also speaks words, mostly in German "Kräftigen Intellekt". "Sexuelles Element erstaunlich unentwickelt!"... Is it that the soprano plays the role of Anna O. and the violinist that of Josef Breuer?

> > Yes, there is an ongoing dialogue throughout the piece between Anna O. and Dr. Breuer.

> Is it really a dialogue? It seems more like two superimposed monologues.

> > It’s true that Anna O. is incoherent whereas Breuer is observing her and trying to find a diagnosis. From time to time, he addresses her directly, in English: "Na, how are you, Miss Bertha?", so as to get a reaction.

> The harmony of the piece makes me think somewhat of the music of Schönberg’s atonal period. Did you deliberately try to simulate the Vienna of the time when
psychoanalysis was emerging?

> > Yes! And there is also some Sprechgesang in the piece...

> ... and perhaps the mechanical elements on the marimba and piano refer to certain passages in Pierrot Lunaire...

> > Yes. I think that Adorno suggested that Anna O.’s case was also a source of inspiration for Schönberg’s Erwartung.

> So the piece as a whole appears as one big block, without any evolution, so as to represent Anna O.’s condition. Only the first five bars and the last are different. The piece might have lasted one hour, couldn’t it?

> > Yes, within this continuum there are no breaks. But I limited myself to four minutes, because if the duration was greater even I would get bored. I wanted a short, highly intense continuum. Now, how could one enter this state and get out of it? For the ending, and besides the train whistle episode, I thought of sessions of hypnotism in which the hypnotist clicks his fingers to wake the patient up, hence the very last bar consists of a homorhythmic quaver in all the instruments played as fast as possible, the tam-tam using a hard stick. As for the start, I set up a Viennese-type acceleration...

> ... which also evokes Farben, the famous third piece in Schönberg’s op. 16...

> > Yes. And with a general crescendo: the session begins!

> In listening to some other compositions of yours, I noted that you have varied interests. For example, with regard to what are often called ‘extra-musical’ references -and which, for me, are just as much musical as those that are strictly musical, there are, apart from the psychoanalysis we have just spoken about, references to literature, religion, archaeology, etc. How do you explain this variety of inspiration?

> > Everything I love I transpose into music!

> Would you be more precise about the reference in De Coelesti Hierarchia (2002, for chorus, instrumental ensemble and electronics)?

> > During Stockhausen’s classes, I had the desire to write for chorus. I then thought of an engraving of Gustave Doré, The Celestial Rose, which is based en Dante’s Divine Comedy. I also used ancient texts by Dionysius the Areopagite dealing with angelology- not new age angelology, the authentic one, following a theological approach. I wanted to transpose all that into music. So the piece deals with celestial hierarchy, the different types of angel: cherubim, seraphim, the archangels, etc. I set up three circles to create, for example, hierarchies of pitch and of interval to transpose the celestial hierarchy.

> In Sueño y chacarera (2001, for flute and clarinet), you were inspired by the ‘national’ Argentinian writer José Hernández (1834-1886).

> > I based myself un his book Martín Fierro, an Argentinian classic, so as to have the possibility of introducing elements of folklore. Hernández relates the story of a typical gaucho. There’s a duality here too -I like the metaphysical subject of the union of opposites! The main protagonist of the book, Martín Fierro, meets a character known as el Viejo Vizcacha (Old Vizcacha, from the name of the South American rodent), who dies. Martín Fierro then sees in a dream the body of the dead man. The piece follows more or leas an ABA form. Part A uses the rhythm characteristic of the chacarera, a traditional dance. Part B is uniformly gentle, so as to portray the dreamer’s sleep. It integrates a kind of slow breathing, notated ‘respirato’, a term I have frequently used in my pieces, perhaps from my interest in biology, and which can be realised by the winds (breathing), the bandonion (playing with the valves) or the violin (Penderecki uses it in his quartets, as does Lachenmann).

> Variety is also found in your musical language. Some of your pieces are almost tonal, others clearly atonal; in your string quartet from 2004, Dialogos between Moses, Demosthenes, Virgil and Turing (another very obvious ‘extra-musical reference), the language is ‘bruitiste’; your quintet For bandonion and string quartet Σεδεκτε (Sedekte) - Quinteto dodecatánguico (2002) might make one think of Piazzolla, etc. Do you enjoy this constant changing of style or is there in fact a unity, by nature inaudible, which is realised each time through the different styles?

> > I like to change. Of course, it’s also a matter of evolution: I have had different periods. But I really like change; for example, tomorrow, I could write a neo-serial
piece and, a few months later, a neo-tonal work. The question of evolution is therefore less important than that of taste. The style is in fact linked each time to the inner vision I have of the piece to be written. By ‘inner vision’, I don’t mean something mystical, but simply the ideas you have before you start to compose. When I choose to transpose an idea into music, the process is always associated with the musical aesthetic I am going to develop.

> And what about unity, with respect to both references and musical language?

> > I always try to remain myself. But I am not bothered about unity, I don’t chase after it. I hope it exists and that it will be discovered in same aspects that are not strictly linked to style. I have composer friends who say they don’t care what their piece will sound like, they care more for the structure. You also find the opposite attitude, when technique is disregarded, and the only thing that counts is the feeling that emanates from a work. For myself, there must exist a balance between these two aspects. The most important thing is that the piece corresponds to my own way of listening, that it satisfies my expectations. So I look for a balance between the objective, technical aspects on the one hand and, on the other, the way it sounds. When I compose, I am always trying to hear what I’m writing and follow the path that listeners will take. As for unity, it can perhaps be found in the fact that all my compositions are centred on the musical discourse: a piece must be fluid within time, it must be coherent, the musical events must be linked to each other.

> So the unity is not in the harmony, in the material that is used, etc., but in the discourse?

> > Yes.

> Perhaps you also believe in the existence of a deeper unity, beyond the appearance that the style represents, a unity that would by nature be inner?

> > Yes, unity is a matter of innerness; it lies en an ontological level. It is an unquestionably Platonic approach: there is a pre-existent reality that is constantly being recreated by each particular piece. Music can transport us towards this relationship with the absolute, which would be God or a metaphysical reality.

> What astonished me in The Song of Anna O. is that you place the doctor and his patient on the same level, as though for you, reality itself was just delirium.

> > As I was saying, I seek a balance. I like alchemy a lot. The great composers of music history are those who have reached a balance between the technical and
emotional aspects. When you find the union of opposites, you perhaps accomplish this metaphysical experience, which evokes the alchemical figure of the androgynous. This union gives rise in me to a special feeling.

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(mehrLicht, Germany - 25 July 2006)
Monströs, aber unverkrampft
Ensemble Aleph im Konzert des 4. Internationalen Forums für Junge Komponisten

Nach Deutschland hat das renommierte französische "Ensemble Aleph" sein 4. Internationales Forum für junge Komponisten verlegt, in Hellerau erarbeiten seit einer Woche insgesamt elf Komponisten ihre Werke mit den Musikern. Als Prolog für die Eröffnung des Festspielhauses sollte man dieses Forum nicht bewerten, dafür war die Resonanz leider viel zu gering, das erste von zwei Konzerten zog gerade einmal ein Häuflein Interessierter in das Kulturrathaus. So war es eher ein sommerliches Intermezzo zeitgenössischer Musik, die in Hellerau wieder im Herbst ihren großen Auftritt haben wird. Doch das Forum versteht sich vorrangig auch als Workshop, es ist die erste Begegnung zwischen Komponisten und Interpreten und dieser Arbeitsphase schließen sich in den kommenden Monaten Konzerte in ganz Europa und eine CD-/Buchproduktion an, denn das Komponistenforum versteht sich auch als Sprungbrett für junge Schreibtalente. Zu überdenken ist die monströse Konzeption des 155minütigen Konzertes.
Offenbar um sich zunächst selbst als Ensemble vorzustellen, spielten die französischen Musiker im ersten Teil Kompositionen von Igor Stravinsky, John Cage,

Age Hirv und Jean-Pierre Drouet. Wenn dies wie im Fall von Stravinskys "Suite Italienne" auch interpretatorisch nicht ausreichend ist, fragt man nach dem Sinn solcher Zugaben. Die rhythmische Leichtigkeit fehlte hier ebenso wie ein exaktes Zusammenspiel (5. Satz). Die Pianistin Sylvie Drouin beeindruckte dann mit den "Sonatas and Interludes" von Cage, die Ensemblewerke von Drouet und Hirv gaben schon einmal die Visitenkarte eines munter und unverkrampft aufspielenden Ensembles ab. Im zweiten Teil stellten sich dann sechs Komponisten des Forums vor, die Zeitdauer der Werke war in der Ausschreibung auf sieben Minuten Spieldauer begrenzt, was eine besondere Herausforderung darstellt, denn manch einer generiert in einer solchen Zeitspanne gerade einmal sein Material, während andere die kurze Zeit mit überschäumender Dichte füllen. Beide Extreme waren zu hören, auf der einen Seite die mikroskopischen "Descriptions d'un Espace" des Schweizers André Meier, auf der anderen Seite ein in konsequenter Lautheit durchgehaltener "Song of Anna O." des Argentiniers Juan Manuel Abras. Dazwischen gab es reichlich zu entdecken, alle Komponisten boten interessante Ideen an, eine Bewertung fällt aufgrund der Kürze der Werke schwierig aus: farbig und spannungsvoll gab sich Alexandre Lunsquis "Mutuus", Yann Robins "Phigures II" wirken noch etwas unkontrolliert-impulsiv, wiederum kontrastiert von der Dresdner Komponistin Karoline Schulz, die eine sensible Klangwelt für ihren vertonten Text fand. Das Zirkusstück des Dänen Casper Cordes fiel ein wenig aus dem Rahmen, war aber in seiner plastischen Gestik erfrischend.

Hochachtung vor dem "Ensemble Aleph", das sich allen Werken mit großer Selbstverständlichkeit widmete und auch um halb elf noch nicht müde war, seinem Cellisten ein Geburtstagsständchen der zeitgenössischen Art zu widmen.
Zweites Konzert des "Internationalen Forums für Junge Komponisten": 30. Juli, 20 Uhr,
Kulturrathaus

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(La Nación, Argentina - 02 July 2006 )
Polonia
Estreno de una obra de Abras

El compositor y director argentino Juan Manuel Abras realizó recientemente en Polonia el estreno de su obra "Muchos rostros, una madre", obra encargada por la Fundación Argentina en Polonia, que preside el doctor Ricardo Fernández Núñez y fue compuesta para la ceremonia de inauguración del muro perimetral de la Iglesia de la Presentación del Señor de Ursynów, ornamentado con imágenes de advocaciones de la Virgen María en el mundo. El estreno estuvo a cargo de los solistas Barbara Wnuk, Bozenna Jurkiewicz, Piotr Szmyt y Ryszard Morka (de la Opera Nacional de Varsovia), el Coro Cantate Domino y la Orquesta de Cámara de Natolin, dirigidos por Adriana Róza Szmyt.

En ese mismo templo, donada por la mencionada fundación, se inauguró en 2000 la Capilla de la Virgen de Luján, coronada por los escudos de todas las provincias argentinas. La capilla, la plegaria de bienvenida al peregrino, y la Iglesia de Ursynów y el muro que la rodea, han sido donaciones de Fernández Núñez, como homenaje al pueblo polaco. La ceremonia se realizó durante la celebración eucarística oficiada por el cardenal primado de Polonia y arzobispo de Varsovia, monseñor Jósef Glemp, y contó con la presencia de autoridades eclesiásticas, el presidente de la Fundación, representantes diplomáticos, autoridades de la ciudad y más de 3000 feligreses.

La obra de Juan Manuel Abras incorpora las palabras que el papa Juan Pablo II elevó a la Virgen de Luján, en ocasión de su visita a la Argentina. El joven compositor cursará estudios de posgrado con el célebre compositor polaco Krzysztof Penderecki, becado por el Fondo de las Artes de la Argentina, la Fundación Argentina en Polonia y otras fundaciones europeas. Integrará también, como compositor en residencia, el IV Foro Internacional de Jóvenes Compositores 2006, que se realizará en Dresden (Alemania), dentro del Programa "Cultura 2000" de la Unión Europea.

 

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(Gaudeamus Information, The Netherlands - July / December 2006)
Ensemble Aleph
4th International Forum For Young Composers

Ensemble Aleph is proud to present the results of the 4th International Forum For Young Composers.
Composers and pieces selected:

Juan Manuel Abras (Argentina), “The song of Anna O.”; Casper Cordes (Denmark), “Retten til at begaeres”; Alexandre Lunsqui (Brazil), “Mutuus”; Andre Meier (Switzerland), “Descriptions d'un espace”; Eduardo Moguillansky (Argentina), “Limites II”; Vassos Nicolaou (Cyprus), “Reflexions 2” Production CIRM, centre national de création musicale (Nice), assistant musical: Nicolas Déflache; Abel Paúl (Spain), “Unfinished”; Filippo Perocco (Italy), “Con furore”; Yann Robin (France), “Phigures II”; Karoline Schulz (Germany), “Monolog an der Oberflache der Haut bevor es sie erreicht”; Jasna Velickovic (The Netherlands), “Sleeping beauty”.

These eleven composers will be the guests of a residency from July, 17th to July, 31st, 2006 at the European Centre for the Arts "KunstForum Hellerau" in Dresden (Germany) for music sessions with the Ensemble Aleph. This summer session will include two preview concerts, on July, 23rd and July, 30th at the Kulturrathaus, Königstrasse 15, Dresden.

The 11 musical works will be performed:
5&6/9 - 10.00 pm & 12.30 in the Muziekgebouw Aan't IJ during the "Gaudeamus Music Week" in Amsterdam (The Netherlands)
14/11 - Espace Magnan in Nice (France) during the festival "Manca"
24&25/11 - after another rehearsal session at the Theatre Dunois in Paris, France (in the presence of the 11 composers)
February, 2007, in Salzburg (Austria) during the festival "Aspekte"
March, 2007, in Carcassonne (France) during the "Printemps des poetes"
July, 2007 in Viitasaari (Finland) during the festival "Time of Music"

info: Hélène Jarry, 121, avenue La Bruyère, F-94400 Vitry sur Seine, tel: +33-3-85489441, ensemble.aleph@wanadoo.fr, ensemble.aleph.free.fr

 

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(Cantabile. Revista de Música Clásica. Año 8, N° 34, Argentina - July / August 2006)
Compositor argentino en Polonia y en Alemania

El pasado 7 de mayo se estrenó en Varsovia la obra Muchos rostros, una Madre, del joven compositor y director argentino Juan Manuel Abras. La composición, comisionada por la Fundación Argentina en Polonia, fue escrita para la ceremonia de inauguración del muro perimetral de la Iglesia de la Presentación del Señor de Ursynów, ornamentado con imágenes de treinta advocaciones de la Virgen María en el mundo, evento al que asistieron más de tres mil personas. La obra contó con la participación de solistas, el Coro Cantate Domino y la Orquesta de Cámara de Natolin, dirigidos por Adrianna Róza Szmyt.

También destacamos que Abras cursará en breve estudios de postgrado con el célebre compositor polaco Krzysztof Penderecki, gracias al, apoyo del Fondo Nacional de las Artes, la Fundación Argentina en Polonia y otras fundaciones europeas. Abras integrará también, como compositor en residencia, el 4° Foro Internacional de Jóvenes Compositores 2006 que tendrá lugar en Dresden (Alemania), dentro del Programa "Cultura 2000" de la Unión Europea.

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(Páginas Musicales. Nº 46, Argentina - July / August 2006)
Gisela García Gleria y Juan Manuel Abras: La Composición

La mirada de los jóvenes suele resultar tan atractiva como la de los mayores. La diferencia generacional hace que ambos mensajes nos enriquezcan, de allí la importancia de escuchar siempre a todos.
Los compositores jóvenes tienen mucho para decirnos. Hemos elegido a dos de ellos para compartir con ustedes qué piensan y sienten sobre su actividad como compositores. Los dos han estrenado sus obras en nuestro país y en el exterior.

Gisela García Gleria nació en 1971. Estudió en el Conservatorio Nacional de Música “Carlos López Buchardo”, y luego en el Conservatorio Superior de Música “Manuel de Falla”. También estudió en España. Integra varias sociedades de compositores, entre ellas el “Foro Argentino de Compositoras”. Participó en la creación y organización del ciclo “Conciertos del Caracol”, dedicado a la difusión de las obras de estudiantes y egresados del Conservatorio “Manuel de Falla”.

Juan Manuel Abras nació en 1975. Estudió en los mismos conservatorios que Gisela y en conservatorios de España e Italia. Es, además, director de orquesta, y se ha perfeccionado en Austria. Actualmente cursa estudios de Postgrado en Composición con Krzysztof Penderecki. Es editor y arreglador para diferentes instituciones y editoriales musicales. También formó parte del ciclo de “Conciertos del Caracol”, y es miembro de dos sociedades de compositores argentinos. Ha recibido premios en la Argentina y Austria.

La entrevista fue muy grata y esperamos poder reproducir en su publicación algo del mucho entusiasmo que pusieron al contestar las preguntas.

• ¿Por qué componen?

Juan Manuel: Desde que empecé a estudiar música sabía que no quería ser concertista de piano, sino director de orquesta y compositor. La decisión tiene que ver con la necesidad de expresar mis vivencias personales. Y me formé para hacerlo de la mejor manera posible.

La composición da más libertades que la interpretación. Al componer puedo fijar yo las reglas, puedo crear mi pequeño mundo, que sé que compartiré. Siempre tengo presente al público que la escuchará.

Gisela: Yo tampoco quería ser intérprete, y también siento esa necesidad de expresión de la que habló Juan Manuel.

• ¿Qué cambios sienten que hubo en sus obras desde que comenzaron a componer?
Gisela: Mis primeras obras estaban muy ligadas a lo tonal, eran obras para piano y para conjuntos reducidos. Luego investigué más sobre distintas estéticas, me animé a probarlas, y de a poco fui transformando mi lenguaje. Eso no quiere decir que haya abandonado lo tonal.

Sí mantengo la utilización de un tema musical, que no necesariamente significa una extensa melodía.

Creo que he andado por el camino lógico. Uno comienza con lo que trae consigo, y luego busca su propio estilo. Aún lo sigo buscando.

Juan Manuel: Yo empecé de la misma manera. Me parece que es lo normal, se comienza imitando lo que tenemos alrededor. Las influencias existen, están en todo lo que escuchamos: los conciertos, los discos, los videos, también en nuestros colegas; todo eso se va convirtiendo en nuestra referencia.

Al principio creía que había una gran contraposición entre música contemporánea y no contemporánea. Ahora me doy cuenta que tal contraposición no existe. Hay elementos en ambas músicas que van más allá de lo tonal y lo atonal. Ahora estoy intentando trabajar sobre esos elementos musicales que permanecen, sin importar el lenguaje de la obra, y trato de utilizarlos en mis composiciones cualquiera sea su estética.

• ¿Al querer componer una obra tienen en cuenta su posibilidad de estreno?

Gisela: Para ser realistas, si la obra no es fruto de un encargo y uno quiere que se ejecute, debe ser para un grupo de cámara. Pero a mí eso no me detiene. He compuesto una Sinfonía en tres movimientos, también una Leyenda sinfónica, basada en una leyenda de Gustavo Adolfo Bécquer, y tengo pensado escribir otras obras sinfónicas.
Juan Manuel: Es cierto que las posibilidades de estreno de una obra sinfónica de un compositor joven son pocas, pero creo que debemos evaluar si componerla es importante para nosotros desde lo emocional.

Por supuesto, deseamos que la situación cambie, y con esto no decimos que deba estrenarse cualquier obra de cualquier compositor joven; pero sí, que tendrían que considerarse a ciertos representantes de la nueva generación de compositores que demuestran en su curriculum que están obteniendo logros, pequeños o grandes.
Además, considero que es necesario, como profesional, componer obras sinfónicas. Uno tiene que poder hacerlo aunque creamos que no se estrenarán; hay que escribirlas como ejercicio.

• ¿Cómo logran que se toque o grabe una obra?

Gisela: Yo tengo grabado un tango en un disco que está a la venta. Es un CD interpretado por la pianista Estela Telerman, una gran luchadora. Ella me pidió una obra, porque estaba reuniendo tangos de compositores académicos argentinos de todas las épocas, y le di uno que ya tenía compuesto.

En cuanto a las interpretaciones, la mayoría de mis obras se tocaron en conciertos que organizábamos los mismos compositores. Nosotros buscábamos a los intérpretes, les pagábamos, y las tocaban. Pero también me ocurrió de presentarle una obra a un intérprete, que después la tocó gratis porque le gustó.

Juan Manuel: Eso es lo bueno de integrar las Asociaciones de compositores. Ellas impulsan la difusión de las obras de sus miembros.

También existe la posibilidad que la obra sea producto de un encargo, entonces la interpretación está asegurada; pero es raro que se le haga un encargo a un compositor joven.

Pero igualmente debemos tener en cuenta que para un compositor es importante la edición de sus partituras.

Lamentablemente, el concepto de edición cambió con el tiempo. Antes, las editoriales consideraban la publicación de una obra evaluándola sólo desde lo artístico, les interesaba que estuviera bien hecha. Ahora no, eso cayó en el olvido opacado por lo económico. A las editoriales sí les interesa que la obra sea sólida, pero sobre todo, que venda, aunque no sea acorde a sus gustos estéticos.

Las editoriales deben vender lo que editan. Y comienza un circuito: ellas tienen relación con las salas de conciertos, las salas con los festivales, los festivales con los intérpretes, y todos con las sociedades recaudadoras. No sólo en música, sino también en literatura, las primeras ediciones, generalmente, las paga el propio autor.

Y hay que reconocer que la música contemporánea, aunque tiene más aceptación que antes, aún sigue siendo escuchada por minorías.

• ¿Qué reciben de los compositores con mayor experiencia?

Gisela: En general, a todos los compositores nos pasa lo mismo.

Juan Manuel: En mi caso, no se dio con frecuencia ese contacto con compositores más experimentados, fuera de la relación docente-alumno, por supuesto. Hubiera sido importante recibir sus aportes, sus análisis de mis obras y las posteriores críticas constructivas. El comentario usual es después de un concierto, donde me dicen que les gustó mi obra y nada más.

No hay un encuentro entre los compositores para analizar la producción de cada uno, y así recibir una influencia útil que luego podamos volcar en las partituras. Eso podría ser muy enriquecedor.

• ¿Qué aprendieron en el exterior que no aprendieron en nuestro país? ¿Qué encontraron diferente?

Juan Manuel: El salir al mundo nos permite saber cómo estamos posicionados, aunque siempre lo más importante es cómo nos sentimos, más allá de lo que piensen los demás.

También nos brinda parámetros que aquí no tenemos: qué conciertos se hacen, qué obras se graban, se editan, etc.; además de conocer estéticas de vanguardia que aún no llegaron a la Argentina.

Cuando me fui a Austria a estudiar, alrededor del año 2000, una de las más completas bibliotecas de música de nuestro país tenía la partitura de una sola Sequenza de Luciano Berio; en Austria encontré todas. Aquí no tenían la partitura del Concierto para violonchelo de György Ligeti, y allá era un clásico que estaba en las bibliotecas desde 1961.
Quizá en el país había personas que tenían esas partituras, pero no estaban disponibles para el público. En Europa cualquiera pueda acceder a ellas.

Allí se reconoce la tarea del compositor. En el año 2003 el estado austriaco nos invitó a un grupo de compositores a la casa de gobierno. El presidente nos recibió personalmente, y nos agradeció a todos, incluso a mí que era extranjero, el aporte que le hacíamos a Austria.

Igualmente importante es que hay más posibilidades que un grupo de alto rendimiento pueda tocarnos una obra, con un alto grado de exigencia. Eso no pasa por el talento, nuestros músicos son tan o más talentosos que los europeos, pero hay varias diferencias: allá reciben mayores beneficios económicos, tienen más tiempo para estudiar y más oportunidades para tocar.

Cuando llegué a Austria no conocía a nadie. Fui sin referencias, con mi título, me presenté a dar los exámenes de ingreso y entré a la Academia de Viena. Eso también quiere decir que la formación que recibí en mi país fue muy buena. Pero en Austria y Alemania es difícil que alguien que dé clases no sea un consagrado en lo suyo. Eso acá no siempre sucede.

Gisela: Además de todo lo que dijo Juan Manuel, a mí, personalmente, me aportó más confianza en lo que hago. El estar junto a otros compositores del mundo, analizar sus obras, me hizo comprobar que tenía buen nivel, que no estaba por debajo de los demás.

• ¿Qué cambiarían de los planes de estudio?

Gisela: A mí me gustaría que estuvieran más actualizados en música contemporánea.

Juan Manuel: Eso tiene que ver con la política. Es la política la que determina qué importancia se da a cada área. Nos guste o no, la música contemporánea está dentro de la música, la música dentro de la cultura, y la cultura es más o menos considerada por los gobiernos. Debe definirse a dónde se apunta con las carreras musicales, qué queremos que aprendan los estudiantes de música, y que queremos que transmitan luego.

También lo que haría es, de acuerdo a lo que comenté antes, actualizar las bibliotecas de música.

• ¿Qué importancia tienen los concursos?

Juan Manuel: Relativa. No necesariamente un concurso hace famoso al ganador. Si uno tiene la suerte de ganar, es un estímulo y un antecedente en el curriculum. En Europa es raro que a un ganador de un concurso no le otorguen una muy importante remuneración económica. Aquí, son pocos los concursos que dan una buena retribución. También son un incentivo para componer una obra.

• ¿Qué le dirían al público para estimularlo a escuchar sus obras?

Juan Manuel: Yo lo invitaría con muy buena voluntad a escucharlas, diciéndole que en ellas puse mi mayor cariño y amor al componerlas. Que no son obras que quedaron como apenas se me ocurrieron, sino que son fruto de mucho trabajo, pues uno es perfeccionista. Mientras las componía, yo las escuchaba. Por eso, los invito a recorrer ese mismo camino, a vivir lo que viví, la idea es siempre compartir.

Gisela: Yo le diría que mis obras tienen un mensaje, que les pueden interesar emocionalmente, y que escucharlas, será una experiencia musical diferente.

 

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(La Nación, Argentina - 05 May 2006)
Beca Kleiber
Premian a la soprano Virginia Savastano
Actuará ante Barenboim

BERLIN.- La soprano argentina Virginia Savastano, de 23 años, ganadora del concurso Nuevas Voces 2005 de Gütersloh (Alemania), obtuvo la Beca de Promoción In Memoriam Erich Kleiber, por la cual viajó a Berlín para audicionar con el director Daniel Barenboim y otras autoridades artísticas de la Staatsoper de esa capital; y, posteriormente, mantener una entrevista de presentación con la directora artística de Sony-Classical.

De regreso en la Argentina, Savastano integrará el elenco de "Così fan tutte", la ópera de Mozart prevista para estrenar en el Teatro Colón. La Beca In Memoriam Erich Kleiber es una iniciativa privada con el objeto de promover a jóvenes talentos argentinos en el área de la ópera y la música clásica, para realizar proyectos concretos que contribuyan a desarrollar las relaciones entre la Argentina y los países germanos en el ámbito musical.

La beca ofrece la elaboración de un proyecto diseñado especialmente para el becario, de acuerdo con sus necesidades específicas, más las gestiones y una suma de dinero para el cumplimiento del mismo. El espíritu de la beca está inspirado en los valores que rigieron la vida y la obra del genial director de orquesta argentino de origen austríaco Erich Kleiber, modelo de artista íntegro y comprometido con su tiempo.

También lo recibieron el director Andrés Tolcachir; el compositor y director Juan Manuel Abras (para una pasantía con el maestro Michael Gielen, principal director invitado de la Staatsoper de Berlín) y el contratenor Franco Fagioli (para una audición con el maestro René Jacobs, director de Operas Pre-clásicas de la Staatsoper de Berlín).

 

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(Argentinisches Tageblatt, Argentina - 04-06-2005)
Ehrungen für Komponist Abras

Dem jungen argentinischen Komponisten und Dirigenten Juan Manuel Abras wurde das Stipendium „In Memoriam Erich Kleiber“ in Berlin verliehen, wo er als Praktikant an der Berliner Staatsoper an der Aufführung von Franz Schrekers Oper „Der ferne Klang“ unter der Leitung des argentinischen Dirigenten Michael Gielen mitwirken konnte. Unter fünfzig Komponisten aus aller Welt wurde er auserwählt, ein Werk zu komponieren, das in der „Gläsernen Manufaktur“ des Volkswagenwerkes in Dresden aufgeführt werden soll. Er wurde außerden mit dem Theodor-Körner-Preis für Kunst und Wissenschaft der österreichischen Regierung ausgezeichnet und von Präsident Thomas Klestil empfangen, der ihn mit der Komposition eines sinfonischen Werkes beauftragte.

 

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(La Nación, Argentina - 26 May 2005)
Nuevas batutas vienen llegando
La joven camada de directores

Sin ruido ni grandes cataclismos, una nueva generación de directores de orquesta está haciéndose notar en nuestro país. Estos nuevos artistas se caracterizan por su formación profesional especializada en el ámbito universitario y porque transitan con igual fluidez tanto por el repertorio orquestal como por el de la ópera.

En el campo de la dirección orquestal argentina no ha habido grandes sacudones ni revoluciones copernicanas. Pero aun tratándose de un medio chico y por lo tanto con pocos espacios para el desarrollo profesional, una natural renovación generacional está cambiando el paisaje en los podios orquestales argentinos.

Casi todos ellos han tenido su formación con alguno de los tres maestros de maestros de nuestro país: Pedro Ignacio Calderón, titular de la Sinfónica Nacional; Guillermo Scarabino, decano de la Facultad de Ciencias y Artes Musicales de la UCA, y Mario Benzecry, a cargo de la cátedra de dirección del IUNA. De Carlos Calleja y Luis Gorelik, entre los más "veteranos", a Alejo Pérez y Leandro Valiente, entre los más noveles, se trata de un grupo que tiene entre 30 y 50 años que, contra viento y marea, mantiene en alto el nivel profesional de un oficio complejo. Tarea que, sobre todo en la Argentina, excede el simple dominio técnico de lo musical para prolongarse en cuestiones tan amplias como la comprensión de la psicología de grupos, la administración y, también, las relaciones públicas.

Si bien es cierto que las instituciones más tradicionales siguen siendo refractarias a probar con nuevos talentos, el florecimiento de emprendimientos, en particular vinculados con la ópera, ha permitido que los melómanos ya reconocieran a sus propios valores. En este punto ha sido crucial el surgimiento de entidades como Buenos Aires Lírica (BAL) y Juventus Lyrica que, en el teatro Avenida, son los principales motores del crecimiento de la ópera por fuera del Colón y en el nivel nacional. No sólo han permitido desarrollarse a cantantes y régisseurs, sino también a directores de orquesta.

En el caso de BAL, Carlos Calleja y Carlos Vieu vienen probando su valía en este difícil terreno desde hace tres temporadas. Calleja, que dirigió “Werther” el año pasado, llega en verdad con experiencia previa en el Teatro Roma, como habitual director de ballet en el Colón y como titular de la Orquesta Académica del primer coliseo. En el caso de Vieu, que tuvo a su cargo la dirección de la exitosa “Rigoletto”, lo hace luego de pasar la crucial experiencia de ser director estable de un organismo sinfónico, en su caso, la Sinfónica de Mar del Plata. En Juventus Lyrica se destacan Leandro Valiente y Emiliano Greizerstein, ambos egresados de la Universidad Católica, que crecieron junto con la institución que dirige artísticamente Ana D’ Anna y que participan de la presente temporada.

El Roma de Avellaneda ha sido un terreno fértil para varios directores, como Fernando Alvarez, en su caso claramente dedicado a la ópera, pero también Calleja o el director del coro Polifónico Nacional, Roberto Luvini, que se han probado allí.

Como señala Guillermo Scarabino, la formación profesional para un director de orquesta se ha elevado muchísimo en las últimas décadas gracias a la consolidación de carreras a nivel universitario. La pionera Facultad de Bellas Artes en La Plata, la UCA, los conservatorios y ahora el IUNA proveen de una formación específica para un métier que antes se desarrollaba un poco empíricamente, saliendo de entre las filas de la propia orquesta, o como una extensión de carreras de pianistas o compositores. No es que no siga ocurriendo (valen como ejemplos los destacados trabajos del trompetista Gustavo Fontana, al frente de las bandas sinfónicas de la Ciudad de Buenos Aires y de la Facultad de Filosofía y Letras de la UBA, o del compositor Marcelo Delgado), pero lo cierto es que la tendencia es hacia la formación a nivel universitario.

Son muchos los jóvenes que se van al exterior para seguir perfeccionándose, y terminan atrapados por el volumen de trabajo que les ofrecen en Europa y Estados Unidos. De todos modos, varios se las ingenian para no perder contacto con su país. Un caso emblemático es el de Gustavo Plis Sterenberg. Aunque ocupa un lugar destacado en el Kirov de San Petersburgo, con una orquesta de primera línea internacional, dedica parte de su tiempo a las orquestas de Bahía Blanca y Córdoba. No se trata sólo de nostalgia: aquí, Sterenberg tiene la oportunidad de dirigir obras de repertorio que en el Kirov le quedan reservadas al gigante Valery Gergiev.
Ser titular de una orquesta es algo obviamente atractivo y necesario para un director. Tal vez por eso, Luis Gorelik, nacido en La Plata y formado en Israel, regresó a América del Sur para hacerse cargo de la Orquesta de la Universidad de Concepción en Chile. Desde allí volvió con éxito en presentaciones en el Argentino de La Plata y con la Sinfónica Nacional.

La realidad en el interior de la Argentina cambia de ciudad en ciudad. No todas hacen concurso para elegir a sus directores. Pero cuando ocurre a los argentinos no les va tan mal: Javier Logioia (formado como asistente en la Filarmónica de Buenos Aires) quedó al frente de la Sinfónica de Rosario. Y en Tucumán, una egresada de La Plata, Andrea Mijailovsky, logró aportar un poco de “cuota femenina” en un rubro que todavía es predominantemente masculino.

Cuando no hay orquestas ni propuestas, la solución, un poco heroica pero con productos dignísimos, es la autoproducción. Es el caso de Andrés Tolcachir, formado en el país y ahora radicado en Alemania, que, por segunda vez, regresa al país para dirigir y producir ópera en forma independiente. Esta vez, con el apoyo del Mozarteum Argentino, logró, además, llevar a Mozart a diferentes ciudades del país. Con distintos grados de profesionalismo y continuidad, otros directores crean sus propios conjuntos sinfónicos y de cámara o se insertan en ámbitos académicos: Fabián Berman con Los Percusionistas de Buenos Aires, o la Orquesta de Cámara de la Universidad de Lanús, con Daniel Bozzani, sólo por dar dos ejemplos. Cada vez con más trabajo en el exterior, hay directores como Alejo Pérez, en Europa, o David Rosenmeyer, en Estados Unidos, que luego de perfeccionarse ya desarrollan carreras profesionales con mucha intensidad. También están completando su formación y haciendo sus primeros pasos Eduardo Moguillansky, Pablo Boggiano, Juan Manuel Abras y Emiliano Greizerstein.

Guillermo Scarabino considera que para los nuevos directores el panorama que se abre es mejor que hace un tiempo. “Por un lado hay más orquestas, lo que mejora el panorama. Las hay en municipalidades, orquestas profesionales o juveniles. A veces son emprendimientos modestos, pero les sirve a los músicos para formarse y contribuyen efectivamente a levantar el nivel cultural del lugar en el que actúan.”

Con respecto a las instituciones grandes, Scarabino lamenta que “no haya un mecanismo competitivo para abrir el juego en las grandes orquestas. Sería saludable que hubiera un concurso anual donde se pudieran mostrar”.

Mario Benzecry, fundador de la Orquesta Juvenil Libertador San Martín y de la Orquesta de Cámara Mayo, ve el panorama de un modo más oscuro que su colega Scarabino: “No hay orquesta en nuestro país que tenga la figura de director asistente o adjunto, como hicimos en la Libertador San Martín. Y es un buen modo de comenzar a hacer experiencia. Por otra parte hay cada vez más aspirantes a ser directores, pero no hay orquestas suficientes”. Benzecry, que tiene en la cátedra del IUNA 38 estudiantes, denuncia un círculo vicioso que impide el ingreso profesional a los nuevos directores: “Si llega a haber un concurso, no te dejan participar si no tenés antecedentes con una orquesta profesional. Las que tienen directores estables se mueven por intercambio, y un joven no tiene qué intercambiar”, explica.
Lo cierto es que mientras que la ópera en el Colón y las grandes orquestas parecen no dar cuenta todavía de este nuevo panorama (la Sinfónica Nacional es la más receptiva en este sentido), la nueva generación de directores de orquesta argentinos llegó para quedarse... Aunque el riesgo cierto y concreto sea que los mejores de ellos terminen mostrando sus frutos sólo en el exterior.

Por Martín Liut
Para LA NACION

 

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(La Nación, Argentina  10 February 2005)
Aniversario de la Asociación Argentina de Compositores
Noventa jóvenes años de música
Creada por Felipe Boero y José André, entre otros, en 1915, continúa en actividad

La Asociación Argentina de Compositores (ex Sociedad Nacional de Música), entidad decana de quienes se dedican a la creación musical en nuestro país, celebra este año su 90° aniversario. Fundada por los maestros José André, Felipe Boero, Ricardo Rodríguez y Josué Teófilo Wilkes, ha podido desarrollar a lo largo de nueve décadas de existencia una fecunda labor que se fusiona con las creaciones más conspicuas de la música nacional.

La flamante comisión directiva está presidida por Juan Carlos Delli Quadri; Aldo Moscoso y Héctor Della Costa (vicepresidentes), y Sergio García Murillo (secretario general), Eduardo Múscaro, Gabriel Adamo, Beatriz Renta (vocales).

Bajo el lema "Con la música festejamos los 90 años de la Asociación?", la entidad ha organizado para este año un programa de conciertos de música de cámara, coral y sinfónica que se dará a conocer oportunamente, y se encargará a uno de sus asociados una obra alusiva. Además, se organizará un concurso interno de composición de música de cámara.

Músicos de la talla de Carlos López Buchardo, Constantino Gaito, José Gil, Pascual de Rogatis, Floro Ugarte y muchos más, fervorosamente solidarios con la iniciativa de difundir la música argentina, advirtieron con nítida claridad mental que debía hacérsela oír junto a las expresiones de las más diversas corrientes estéticas que afluían al país de entonces, procedentes de Europa. Idéntico fenómeno ocurrió después de la Segunda Guerra Mundial, cuando nombres ilustres como los de Roberto García Morillo y Jorge Fontenla presidieron sus destinos. Aunque ninguno de los miembros de la actual comisión directiva reniega de la experiencia que han acumulado en los años que llevan en la carrera, afirman con Delli Quadri que "sus ideales se mantienen jóvenes", como cuando se incorporaron hace ya unos cuantos años a la Asociación de Jóvenes Compositores de la Argentina, hoy Compositores Unidos de la Argentina (CUDA).

• -La juventud es, en realidad, una cualidad, no sólo una etapa cronológicamente definida?

-Ciertamente; las ideas jóvenes siguen presentes en quienes hoy estamos en esta empresa; pero además los compositores jóvenes que se incorporan son bienvenidos, creemos que ellos, que inyectan nueva sangre a la entidad, pueden beneficiarse junto a quienes tienen una mayor experiencia.

• -¿En qué proporción se incorporaron compositores jóvenes a la asociación?

-Como dato significativo diré que de la totalidad de sus miembros actuales la mitad tiene una edad promedio de treinta años. Tenemos además compositores asociados en La Plata, Mar del Plata, Chivilcoy y en las provincias de Santa Fe, Mendoza, San Juan y otras.

• -¿En qué medida los organismos oficiales promueven la difusión de música culta, tal como lo hacen con otras manifestaciones artísticas?
-Bueno, por supuesto en mucha menor medida -aclara Delli Quadri-. El Fondo Nacional de las Artes, por ejemplo, siempre apoyó a los creadores de todas las disciplinas, pero en menor medida a los compositores. En el caso de la música, creemos que deberían editar la obra o posibilitar económicamente la edición discográfica.

• -¿Y conciertos?

-El Fondo de las Artes posibilitó en años anteriores la realización del ciclo "El compositor comenta su obra" -acota el compositor Eduardo Wilde-, en el que también se escuchaban grabaciones. Fueron exitosas, si bien no tuvieron la difusión adecuada a través de los medios.

"Actualmente, hacemos gestiones para contar con un ámbito para nuestros conciertos", añade Delli Quadri.

• -¿Cómo ven ustedes hoy la situación de la música culta en la Argentina?

-Pese a que la música está a la altura de las otras artes, no se ve muy favorecida. Rara vez la música culta contemporánea es abordada por la crítica, y cuando esto acontece sólo se ocupa de ciertos y determinados compositores de nuestro medio. No se ofrece un número suficiente de audiciones para que se pueda obtener una apreciación más acabada de las nuevas expresiones.

• -¿Cómo prevé la asociación la celebración de sus 90 años?

-Tenemos encaminadas varias iniciativas, además de las mencionadas:la edición de un libro sobre la historia de la entidad, por la musicóloga Olga Zaffore. También la edición de discos compactos: uno con obras de los maestros fundadores, otro con composiciones de Pascual Grisolía con motivo del centenario de su nacimiento, que contendrá además obras de Irma Urteaga, Juan Manuel Abras, Beatriz Renta y Carlos Florit Servetti, y un tercer disco, con grabaciones de conciertos en vivo del año 2004.
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Héctor Coda

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(XXII Estate Musicale a Portogruaro - Festival delle Cittá 2004, Italy - September 2004)
1 settembre, tango mi amor

«Una volta era un'orgiastica diavoleria, oggi è un modo di camminare»: così, ironicamente, Jorge Luis Borges si toglie d'impaccio nella definizione del tango. Altrettanto eloquenti nella loro icastica e sfuggente enigmaticità sono le affermazioni di Paolo Conte: «Così come una lucertola è il riassunto d'un coccodrillo, un tango è il riassunto d'una vita», o quella più citata, di molteplice e quindi incerta attribuzione: «è un pensiero (o sentimento) triste che si balla».

Sulle origini del tango ben poco è certo: anzitutto e necessario distinguere il "tango argentino", in ritmo binario, di andamento prevalentemente moderato, da quello "flamenco", chiamato anche ‘tanguillo’, ternario, originariamente danza solistica femminile, di tradizione andalusa. Oggi il tango per antonomasia e considerato il primo, che fece la propria comparsa intorno al 1880 nei sobborghi di Buenos Aires e in quelli di Montevideo, sulla sponda contrapposta del Río de la Plata. Oltre a nomi, circostanze e date del suo esordio, è incerta persino l'etimologia: fin troppo facile appare la derivazione latina (‘tangere’ = toccare), adottata per giustificare la ‘pruderie’ morbosa dei benpensanti scandalizzati dai passi allusivi e provocanti della nuova danza al suo primo approdo in Europa. Vi è chi invoca etimi africani (da ‘chango’, invocazione rituale degli schiavi negri dell'Africa occidentale, o ‘tamgu’ = ballare, o ancora da vari toponimi) oppure vetero-castigliani (da ‘taño’, ‘tañer’, per cui il significato equivarrebbe a “brano musicale”): il dato certo è che con questo nome viene a identificarsi improvvisamente una sorta di “linguaggio” poetico, musicale e gestuale che ha accomunato folle di immigrati italiani, spagnoli, tedeschi e russi nei ‘conventillos’, dove in un' esistenza fin troppo fianco a fianco, erano costretti a condividere miserie e malinconie. Il luogo deputato a questi incontri era l'’arrabal’, il quartiere periferico dove era anche costante il contatto tra la gente del porto e quella della pampa che cantava la ‘payada’, forma poetica popolare basata sull'improvvisazione di sei endecasillabi alterna ti da un particolare stacco chitarristico. Questa si alternò e si fuse con l’’habanera’ spagnola nella versione cubana pervenuta via mare, e ne derivò la ‘milonga’, sorta di camminata in cui l'uomo avanza e la compagna indietreggia: ‘milonguear’ ha ancora il senso di tirar tardi tra canti e balli. Tipicamente portuale era anche il ‘candombe’, danza di camalli neri in cui le coppie, sfiorandosi, si esibivano in sensuali rotazioni pelviche.

Da questi ambienti e ingredienti nasce il tango, che come ballo ha una logica trasgressiva rispetto a valzer, polke o mazurke, con i quali ha in comune la presa tra i ballerini, distinguendosi però per libertà coreografica e fantasia combinatoria delle varie "figure". Diviene così linguaggio corporeo con cui non ci si limita a seguire un supporto ritmico, ma si tende all'interpretazione gestuale delle coloriture sonore, del senso dei testi cantati e degli stili interpretativi, esprimendo la condizione interiore ora dell'innamorato ora dell’indifferente, dell'annoiato o dell'arrabbiato, e così via. Nato come fondo sonoro per accompagnare la danza, il tango progressivamente acquisisce una dignità musicale, strumentale e vocale, autonoma, cominciando nei primissimi anni del Novecento a invadere prima i caffe e poi i teatri della capitale argentina e connotandosi in strumenti tipici (soprattutto il ‘bandoneón’, variante della fisarmonica di origine tedesca) e in formazioni tradizionali quali il trio violino - ‘bandoneón’ - pianoforte o il sestetto costituito da due violini, contrabbasso, due ‘bandoneónes’ e pianoforte.

In Europa il tango si diffuse vastamente e con rapidità a partire dagli anni '10 e venne presto assunto e citato anche dalla musica colta alla ricerca di richiami esotici e trasgressivi: se ne trovano esempi da Albéniz (‘Seis danzas españolas’ per pianoforte op. 165) a Stravinskij ‘Histoire du soldat’ - 1918: tango per pianoforte – 1940, poi orchestrato) a Weill (‘Dreigroschenoper’ - 1918). Il mondo dell'operetta colse ancor più tempestivamente la moda del tango: già nel 1913 Jean Gilbert propose ‘Die Tangoprinzessin’, seguita nel 1920 dalla
‘Tangokönigin’ di franz Lehár. Successivamente, dopo un periodo di prevalente impermeabilità
tra i diversi settori delta produzione musicale che provoco la rarefazione di citazioni e allusioni ritmiche, diviene determinante l'operazione di nobilitazione e contaminazione tra generi e categorie compositive, condotta da Astor Piazzolla nel nome di una universalizzazione del linguaggio del tango, una via poi seguita da altri giovani compositori, non sempre solo argentini, tra i quali e interessante citare almeno il giovane Juan Manuel Abras (nato nel 1975), il cui ‘Dodecatango’ e programmaticamente impostato sulla dimostrazione dell'applicabilità di alcuni stilemi ritmico - melodici del tango a modi compositivi seriali, sia pure in deroga all'assoluto rigorismo schönberghiano.

Lo sfondamento dei confini originari e l'assunzione di un senso più vasto, autentica citazione d'un ambiente e d'uno stile di vita, da parte del termine "tango" è dimostrato dal suo uso allusivo nella titolistica cinematografica (non solo l'arcinoto ‘Ultimo tango a Parigi’ di Bernardo Bertolucci, ma anche ‘Lezioni di tango’ di Sally Potter e ‘Tango’ di Carlos Saura), e perfino nel mondo del fumetto con una delle ultime avventure di Corto Maltese scritte da Hugo Pratt, intitolata appunto ‘Tango’.

Ciò che conta, oltre le vicende storiche, e cogliere il sapore accattivante e malandrino, torbido e sensuale, il risveglio di istintualità sopite e represse, l'allusione a una calamità disillusa compressa entro il vitalismo suburbano, e centinaia d'altre ammiccanti percezioni che sfavillano nel tessuto sonoro dei tanghi di sempre. L'affetto dominante sembra essere la nostalgia, la sofferenza del (non) ritorno; parole e suoni raccontano di cose e persone che sono state e non sono più, o che avrebbero potuto essere o essere altro, senza aver sperimentato la trasformazione della potenza in atto. Domina appunto il voler essere altro o altrove, il sogno di ritrovare intatto ciò che si e perduto, l'iterazione d'un dolore che dall'Ellade di Odisseo approda al Mar de la Plata del Novecento, dal mito omerico ricorre nelle vicissitudini di esuli e immigrati che vanno a popolare una metropoli; e una metropoli di immigrati ed esuli canta quello che Julio Cortázar definisce «il fantastico come nostalgia»: una nostalgia talmente interiorizzata da divenire spaesamento assoluto, non semplice conseguenza di concreti ed effettivi elementi mancanti, ma pulsione dolorosa priva di meta e finalità esplicite. Tango, allora, come espressione e simbolo d'una condizione verificatasi storicamente entro precise coordinate di tempo e spazio e assurta a categoria esistenziale anzitutto locale, tanto che tango e Buenos Aires sembrano nelle parole di Jorge Luis Borges reciprocamente imprescindibili: «Si direbbe che senza i crepuscoli e le notti di Buenos Aires non possa nascere un tango, e che in cielo attende, noi argentini, l'idea platonica del tango, la sua forma universale...»

Umberto Berti

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 20 May 2004)
Juan Manuel Abras recibe la beca 'In Memoriam Erich Kleiber'
Redacción, Buenos Aires

Juan Manuel Abras, joven compositor y director de orquesta argentino, recibió en febrero pasado la Beca de Promoción in Memoriam Erich Kleiber. Gracias a ella, tuvo oportunidad de realizar una pasantía en la Opera de Berlín Staatsoper Unter den Linden durante la reposición de la ópera Der ferne Klang, de Franz Schreker.

La puesta en escena de la obra fue encomendada a Peter Mussbach y su dirección musical tuvo como protagonista a Michael Gielen -primer director invitado de la tradicional casa de ópera alemana-, quien estuvo a cargo de la orquesta Staatskapelle Berlin, agrupación que en el año 2000 eligió a Daniel Barenboim como su director titular vitalicio.
La Beca de Promoción in Memoriam Erich Kleiber es una iniciativa privada que ha sido instituida con el objeto de promover a jóvenes talentos argentinos en el área de la Opera y la Música Clásica, para realizar proyectos concretos, de corta duración, que contribuyan a desarrollar las relaciones entre la Argentina y los países germanos en el ámbito musical. Anteriores beneficiarios de esta beca fueron Andrés Tolcachir (director de orquesta) y Franco Fagioli (contratenor).

"El espíritu con que se otorga la beca -se afirma- está inspirado en los valores que rigieron la vida y la obra del genial director de orquesta austriaco-argentino Erich Kleiber (1890-1956), paladín de la libertad y modelo del artista íntegro para las generaciones venideras: el inconformismo y avidez en la búsqueda de nuevos repertorios, al mismo tiempo que el respeto por las tradiciones musicales y la fidelidad al compositor en su interpretación de la partitura; la rigurosidad, la entrega apasionada y la vida puesta al servicio de la música; el compromiso del artista con la sociedad y la defensa de la libertad como condición indeclinable para la creación artística." Según Erich Kleiber: "La música debe ser libre para todos, como el aire y la luz del sol".

Esta es la séptima distinción que Juan Manuel Abras ha recibido durante los últimos tres años, ya que, entre 2001 y 2003, obtuvo también otros 6 galardones, en Argentina y en Europa: 2° Premio del Concurso Internacional de Composición Franz Josef Reinl-Stiftung' 2002 de Viena (Austria), Premio Mención TRINAC 2002 (EIMC-CAMU-Consejo Internacional de la Música-ISCM-UNESCO), Premio Medalla de Oro en Composición 2001 del CSM Manuel de Falla de Buenos Aires (Argentina), Premio Mención TRINARG 2002 (EIMC-CAMU-CIM-Sociedad Internacional de MúsicaContemporánea-UNESCO), Premio Medalla de Oro en Dirección de Orquesta 2001 del CSM Manuel de Falla de Buenos Aires y Premio Theodor-Körner a las Ciencias y las Artes 2003 (Música) de Viena (Austria).

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(Cantabile. Revista de Música Clásica. Año 6 N° 22, Argentina - March / April 2004
Músico argentino en ascenso

El compositor y director Juan Manuel Abras suma logros y reconocimientos a su joven carrera. Durante el pasado mes de febrero, gracias a las gestiones de la Embajada Argentina en Berlín, obtuvo la Beca de Promoción in Memoriam Erich Kleiber. La misma consistió en una pasantía en la Staatsoper de esa ciudad, con motivo de una reposición de “Der Ferne Klang”, de Franz Schreker, bajo la dirección de Michael Gielen, al frente de la Staatskapelle Berlin, y puesta en escena de Peter Musbach. Entre el 2 y el 15 de febrero, Abras asistió a la preparación de la ópera, hecho nada sencillo, pues Gielen debió obtener el acuerdo de los cantantes del elenco para este fin. Previamente, nuestro músico asistió a diversos ensayos del renombrado director al frente de la Sinfónica de Berlín. Entre los últimos logros de Juan Manuel Abras, se cuentan la invitación, junto con 50 compositores de todo el muindo, para presentar una obra inspirada en la Fábrica Transparente de Volkswagen, en Dresde, y la distinción con el Premio Theodor Körner a las Artes y a las Ciencias 2003, otorgado por el gobierno de Austria. Junto a otros premiados, fue recibido por el presidente Thomas Klestil, y se le comisionó la composición de una obra sinfónica.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 03 December 2003)
Abras, invitado a inspirarse en la Fábrica Transparente de Volkswagen (DE)
Redacción, Dresde

El joven compositor y director argentino Juan Manuel Abras se encuentra entre los 50 compositores de todo el mundo que, después de ser rigurosamente seleccionados por un singular jurado internacional, fueron invitados a Dresde (Alemania) para inspirarse en la audaz arquitectura de la Glaserne Manufaktur (Fabrica transparente) de Volkswagen.
Allí tuvieron la oportunidad de descubrir las posibilidades artísticas y compositivas asociadas con este espacio arquitectónico, su acústica y su entorno. Después de esta visita, los compositores invitados participarán en un concurso de composición que apunta a que los jóvenes creadores asimilen, en sus obras, los temas complejos de hoy, transformándolos en sonido.

El singular jurado del evento ofrece a los participantes la oportunidad de darse a conocer a una red de expertos internacionales: compositores reconocidos de diferentes generos (Sylvester Levay, Siegfried Matthus, Wilfried Kratzschmar, Jorg Herchet, Juan Allende-Blin), representantes de prestigiosas editoriales de música (Boosey&Hawkes, Berlin; Universal Edition, Viena) y de diversas orquestas alemanas, expertos en Tecnología de Medios (Andre Richard, Ludgar Brummer), catedráticos universitarios (Prof. Dr. Volker Hahn de la Escuela Superior de Música “Carl Maria von Weber” Dresden, Prof. Dr. Franz Muller-Heuser, vicepresidente del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO, París) y representantes de los medios de comunicación.

El concurso, organizado por el Foro Internacional de Cultura y Economía de Dresde y la Automobilmanufaktur Dresden GmbH, filial de Volkswagen, es considerado un evento especial entre otros concursos internacionales, así como un trampolín hacia una carrera internacional, debido a la ejecución pública de las piezas que serán seleccionadas, la singular composición de su jurado y sus importantes premios.

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(Gaudeamus Information, The Netherlands - July / December 2003)
Prizewinners
Theodor-Körner Prize

Young argentine composer and conductor Juan Manuel Abras has been awarded with the Theodor-Körner-Prize for the Arts and Sciences 2003 (category: Music) by the Österreichische Bundesarbeitkammer of Vienna (Austria), who granted him funds to compose a symphonic work. Since 2001, Abras continues his postgraduate studies at the University of Music and Performing Arts of that city. The prize delivery took place on April 24, 2003, at the University of Vienna. After the ceremony, the Federal President of Austria, Dr. Thomas Klestil, received the Prize-winners in the Vienna Imperial Palace, „Wiener Hofburg". The Theodor-Körner funds for the promotion of the Arts and Sciences come from several Austrian public institutions and are named after the former President of the Austrian Republic (1951-1957). This is the second time an Austrian institution has awarded Abras, who in 2002 obtained the 2nd Prize at the International Composition Competition „Franz Josef Reinl-Stiftung" of Vienna, for his work „Argentine Suite", premiered at the „Fanny-Hensel-Mendelssohn Saal" of the University of Music.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 12 May 2003)
El compositor argentino Juan Manuel Abras, premiado en Viena
didpress.com, Buenos Aires

El joven compositor y director argentino Juan Manuel Abras ha sido galardonado con el Premio Theodor-Körner-Preis a las Artes y las Ciencias 2003 (categoría Música) por la Österreichische Bundesarbeitkammer de Viena, adjudicándosele fondos para la realización de una obra sinfónica. Desde 2001, Abras realiza estudios de postgrado en Composición y Dirección de Orquesta en la Universidad de Música de dicha ciudad.

La entrega de premios tuvo lugar el pasado jueves 24 de abril, en la Festsaal de la Universidad de Viena. Luego de la ceremonia, el Presidente de la República Federal de Austria, Dr. Thomas Klestil, recibió a los premiados en el Palacio Imperial de Viena, Wiener Hofburg.Los fondos Theodor-Körner para el fomento de las Artes y las Ciencias provienen de diversas instituciones estatales austriacas y toman su nombre de quien fuera Presidente de la República Federal de Austria entre 1951 y 1957. Fueron establecidos en 1953, en ocasión de su 80 cumpleaños, con el objeto de apoyar la labor de artistas y científicos jóvenes y talentosos.

Es la segunda vez que una institución austriaca distingue a Abras, quien en 2002 obtuvo el 2do. Premio en el Concurso Internacional de Composición Franz Josef Reinl-Stiftung de Viena por su obra Suite Argentina, estrenada en la Sala Fanny-Hensel-Mendelssohn de la Universidad de Música de esa capital europea.Abras también fue premiado en Argentina durante 2002 por sus obras Sedekte (Mención TRINAC - Tribuna Nacional de Compositores, Consejo Argentino de la Música-EIMC-SIMC-CIM-IUNESCO) y Sueño y Chacarera (Mención TRINARG - Tribuna Argentina de Compositores, CAMU-EIMC-SIMC-Consejo Internacional de la Música-UNESCO).

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(La Nación, Argentina - 11 May 2003)
Argentinos en el exterior
Juan Manuel Abras y un estreno en Viena
El músico dirigió su "Suite argentina"
• Lo hizo con un éxito resonante
• Acaba de ganar varios e importantes premios
• Tiene 27 años y esta realizando estudios de posgrado en dirección orquestal

Partícipe del éxodo de la gran cantidad de instrumentistas, cantantes, compositores, directores de orquesta pedagogos -se calcula que el número alcanza a varios cientos-, y cuanto especialista en algún terreno concerniente a la música existe, el nombre del joven compositor y director de orquesta argentino Juan Manuel Abras ha de sumarse a quienes eligieron Europa o los Estados Unidos para realizar sus aspiraciones profesionales.

El hecho es que Abras, nacido en Estocolmo en 1975 por ser hijo de un diplomático argentino que allí se desempeñaba, es un genuino representante de la música argentina no sólo por haber recibido su formación en el Conservatorio Nacional Carlos López Buchardo, en las carreras de piano y violín, sino además por estrenar obras que revelan un arraigo en el acervo musical del país. Así aconteció con su "Sueño y chacarera" para flauta y clarinete, y con su "Ricercare" para flauta, clarinete, violín y violoncelo, estrenada en la Wiener Saal del Mozarteum de Salzburgo, en 1999. También se tocó con posterioridad en el Palacio Palffy de Viena uno de los Lieder sobre textos de Otto Vincenzi ("Harmonie-Alpha et Omega").

• La "Suite argentina"

Abras, que se halla radicado en Viena, Austria, estrenó allí, en fecha reciente, su "Suite argentina" con resonante éxito, según noticias recibidas. El estreno se debió a que se hizo acreedor al Segundo Premio del Concurso Internacional de Composición 2002 de la Franz Josef Reinl-Stiftung, de Viena. A este mérito debe añadirse la Mención Trinac (Camu-Unesco) que ganó representando oficialmente a la Argentina en los World Music Days 2003, festival organizado por la Asociación de Música Contemporánea (ISCM) y el premio Theodor-Kšrner-Preis a las Artes y las Ciencias 2003, también de Viena.

La "Suite argentina" fue ejecutada por el Tonkünstler Ensemble con la dirección de Werner Hackl, en la Sala Fanny Hensel Mendelssohn, de la Antigua Academia de Música de la capital austríaca, hoy convertida en universidad. La suite, dentro de la corriente neododecafónica, se nutre de elementos estructurales de las principales danzas y aires populares argentinos, que han sido insertados en el ámbito serial. Sus tres movimientos son: Chacarera-Baguala; Zamba-Carnavalito y Huella-Malambo.

Con sus 27 años, Juan Manuel Abras constituye una firme promesa de la música argentina en el exterior. Actualmente se halla completando en Viena sus estudios de posgrado en dirección orquestal con el eminente director Leopold Hager, pero también ha trabajado junto a lo más granado de la composición europea, como Luciano Berio, Pierre Boulez, Kurt Schwetsik, y con Helmuth Lahenmann, en la Universidad de Stuttgart.

• Stockhausen y Rihm

Su permanente inquietud en la composición lo ha llevado a Kürten, Alemania, a fin de realizar estudios con Karlheiz Stockhausen -actualmente inmerso en una corriente de serialismo integral, que exalta valores místicos y simbólicos-; y también se ha relacionado con quien es considerado el último baluarte de la generación alemana posterior al creador de "Kontakte" y "Canto de los adolescentes": el compositor Wolfgang Rihm, en Karlsrühe, genuino renovador de la música contemporánea, para quien "cualquier técnica es válida mientras la música la torne necesaria", siempre desde una perspectiva de la semanticidad y la idea. La Universal Edition acaba de editar la vasta obra de Rihm y con él ha pensado Abras realizar estudios de posgrado en composición.

Abras realizó en la Argentina estudios de composición en el Conservatorio Manuel de Falla, con Roberto García Morillo, y de dirección orquestal con el maestro Guillermo Scarabino, habiendo egresado en 2001 con Medalla de Oro en ambas disciplinas. También realizó estudios en el Conservatorio Benedetto Marcello, de Venecia, y en el Conservatorio de San Sebastián, España.

Como intérprete integra el Grupo Drangosch para la preservación y difusión del patrimonio musical argentino y es miembro de la Asociación Argentina de Compositores y de Sadaic.

Héctor Coda

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(​SFA Communications. The School of Fine Arts, University of Kansas, USA - February 2003)
Tango Pianist from Argentina visits KU on Feb. 6

LAWRENCE – The University of Kansas Department of Music & Dance Visiting Artist Series welcomes pianist Estela Telerman from Argentina, for a recital that features Tangos on Thursday, at 7:30 p.m. in Swarthout Recital Hall. Admission is free.

The program is focused on the Tango composers of Argentina, most notably the work of Ernesto Drangosch (1882-1948), Carlos López Buchardo (1881-1948), Irma Urteaga (1929-), and Juan Manuel Abras (1975-). Telerman takes the audience through the music chronologically, to trace the evolution of this important musical genre.

Estela Telerman was born in Buenos Aires, and studied piano both in Argentina and the United States. She received the "Juan Carlos Paz" Award for her performance of 20th century piano music. Since 1992 she has been a member of the "Sine Nomine" Trio, specialized in the clarinet-cello-piano repertoire. Telerman gave first performances of works by Argentine composers, many of which were dedicated to her. She premiered Clara Schumann's Concerto and recorded unknown pieces by Liszt and works by Argentine composers. She has played extensively as a soloist, with orchestra, and in chamber music recitals in Argentina, in the American continent, and in Europe. She was also Professor at the University of Buenos Aires – where she graduated – and currently teaches at the National University Institute of Art (I.U.N.A.): National Conservatory of Music. Estela Telerman is a member of the Board of the Argentine Council for Music (CAMU) and coordinates the Department of Cultural Activities of the National Conservatory of Music (I.U.N.A) The Visiting Artist Series concert with Estela Telerman in Swarthout Recital Hall is free and open to the public. For more information, please call the KU Department of Music & Dance office at 785-864-3436.

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(Kunstpunkt. Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien. Nr. 24/2002, Austria - October 2002)
Hofnews

[...] Juan Manuel ABRAS (Klasse o. Univ. Prof. Leopold HAGER und o.Univ.Prof. Kurt SCHWERTSIK) gewann im März 2002 -mit seinem Werk "Suite Argentina"- beim Internationales Kompositionswettbewerb der "Franz Josef Reinl-Stiftung" den 2. Preis. Das Preisträgerkonzert fand am 7. Juni 2002 um 19.30 Uhr im Fanny-Hensel-Mendelssohn-Saal der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien statt. Es spielte das Tonkünstler-Ensemble unter der Leitung von Prof. Mag. Werner Hackl.
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(Cantabile. Revista de Música Clásica. Año 4 N° 15, Argentina - September / October 2002)
Juan Manuel Abras - Reconocido en el país y en el Exterior

Sus obras "Suite argentina" y "Sueño y chacarera" recibieron sendos premios en el exterior. Antes de fin de año, está previsto el estreno en Buenos Aires de su ópera de cámara "Noches para olvidar".

Hijo del entonces embajador argentino en Suecia, Juan Manuel Abras nació en Estocolmo en 1975. Comenzó a estudiar música con su madre y continúo en el Conservatorio Nacional Carlos López Buchardo. Mas tarde prosiguió con su formación en el Conservatorio Benedetto Marcello de Venecia y a los veinte años egresó del Conservatorio Superior de San Sebastián (España). En la actualidad esta radicado en Viena, donde realiza sus postgrados bajo la guía de Kurt Schwertsik (composición) y Leopold Hager (dirección orquestal), y cursos y seminarios con Karlheinz Stockhausen y Helmuth Lachenmann. Su "Suite argentina" obtuvo recientemente el Segundo Premio en el Concurso internacional de Composición de la Fundación Franz Josef Reinl (Viena). En el pasado mes de agosto, su "Sueño y chacarera" para flauta y clarinete, gano una mención en la categoría "Música contemporánea" del certamen TRIMARG 2002. Correo electrónico mediante, Juan Manuel Abras conversó con Cantabile.

• -¿Qué reflexiona acerca de su música?

-El lenguaje de un compositor debe ser una herramienta, un medio para transmitir un contenido musical y no un fin en sí mismo. De otra forma, se convierte en una prisión que aísla al compositor del oyente, y por eso busco que en mi música el mensaje trascienda al lenguaje. Ya en 1956 Luciano Berio decía que "es desconcertante ver cómo la posibilidad de componer sin estar personalmente comprometido (...) ya se ha vuelto una parte de la historia de la música". Yo no puedo escribir música sin estar personalmente comprometido con ella.

• -Más allá del premio obtenido, ¿cómo recibe su obra el público europeo?

-Gracias a Dios con mucho entusiasmo. En el caso particular de la "Suite argentina" la alegría es doble, porque además de reportar una satisfacción personal demuestra una vez más la buena aceptación en el exterior de los rasgos estilísticos de nuestra música, en este caso de la rítmica criolla, hecho que como argentino me llena de orgullo.

• -¿Qué composiciones suyas se han ejecutado en Europa?

-Desde 1995, cuando integraba el Trío de la Universidad de Deusto (España) en calidad de pianista, se han ejecutado varias de mis obras y arreglos musicales. Hablando concretamente de Austria, la primera de mis composiciones que se estrenó aquí fue "Ricercare" para flauta, clarinete, violín y violoncello, en la Wiener Saal del Mozarteum de Salzburgo, en 1999. El corriente año, además de la Suite Argentina, que se estrenó en la Fanny- Hensel-Mendelssohn Saal de la Universidad de Música, también se tocó por primera vez en Viena el primero de los Lieder que escribí sobre textos de Otto Vincenzi: "Harmonie-Alpha et Omega". Fue en la Beethoven Saal del Palacio Palffy.

• -Cuéntenos acerca de las ejecuciones de sus obras en nuestro país.

-La primera de mis obras que se estrenó en Argentina fue "Seriallemande", para piano a cuatro manos. Fue en 1997 y desde entonces, hasta la fecha, cerca de una decena de composiciones mías se ejecutaron por primera vez en distintas salas: "Sonata Medina", "Trío de Sondika-Abasto", "La Fuga de Valentino" y "Sueño y chacarera", entre otras. El pasado mes de julio, en la Sala Alberdi del Centro Cultural General San Martín, se tocó la "Drunken Fugue" (Fuga borracha) para trío de saxos, que se repitió en la Scala de San Telmo.

• -¿Conoceremos alguna composición nueva?

-Está previsto el estreno de una ópera de cámara en un acto, "Noches para olvidar". También escribí el libreto, sobre un cuento homónimo de la escritora marplatense Neli Marche, quien además es mi tía abuela política. La inicié en Mar del Plata y la terminé en Viena, agregué personajes, modifiqué ciertas circunstancias y bosquejé la puesta en escena, que está incluida en la partitura. Aunque no hay una fecha ni un lugar certeros, el estreno será antes de fin de año dentro del marco del Festival ópera Abierta, e inicialmente se habló de los teatros Margarita Xirgu y Roma de Avellaneda.

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(Mundoclásico. Diario internacional de música clásica, Spain - 25 June 2002)
Se estrena en Viena la 'Suite Argentina' de Juan Manuel Abras
didpress.com, Madrid

La 'Suite Argentina', del joven compositor argentino Juan Manuel ABRAS (1975), ganadora del segundo premio del Concurso Internacional de Composición 2002 de la Franz Josef Reinl-Stiftung (Viena), fue estrenada por el Tonkünstler-Ensemble -bajo la dirección de Werner Hackl- el 7 de junio pasado, en la Sala Fanny-Mendelssohn de la antigua Academia de Música de Viena, ahora convertida en Universidad.La Suite Argentina se nutre de elementos estructurales de las principales danzas y aires populares argentinos y los inserta en el ámbito académico, dentro de una estética serial. Juan Manuel Abras se encuentra actualmente radicado en Viena, donde completa sus estudios de postgrado en Dirección de Orquesta (con Leopold Hager) y en Composición (con Kurt Schwertsik), en la Universidad de Música de dicha ciudad.

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(Música Clásica Argentina (www.musicaclasicaargentina.com), Argentina - 11 June 2002)
Actualidad 2002
Juan Manuel Abras: Premios y estrenos

Varias obras del compositor argentino Juan Manuel Abras fueron premiadas y seleccionadas por instituciones de primera línea. Su Suite Argentina, para conjunto de cámara, obtuvo el II Premio en el Concurso Internacional de Composición 2002 de la Franz Josef Reinl-Stiftung (Viena). El estreno mundial de la misma tuvo lugar el 7 de junio próximo pasado, en la sala de conciertos de la Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien (Austria). El Lied para canto y piano, Harmonie - Alpha et Omega, mereció el III Publikumspreis del 2do. Concurso Internacional de Composición "Harmonia Classica". Se estrenó el pasado 25 de Abril, en la Beethoven Saal del Palacio "Palffy" de Viena. Sedekte (quinteto dodecatánguico para bandoneón y cuerdas) recibió la Mención TRINAC (CAMU-UNESCO) 2002 y fue seleccionada para representar oficialmente a la Argentina en los World Music Days 2003 que se celebrarán en Eslovenia. La ópera de cámara Noches para Olvidar, fue seleccionada por Opera Abierta y será estrenada en el Teatro Roma de Avellaneda.

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(Franz Josef Reinl-Stiftung, Austria - June / December 2002)
Franz Josef Reinl-Stiftung

Aus insgesamt 70 Einsendungen vergab die am 17.März 2002 in Wien zusammengetretene Jury für Kompositionen, bestehend aus den Professoren Dr.h.c. Dieter ACKER (München), Gerhard WIMBERGER (Salzburg) und Kurt RICHTER(Wien) zwei Zweite sowie einen dritten Preis. Zehn Einsendungen entsprachen nicht den Ausschreibungsbedingungen und mußten deshalb ausgeschieden werden.

Voraussetzung für die Teilnahme war die Einreichung einer anspruchsvollen Komposition mit Unterhaltungswert oder ein Solowerk für Harfe bzw. ein Kammermusikwerk. Das Stück durfte nicht vor 1995 entstanden und bis dato weder verlegt, noch öffentlich aufgeführt worden sein.

Von der künstlerischen Leiterin des Harfenwettbewerbes, Frau Univ.Prof.Adelheid Blovsky-Miller (Universität für Musik und darstellende Kunst, Wien), wurden nachstehende Anforderungen an die Teilnehmerinnen und Teilnehmer gestellt: 1.Durchgang: zwei Sonaten nach eigener Wahl von D.Scarlatti sowie ein virtuoses Werk, 2.Durchgang: Suite for Harp op.83 von B. Britten Diese Werke waren auswendig vorzutragen. Die Jury für Harfe tagte am 16.und 17.März 2002 in Wien und bestand aus den ProfessorInnen Helga Storck (München), Arcola Clark (Graz) und Ion Ivan Roncea (Bukarest).

Der Konzertabend begann mit der Begrüßung und Preisverleihung durch den Vorstand der Stiftung, Rechtsanwalt Dr. Ernst Grossmann.

HARFE:

Frederike WAGNER 3. Preis
D.Scarlatti
Sonate K 466 f-moll (L 118)
und K 135 E-Dur (L 224)

Lavinia MEIJER 2.Preis
W.Posse
Variation sur le Carneval
de Venise

Alexandra VERBITSKAYA 1. Preis
B. Britten
Suite for Harp op.83

KOMPOSITION:

Tae Joeng YUN 3. Preis
"Bonhoeffer"

Pawel SOLTYSIAK 2. Preis
"Suita "

Juan Manuel ABRAS 2. Preis
"Suite Argentina"

Es spielte das TonkünstlerEnsemble unter der Leitung von Prof. Mag.Werner Hackl. Dieses Ensemble ist als eines der Interessantesten seiner Art zu einem beliebten Klangkörper in ganz Österreich geworden. Die Ausführenden sind Mitglieder des NTO sowie Meisterstudenten der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien. Besonders in der österreichischen zeitgenössischen Musik ist das Ensemble zu einem Spezialisten geworden.. Es wird auch neben der Gestaltung von Konzerten häufig zur Umrahmung von Festveranstaltungen eingeladen.

Prof. Mag. Werner Hackl, der Leiter des Ensembles, studierte an der Hochschule für Musik und darstellende Kunst in Wien sowie an der Pädagogischen Akademie. Er ist Posaunist im Niederösterreichischen Tonkünstlerorchester, Leiter des TonkünstlerEnsembles sowie Professor an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien. Ebenso ist er Dirigent und Leiter vieler Bläserkonzerte, Dozent bei Seminaren und Sommerkursen, sowie Präsident der österreichischen Gesellschaft für zeitgenössische Musik.

Harfenwettbewerb 2002

1. Preis: Alexandra VERBITSKAYA
2. Preis: Lavinia MEIJER
3. Preis: Frederike WAGNER

Kompositionswettbewerb 2002
der Franz Josef Reinl-Stiftung

Der am 17. März 2002 in Wien zusammengetretenen Jury, bestehend aus den Herren Professoren Dr.Dieter Acker, (München), Kurt Richter, (Wien) und Gerhard Wimberger, (Salzburg), lagen insgesamt 70 Einsendungen vor.
10 Einsendungen entsprachen nicht den Ausschreibungs-bedingungen und mussten deshalb ausgeschieden werden.
Die Jury hat beschlossen:

2. Preis: Pawel SOLTYSIAK
2. Preis: Juan Manuel ABRAS
3. Preis: Tae Joeng YUN
Ein erster Preis wurde nicht vergeben.

 

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(La Nación, Argentina - 05 January 2002)
El Grupo Drangosch sigue con el rescate de la música culta argentina
Se trata de una iniciativa de Estela Telerman y Bruno Lucio Videla
Para este año prometen una intensa actividad de conciertos dedicados a compositores nacionales

El Grupo Drangosch, que comenzó sus actividades en noviembre de 1999 dentro del marco ofrecido por el Instituto Universitario Nacional de Arte (IUNA), anunció su programa de actividades de este año. El proyecto del grupo fue elaborado por Estela Telerman y Lucio Bruno Videla, que desde entonces lo coordinan y dirigen.

El propósito del Grupo Drangosch, formado en homenaje al insigne pianista y compositor argentino de las primeras décadas del siglo XX, consiste en investigar, divulgar y registrar obras de importantes compositores argentinos -en nuestro país y en el exterior-, muchos de los cuales han permanecido injustamente relegados.

A la intensa actividad del grupo en el año último, conciertos, orientación pedagógica y relación entre instituciones estatales y privadas, tanto argentinas como extranjeras, se suma la constitución de un archivo de más de 1000 partituras compuestas en el país en los dos últimos siglos. Son integrantes del grupo los músicos Juan Manuel Abras, Silas Bassa, Diego Borello, Guillermo Cárdenas, Guillermo Carro, Gerardo Delgado, Abel Ghelman, Blas González, Alejandro Graziani, Silvia Martino, Federico Oro Vojacek, Patricia Pasmanter, Luis Semeniuk y Allison Weiss.

Los dirigentes han anunciado para este año las siguientes actividades, cuyas fechas y horarios serán dados a conocer oportunamente:

Un recital en el Salón Dorado del Teatro Colón, "Los compositores argentinos y el tango (1987-2001)", por la pianista Estela Telerman.

En mayo, también en el Salón Dorado del Colón, el licenciado Juan María Veniard disertará sobre "Música para piano de autores argentinos" (primer recital: siglo XIX), con el pianista Guillermo Cárdenas, y música de Juan Pedro Esnaola, Dalmiro Costa, Francisco Hargreaves, Arturo Berutti, Julián Aguirre, Alberto Williams y Ernesto Drangosch.

• Homenaje a Williams

En junio se realizará el Homenaje a Alberto Williams en ocasión de su cincuentenario, con la ejecución de obras de su autoría desconocidas, por los pianistas Silas Bassa, Guillermo Cárdenas, Guillermo Carrio, la soprano Silvina Martino y la violonchelista Patricia Pasmanter.

En julio, en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura se realizará el concierto "Música para piano de autores argentinos siglo XX" (2do. recital), por el pianista Guillermo Carro, con obras de Williams, Andrés Gaos, Alberto José Machado y Ernesto Drangosch.

En agosto, en el Salón Dorado del Colón se escuchará el recital "Música para piano de autores argentinos" (3er. concierto: siglo XX), con la participación del pianista Federico Oro Vojacek, y obras de Enrique Mario Casella, Ernesto Drangosch, Luis Sammartino, Arnaldo d´Espósito y Constantino Gaito.

Finalmente, en septiembre está previsto en el Salón Dorado del Colón, un recital titulado "Música vocal de cámara argentina", por la soprano Silvina Martino y el pianista Guillermo Cárdenas, con obras de José María Castro, Arnaldo D´Espósito, Ernesto Drangosch y Enrique Casella.

En el marco del ciclo Creación Nacional, en el Auditorio de Radio Clásica Nacional habrá conciertos con obras para conjunto instrumental dirigidas por Abel Ghelman y obras pianísticas a cargo de Estela Telerman. Se ofrecerán composiciones de Manuel Gómez Carrillo, Diego Borrello, Juan Carlos Zorzi, Pedro Sáenz, Juan Carlos Paz y un recital con obras de Héctor Iglesias Villoud, en colaboración con el Colegio Northlands.

Héctor Coda
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(Clarín, Argentina - 30 August 2000)
​Hoy se presenta en el Museo de Arte Decorativo
Otra orquesta en crisis
Se trata de la Orquesta de Cámara Iberoamericana, que depende de la Academia Nacional de Bellas Artes. Integrada por jóvenes, esta agrupación padece una seria crisis económica.

La iniciativa, loable, de la Academia Nacional de Bellas Artes de incorporar entre sus actividades a la Orquesta de Cámara Iberoamericana, dirigida por Virtú Maragno, podría terminar convirtiéndose en un nuevo capítulo del extenso libro de frustraciones nacionales.

Es que la Orquesta, que ofrece conciertos gratuitos con obras de autores iberoamericanos (generalmente en primera audición), tiene sólo asegurado el próximo concierto: el del hoy a las 19 en el Museo de Arte Decorativo, Libertador 1902. En cambio, para el cuarto y último concierto del ciclo no hay presupuesto. Lo que en otras palabras significa que no se hará.

Esta crisis se suma a la crisis general de las orquestas en la Argentina. Incluso, esta tercera presentación (originalmente prevista para el último miércoles de julio) estuvo en duda desde un primer momento. De hecho, la Academia de Bellas Artes le había comunicado a Maragno que el concierto no podía hacerse por falta de plata. Sin embargo, el director consiguió que la Sociedad de Autores y Compositores Españoles financiara la audición. Finalmente, hoy se podrán escuchar Canciones para soprano y arcos, de Maragno, sobre textos de Romualdo Brughetti, la Partita para cuerdas, del colombiano Blas Emilio Atehortúa, y S''ode ancora il mare, sobre poemas de Quasimodo, de Laura Baade.

El motivo de la suspensión del cuarto concierto tiene que ver con el recorte presupuestario sufrido por la Academia Nacional de Bellas Artes. Antes del recorte impositivo el presupuesto de esta institución era de 434.000 pesos. Pero ahora sufre una merma mensual del 10 por ciento debido a los ajustes del Gobierno, aunque hasta fin de año el panorama es peor. Lo que sucede es que el ajuste, al ser retroactivo al 1° de enero de 2000, no será del 10 por ciento mensual, sino que en los próximos seis meses será del 20 por ciento.

La Orquesta dirigida por Maragno se caracteriza por estar formada por jóvenes músicos: el director asistente es Juan Manuel Abras y tiene 25 años, y en el primer concierto de este ciclo presentaron el Cuarteto para arcos del compositor Sebastián Modarelli, también de 25 años. Esta obra fue distinguida en 1999 con el premio Bonifacio del Carril.

Entre otros, la orquesta de 17 músicos también cuenta con el violinista Alejandro Drago, de 30 años, y la oboísta Cecilia Maragno, de 25. Según dijo su director a Clarín, el costo mensual para mantener en funcionamiento esta prometedora formación es de entre 13.000 y 15.000 dólares. Esto es: bastante menos de 1.000 dólares mensuales por músico.

A la hora de los recortes generalmente se supone que las primeras restricciones deben darse en las actividades artísticas, confundiendo arte con frivolidad. Semejante deducción no parece comprender que las expresiones artísticas donde se rescata y valoriza las nuevas obras de los compositores iberoamericanos, donde se les da lugar a músicos jóvenes de notable formación, son justamente lo más profundo de nuestra expresión artística.

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(Clarín, Argentina - 23 August 2000)
Cultura: el notable músico Daniel Barenboim dialogó con 600 jóvenes
La lección de un gran director de orquesta
S. C

Comprensión, humor, consejos y palabras de aliento recibieron ayer jóvenes músicos argentinos por parte del pianista y director de orquesta Daniel Barenboim. Unas 600 personas aceptaron la invitación del Teatro Colón y cubrieron la platea para compartir una charla abierta en la que la música terminó siendo la plataforma para reflexionar sobre la comunicación y la tolerancia.

En este regreso de Barenboim a la patria, para celebrar los 50 años de su primer concierto, el actual conductor de la Sinfónica de Chicago y de la Opera del Estado de Berlín vivió otra jornada inolvidable. Se sentó frente al público con veinte minutos de atraso y contó por qué: un conocido de la infancia lo había invitado a volver al colegio judío donde comenzó la primaria, en 1948. Allí lo esperaban sus ex compañeros de primer grado. "También estaba el piano vertical, pésimo, donde toqué cuando tenía 6 años", recordó.

Los micrófonos fueron para los jóvenes, que ocuparon las primeras filas. Liliana, estudiante de piano del Conservatorio Municipal Manuel de Falla, quiso conocer cómo comienza a estudiar una obra. "Primero la leo fuera del instrumento —explicó—. Si me siento al piano sin dominarla, mi primera impresión va a estar influenciada por los problemas físicos de no encontrar las notas. Luego voy al piano, con paciencia. Y busco ver la forma, tener una idea clara de la estructura".

Marta, del Conservatorio Nacional, le pidió una definición sobre un buen docente de música. "¿No estás contenta con tu maestro?", bromeó Barenboim. Y afirmó que, además de conocimientos profundos de su materia, debe tener "la voluntad de despertar en los alumnos la curiosidad".

Juan Manuel Abras, recibido en composición y dirección orquestal, le preguntó acerca de la difusión de obras de autores argentinos. El maestro se explayó sobre la historia del nacionalismo musical, e hizo notar que "los movimientos políticos se ven en la música varias décadas antes. La globalización ya se nota en 1950".

Barenboim destacó las influencias mutuas entre países europeos y sus ex colonias, y subrayó la potencialidad de América latina. "Por eso me fascina la música popular. Sobre todo la brasileña, que une a tres continentes: lo rítmico viene del Africa, los conocimientos son europeos, pero el estado anímico es latinoamericano. No hay que tener miedo de identidades múltiples", instó, en medio de aplausos.

Andrea, flamante directora de orquesta, se refirió a sus dificultades para insertarse profesionalmente. El maestro le dio la razón, e hizo notar que "la profesión exclusiva de director es una invención sociológica del siglo XX. Por eso necesito continuar tocando el piano". Y sugirió a las nuevas batutas dominar un instrumento, sobre todo de cuerdas, para conocer las posibilidades sonoras del conjunto, más allá de las limitaciones de cada ejecutante.

Cuando el director del teatro, Juan Carlos Montero, anunció que la siguiente sería la última pregunta, se levantaron decenas de manos. El invitado prefirió "al más joven". "Soy Nahuel, tengo 10 años y estoy estudiando la Marcha turca de Mozart —se presentó—. ¿Cuántas horas tendría que estudiar por día?" Barenboim sonrió: "Menos de las que te dice tu profesor y más de las que tenés ganas".

A punto de dejar el escenario, se le acercó una mujer: "Hace 50 años que voy allá arriba —y señaló el ''gallinero''—. Le doy esta rosa en nombre de todos los que estamos ahí de pie". De manos del público más fiel, la recibió como una medalla.

 

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(Música Hoy. Año XVII, Nº 89, Argentina - July / August 2000)
Orquesta de Cámara Interamericana

La Academia Nacional de Bellas Artes, con el apoyo económico de la Sociedad General de Autores y Editores y la Fundación Autor de España, ha constituido una orquesta de música académica: la Orquesta de Cámara Iberoamericana, cuyo principal objetivo es la difusión de la música argentina e iberoamericana, con un repertorio que incluye a compositores de primer nivel, en su mayoría académicos de Bellas Artes de sus respectivos países y de indiscutible trayectoria.

El primer concierto de los cuatro programados para este año, se realizó en el Museo de Arte Decorativo ante un público que colmó la sala. La orquesta, conducida por su director titular, el compositor y académico Mtro. Virtú Maragno, secundado por Juan Manuel Abras (Director Asistente), dio a conocer el Cuarteto N° 1 del argentino Sebastián Modarelli, ganador en 1999 del Premio para jóvenes compositores “Bonifacio del Carril”, otorgado por la Academia Nacional de Bellas Artes. Es una obra original en su estructura multiestilística, de comunicativa expresividad. Luego se escuchó la Serenata para orquesta de cuerdas del compositor cubano Harold Gramatges, ganadora del Premio Iberoamericano de la Música “Tomás Luis de Victoria” en 1996, con sus tres movimientos, donde juegan elementos de raíz popular cubana como la “guajira”, el “son”, el “zapateo criollo” y el “bolero”, que le dan a la obra una autóctona y elocuente dinámica. El concierto finalizó con divertimento para oboe y orquesta de cuerdas del argentino Washington Castro, página que transmite en sus tres partes gran fuerza rítmica y desbordante energía. La intérprete Cecilia Maragno -a quién está dedicada la obra-, ejecutó con estilo apropiado, combinando gracia y refinamiento con una fuerza y seguridad deslumbrante' que la convirtieron en la estrella de la noche. Esta joven oboísta ganó en 1996 tres becas para viajar a Alemania, donde permaneció hasta 1999 cursando su posgrado, período en el que también actuó como solista con diferentes orquestas europeas.

La orquesta supo seguir el impulso impuesto por el director, que en las tres obras y en cada uno de los movimientos de ellas, acertó con el carácter y el sentido de los trozos, logrando versiones que el público celebró en forma incondicional.

Los próximos conciertos de la Orquesta tendrán lugar el 26 de julio, en el que se conocerán obras de Teresa Errecart (Uruguay), Virtú Maragno, sus canciones para soprano y arcos (en primera Audición) y Blas Emilio Atehortúa (Colombia) y el 30 de agosto con los compositores Laura Baade (Argentina) y Antón Gacía Abril (España). Todos serán a las 19 hs. en el Museo Nacional de Arte Decorativo, con entrada libre y gratuita.

​Isabel Cavallini

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(Buenos Aires Herald, Argentina - 26 June 2000)
Ibero-American Chamber Orchestra
The other side of classical music

Last May 31, under the auspices of the National. Academy of Fine Arts (ANBA), and sponsored by the Sociedad General de Autores y Editores as well as Spain's Fundación Autor, the Argentine public could attend a musical event highly relevant both on the national and international front: the opening concert by the ANBA's Ibero-American Chamber Orchestra, conducted by composer/academician Virtú Maragno, with young composer Juan Manuel Abras as assistant conductor.
The fact that an institution as prestigious as the National Academy of Fine Arts has engendered a new classic music orchestra is, in itself, something admirable for Argentine culture. On the other hand, the specific characteristics of this orchestra make it stand apart from its peers, turning it into something very special. Any special secret for it? Its repertoire, above all.

• No prophets at home?

The ''Latin American Night" by which Daniel Barenboim and Berlin's Philharmonic Orchestra delighted Berliners in 1998, or the "Sounds of the Americas" enchanting audiences at New York's Carnegie Hall from March 2 through March 14, 1999 with the American Composers Orchestra and Dennis Russel Davies, are evidence enough of the wealth of contemporary Latin American classical music (including Argentina's). And even though such events are so valuable to get that music known, they are still not enough. After all, is this kind of music present at all in today's Argentina?
While it is true that works by some given Argentine composers are part of several music programmes for orchestras in this country, it would be inaccurate to say that Argentine authors are as well known here as they would deserve. In countries like the US and France (even if difficulties abound, and their cultural status is described as "critical" by some of their own media) local authors are widely known. Partly, and over and above then- own merits, that happens precisely because they are local. Here in Argentina things might just start to change, thanks to the IberoAmerican "Chamber Orchestra, whose main target is to play Argentine and Ibero-American music. New awards such as Spain's Tomas L. de Victoria Prize and Argentina's Bonifacio del Carril Prize for young ANBA composers (as well as prizes awarded by different Ibero-American academies), can do a lot to accomplish such major aim.

• From Carnegie Hall to Errazuriz Palace

As said above, in March 1999 the American Composers Orchestra performed (among other scores, and under prestigious conductor Dennis Russel Davies) the “Serenata para cuerdas” by Cuban composer Harold Gramatges (winner of the 1988 UNESCO Mozart Medal and of the 1996 Tomas Luis de Victoria Ibero-American Music Prize) at the Carnegie Hall. Last May 31, Argentine audiences were able to enjoy that rendering in the Southern Hemisphere, something made possible by the Ibero-American Chamber Orchestra with a first concert at the National Museum of Decorative Arts in Buenos Aires, conducted by maestro VIrtú Maragno.

• First-rate composers

Other than Gramatges, the Ibero-American Chamber Orchestra boasts first-rate Contemporary Latin American composers playing its repertoire, most of them academically trained in their own countries. Among them are Blas Emilio Atehortua (from Colombia), known to some as the "father" of contemporary classic Colombian music, and an OAS professor; Antón García Abril (Spain), a member of the San Fernando Royal Academy of Fine Arts, winner of the Siena (Italy) International Prize to composers, and of the 1997 SGAE and AIE prize (Spain); Mario Lavista (Mexico), winner of the National Prize of Arts and Science, and a member of the Mexican Academy of Arts; Xavier Montsalvatge, the major living Catalan composer, and one of the most relevant names in Spanish music this century winner of the . Tomas Luis de Victoria Prize, and a member of the Royal Academy of Fine Arts, appointed “Chevalier” of the Order of Arts and Letters by the French government); and Hector Tosar Errecart (Uruguay), a member of the Uruguayan National Academy of Letters.

Regarding Argentine composers for the year 2000, concerts include scores by Washington Castro (a well known academician), Manuel Gómez Carrillo (who started scientific studies on music transmitted by oral tradition), Sebastián Modarelli (Winner of the ANBA Bonifacio del Carril Prize), Laura Baade (winner of the Juan Carlos Paz Prize from Fondo Nacional de las Artes), and Virtú Maragno (winner of the Inter-American Prize for composers with his “Baladas amarillas” on García Lorca texts, and a member of the International Jury awarding the Tomás Luis de Victoria Prize).
Concerts by the Ibero-American Chamber Orchestra, at the National Museum of Decorative Arts (Av. del Libertador 1902), will be on June 28, July 26 and August 30 at 7pm, with free entrance.

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(La Nación. Revista, Argentina - 05 December 1999)
¡ATENCIÓN!
Chicos pensando en el futuro

Cada caso es distinto: algunos eligen pensando en la vocación y otros, en el bolsillo. Pero la crisis actúa de modo paradójico: como ninguna profesión asegura trabajo, los jóvenes apuestan a sus propias inclinaciones.

-Cuando me bajé del sueño del pibe de ser bailarina, en tercer año, me anoté en Imagen y Sonido.

Se ríe Sol, sentada en el piso de un aula del Instituto Vocacional de Arte Labardén. Algunos que la escuchan se ríen con carcajadas gruesas y ella se pone sus ojos de chistosa y dice fuerte: -Es que yo quise ser bailarina toda la vida, pero cuando iba a entrar en la Escuela Nacional de Danza me dijeron: "No, nena, te vas a morir de hambre". Imagen y Sonido me gusta. Ya pude sacar la danza de mi vida. La hago aparte... como hobby.

Diego, Emiliano, Guido, Leandro, Diego, Nahuel, Nicolás, la miran esperando más.

-¡Y es una mierda hacer las cosas como hobby! Lo odio.

Estalla Sol, riéndose crispada, y todos se ríen crispados y ella mira como diciendo que en el fondo todo es un chiste. Pero tampoco tanto.

Argentina año 2000. El 50% de las personas que tienen entre 20 y 25 años no terminó el secundario, según datos del Indec. El 20% de la población de la misma edad pertenece a sectores de población casi marginales. Entonces, esta nota va a hablar sólo de unos pocos. De los que pudieron terminar el secundario -o están en eso- y tienen la posibilidad de elegir. Un futuro. Una carrera. Una vocación. -¿Sabés de cuánto era la desocupación en 1990? Del 6% -dice Daniel Filmus, de la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (Flacso), con voz de no poder tragar las dos cifras de este final de década-. Los que egresan hoy de una universidad son los primeros egresados de la hiperdesocupación. Por otro lado están los chicos que tienen la secundaria incompleta o completa, pero sin estudios terciarios, que tienen un futuro negro y que ni salen a buscar trabajo porque ya buscaron y no consiguieron.

Ya no hay sueños dorados de m´hijo el dotor. Hoy el título universitario no es pasaporte seguro a un salario fijo, vital y móvil. Después del título que supimos conseguir vienen el posgrado, un curso en el extranjero, alguna especialización y así hasta el final del final de la vida. -¿Te acordás de las Academias Pitman? -se pone ácido Filmus-. El logo mostraba un chico con un diploma, y te salvaba para toda la vida. Ahora los chicos saben que el diploma no los salva. Hoy, en la Argentina, un 30% de los chicos entre 15 y 24 años está sin trabajo, y esta estadística sólo baja entre los que terminan la Universidad. La escuela media es el piso mínimo necesario para conseguir trabajo.

En el Labardén, los siete magníficos cruzan gritos entre sí, conversaciones a ras del suelo.

-A veces me confundo -se ríe Sol- porque tengo un tío lejano que no sé si hizo tercer grado y era camionero y ahora tiene quinientos camiones y yo tengo mis dos papás que son profesionales, arquitecto y psicóloga, y estamos bien. Pero... somos clase media ahí.

Emiliano tiene la vida dividida entre la música y las ciencias exactas. Quiere ser licenciado en física, con posgrado en el extranjero y todo.

-La física me encanta y si voy a hacer algo por la guita, no hago nada. En la época de mis abuelos, se rompían el lomo para mandar a los hijos a estudiar. Antes tener un título te aseguraba la vida. Ahora, la vida no te la asegura nada. De última, nos hacemos linyeras. Ja.

Después, la charla deriva hacia otras cosas. Se quejan de que el CBC parece hecho a propósito para que nadie pueda aprobar, que todo cuesta tanto, que el que quiere estudiar música en la escuela de Avellaneda tiene que acampar una semana antes en la puerta para conseguir vacante, y después está el tema del secundario.

-Mirá que yo voy al Pellegrini -dice Guido, de pelo tremendo y 16 años- y la verdad, estudié dos veces en el año.
Leandro tiene 20 años, estudia magisterio en el Mariano Acosta. Hizo la especialización en música en el Labardén y adoraría vivir de eso. Ese es su rayo. El fuego que lo quema. La música. Por ahora, por las dudas, se está haciendo maestro.

-Te ponés a pensar y decís: "Loco, voy a ser el maestro del siglo XXI ¡y tengo faltas de ortografía!" Daniel Filmus arriesga que la contrapartida de una situación laboralmente endeble es que al menos hay más gente eligiendo lo que les gusta. Algo así como "si vamos a morir de hambre, llevémonos las botas puestas". Si bien en la UBA las inscripciones siguen siendo mayoritarias en facultades que dictan carreras tradicionales -Medicina, con 11.575 personas en 1999, y Económicas, con 13.107-, las ciencias sociales crecieron de 3980 inscriptos en 1995 a 6360 este año. Pero Filmus asegura que ni la escuela secundaria ni la Universidad preparan para la realidad del mercado. A Axel Escudero, por ejemplo, nadie le avisó nada, cuando a los 18 empezó periodismo en la Universidad de Belgrano. -A los 18 quería ser periodista y nada más, y ahora veo que el mercado no necesita periodistas. Si pudiera volver atrás elegiría otra carrera que me guste, pero que me permita vivir. Cuando terminé el secundario dije: "Voy a seguir el llamado de mi vocación para no frustarme". Es imposible no pasar por una universidad, pero también hay que hacer cursos, computación, idiomas. A esta edad, el 60% de mi sueldo va a parar a mi educación, pero yo no puedo prolongar esta situación hasta los 30 años. Rocío es hermana de Axel y tiene 19 años. A los 18 le dijeron que tenía que trabajar y ella trabajó. Debe algunas materias del secundario. Usa piel pálida, pecas -pocas- y un montón de vocaciones de las cuales ha elegido estudiar una: psicología, porque necesita título para ejercer y además le encanta. Le da también por la decoración, el baile, el diseño. A Rocío le dicen Río, quiere 6 hijos, tiene juanetes, es tentada, decora todo lo que se le cruza en el camino y tiene sueños. De los caros y de los baratos.
-Soy muy voladora, pero realista, y muy optimista con lo que vendrá. No sé por qué, no creo que me vaya mal con cualquiera de las cosas que me gusta. Si soy psicóloga, no voy a ser nada más psicóloga. Uno de mis sueños caros es bailar en un espectáculo en Londres con Mikhail Baryshnikov. Y de los baratos... hacer un curso de fotografía.
Alexander Klosinski es rubio casi blanco y de ojos celestes. De 21 años. Trabaja nueve horas por día en una heladería. Esta mañana está sentado en una sillita de colegio, en el Servicio de Orientación Vocacional del hospital Borda, terminando un test de orientación que tiene fama de ser uno de los mejores de la ciudad. El primer impulso de Alex fue ser guardaparque.

-Pero ya no. Porque quiero estar con una mujer que pueda trabajar, chicos que vayan al colegio, y es egoísta que todo el mundo tenga que seguirme por los parques nacionales de medio país. Entonces, ahora pienso en veterinaria. En algún momento pensé en análisis de sistemas porque tenía entendido que era una carrera con más posibilidades económicas. Menos mal que me pincharon el globo. No quiero que mi carrera me dé una situación económica holgada, sino un poquito de felicidad.

El Servicio de Orientación Vocacional del hospital Borda ha recibido un aumento de demanda desde 1993 hasta 1998 de un 200%. Cada dos meses, 380 personas -de todas las edades, porque el servicio también acepta adultos- pasan por allí buscando un futuro donde calzar las patas.

-En este momento -dice Dulce Sauaya, al frente del servicio- vemos que la tecnología ha dejado muchos espacios en desuso y abrió otros que casi no se conocen. Esa es la complejidad de la orientación en este momento.

Dicen, pero sólo dicen, que muchas de las profesiones que existirán en el futuro todavía no pueden estudiarse en forma de carrera por la sencilla razón de que no existen. Por otra parte, cada vez es mayor el riesgo de empezar a estudiar una carrera y que, al terminarla, esa carrera ya no tenga aplicación.

-Muchos de los padres de los chicos son profesionales que sienten una gran decepción de sí mismos -sigue Sauaya- por la degradación del lugar del profesional, porque ahora son empleados mal pagos o desocupados. Eso se transmite, el padre no quiere que el hijo repita su propia historia. En este servicio, en 1994 notábamos una dicotomía total: lo que me gusta y lo que tengo que hacer para vivir. Hoy, la incertidumbre atraviesa todos los campos y no hay carrera que garantice la inserción en el mercado laboral, con lo cual apuntan más a lo que les gusta.

Si en 1993 el 24% de las personas que consultaban este servicio se inclinaba por carreras relacionadas con la salud, en 1998 el porcentaje había bajado al 8%. Las ciencias sociales pasaron del 7% al 10% en ese período. Económicas y jurídicas se mantienen firmes y la educación está en franca retirada (del 16% en 1988 al 9% en 1998). Ciencias de la comunicación subió de un 7% en 1988 a un 12% en 1998. Las artes se mantienen en crecimiento: de un 2% en 1988 a un 3% en 1998. Esta mañana, en una reunión de seis o siete varones que están terminando su test vocacional en el Borda, hay un chico de nombre Damián. Parece que Damián ha insinuado que le gustaría dedicarse a la política y ahora ya hace media hora que todos lo fustigan y machacan sobre la imposibilidad de ser honesto y ser político. Días después, hablando con Damián por teléfono, esquiva el tema, dice que todo fue un equívoco, que lo de la política no es fuerte, que alguien le preguntó algo y él dijo por decir, que su padre trabajó en algún cargo durante el gobierno de Illia y que una vez fueron juntos a una marcha por lo de Cabezas a Pinamar, que de casualidad se subieron a un micro de los radicales. Y ahí, dice casi pidiendo disculpas, se le ocurrió que alguna vez podía militar. Aquella mañana en el Borda, alguien comentó por lo bajo que si Damián hubiera dicho que quería ser policía lo hubieran tratado mejor.

Alcira Romano es licenciada en psicología y especialista en creatividad empresaria.

-En el futuro va a haber poco empleo, pero nunca va a desaparecer el trabajo. De todos modos, a estos chicos el futuro se les presenta promisorio, saben que van a tener que estudiar toda la vida, pero son más flexibles que los adultos, y a la hora de elegir una carrera piensan más en lo que les gustaría hacer, no en lo que va a ser rentable o los va a ayudar a conseguir trabajo, porque esa respuesta no la tiene nadie.

Martín Garrocho, 18 años, nieto e hijo de artistas, vocación por la pintura desde que tiene memoria. Apenas terminado el secundario se anotó en el CBC para diseño gráfico, pero salió corriendo espantado ante la sensación de cárcel, de ministerio ruso a la antigua que le provocó la Ciudad Universitaria.

-Ese cuatrimestre me cambió la vida. Fue la primera vez en mi vida que tuve que dejar de pintar. Los lugares se llaman con nombre de cárcel, pabellón A, pabellón B. Todo parece hecho para desanimarte, el entorno, la carga horaria. Ahora estoy pensando en hacer publicidad en una privada. Además, estoy yendo al taller de pintura de Sergio Bazán, que antes lo daba Kuitca. La vocación de la pintura ya ni la pienso. Con eso no puedo volver atrás. Pero esa vocación sola es un poco frágil. Necesito reforzarlo con algo que también me guste, como puede ser el diseño publicitario, la escenografía de publicidad. El futuro lo veo con optimismo absoluto, porque no quiero ser millonario, quiero tener la plata necesaria, nada más.

Carolina Giordano dice que es el mismo apellido, pero que nada que ver. Tiene 15 años. Está haciendo el secundario y estudia canto con una profesora particular, además de estar formando su banda de música muy grunge. Quiere ser estrella del rock, pero además va a estudiar licenciatura en publicidad.

-Quiero tener un título, pero me veo viviendo como estrella del rock and roll. A las personas que fueron a la Universidad se les nota que son diferentes. Yo la veo a mi vieja, que es ingeniera agrónoma, y eso se percibe. Además, si por ahí me hago vieja, o me canso de la música, triunfo en la publicidad. Mi mamá me dice que haga lo que quiero hacer, que no hay que bajar los brazos, pero en su mente no creo que crea que puedo llegar a algo con la música. La gente más grande está resignada. Uno dice: "Yo quiero ser cantante" y te dicen: "Sí, a tu edad yo decía lo mismo, pero después terminás lavando pisos con tal de darles de comer a tus hijos". La mayor frustración sería que todo lo que me dijeron ellos resulte verdad. Que todo termine siendo difícil, que meterse en el mundo de la música sea difícil, que irme a vivir con mis amigas a los 18 termine siendo difícil. Eso sería lo peor. Tener que darles la razón. Igual, soy superoptimista. Creo que hay que tener talento y suerte, y saber mezclarlos. Si tenés el don, y además te gusta, es perfecto. No puede salir mal.

El otro día, la mamá de Ana Clara se hizo la carta astral y le salió que su hija iba a tener mucha plata, entonces ahora Ana Clara se ríe y dice que la vocación por la ingeniería industrial se la robó al ex novio de su hermana, que le fue prestando libros y ella se enamoró del álgebra. Pero de ser una de las mejores alumnas de un colegio privado, católico, de monjas y señoritas, pasó a ser la vergüenza de la casa haciendo un CBC en el que fue la más bochada. -Yo no le echo la culpa al colegio ni nada, pero no te preparan para estudiar en la Universidad. Yo aplicaba el mismo método del secundario. Y lloraba. Mi papá me miraba y me decía: "Bueno, Any, si te va mal con esto seguí maestra jardinera". Yo no podía creer que mi propio papá me dijera eso. Ahora disfruto a pleno de lo que estudio. Supongo que es difícil el futuro, pero confío en que voy a trabajar de lo mío y a los 40, que es cuando ya no servís para el mercado, parece, tendré algo propio.

Federico Quiroga tiene 18 años y va al Lengüitas. A él lo salvó el campito de papá en Santa Teresita.

-Me gusta escribir, pero no sé si dedicar mi vida a la escritura, o al campito, o a medias. Entonces voy a estudiar para ingeniero agrónomo. Ese es el plan A. Después tengo muchas ideas para hacer plata. Poner un restaurante económico donde haya un único plato, mil kilos de ravioles, y van todos y pagan un peso. Después, también está la idea del globo. Un globo aerostático con piso de acrílico para mirar para abajo, y llevar gente de paseo. Pero lo más realista es lo del campo. Hasta hace un mes iba a seguir letras. Después se me ocurrió que iba a vivir a mate cocido y pan. En Ingeniería me fijé las materias y son dos años de unas que odio, química, biología, y tres años de cosas lindas: suelos, climas. Cuando saque plata del campo, me compro el globo. Sé que es una suerte lo de tener el campito. Si no tuviera el campito, Dios mío, estaría traumatizado.

Jorge Mena es psicólogo y docente e investigador de la Facultad de Psicología de la UBA.

-Aparece desdibujada la idea de que las carreras tradicionales como Abogacía, Medicina, Económicas, aseguran el futuro económico. Para correr el riesgo de morirse de hambre, prefieren la incertidumbre económica haciendo lo que les gusta. Muchos chicos han pasado por la experiencia de que los padres pierdan el trabajo y eso los hace pensar en una realidad hostil.

Julia Arango va al colegio privado mixto -caro- San Agustín. Se mueve poco del Barrio Norte en el que nació. Dice que cuando empezó a ir al Borda para hacer el curso de orientación vocacional se asombró de ver cómo eran otros barrios, otras gentes. Se anotó en Económicas para el año que viene. Quiere una seguridad, un futuro. Vean, para saber que todo deja marca: -A mi papá lo echaron de la empresa donde trabajaba cuando yo tenía 10 años. Al poco tiempo consiguió trabajo de nuevo, pero me marcó bastante eso. Estaba en lo de mis abuelos y ahí me enteré. Mi abuela lloraba y yo me veía mendigando. Después tengo como una laguna hasta que consiguió trabajo de nuevo y todos respiramos.

Santiago Noguer estudia Ingeniería Mecánica en la UBA y trabaja en una empresa de pinturas. Su papá es licenciado en administración de empresas. Trabajó en una 18 años y un día lo despidieron.

-Eso fue hace tres años. Ahora trabaja en una compañía de seguros, pero en aquel momento tuvimos que salir a trabajar todos. La carrera me va a costar mucho porque trabajo ocho horas por día en una empresa de pinturas y cuando termino no puedo más. Cuando a mi viejo lo despidieron, nos lo dijo mientras estábamos cenando. Me agarró toda una cosa así en el cuerpo... Nos cayó como una bomba. Alguno después, en su intimidad, habrá llorado.
Nicolás tiene 17 años y Gastón 18. Los dos van al San Vicente. Nicolás se anotó en Económicas. Le gusta y confía en que le va a asegurar un porvenir. Confía en casi todo, Nicolás. En el país, que está mucho mejor que hace unos años, y en que el rugby le va a seguir dando los mejores amigos que la vida puede dar. Juega en el Alumni. -Me siento muy feliz porque soy consciente de que no es fácil poder ir a un colegio como el que yo voy, donde me pueden formar bien, según ciertos valores, y que no todos tienen la posibilidad de jugar al rugby. La verdad es que yo no he conocido directamente gente en una mala situación económica, pero en el colegio hay un grupo de misión que va a Cafayate, y uno escucha lo que ellos cuentan y la verdad que esa gente la tiene que pelear mucho. Lo que hacen estos chicos de misionar me parece admirable. Yo no voy porque no me hallo. ¿Sueños? No. Desde que era chiquito dejé de pensar en cuál podía ser mi sueño. Tener una familia, ser feliz, supongo.

Gastón tiene 18. Se va a tomar un año en Europa con amigos antes de empezar Ingeniería Industrial en la UBA. La sinceridad del tipo.

-Yo quiero ser exitoso. Me veo en un sillón de directorio. Soy ambicioso y optimista. Estoy muy contento porque saco la billetera y tengo 10 pesos para ir a bailar y vivo en Barrio Norte, pero a la vuelta de la esquina hay gente que no tiene nada. Estoy contento con mi realidad; pero, claro, eso es egoísta. Me parece que con el colegio sólo no alcanza para educarte. Nunca estuve en una villa, por ejemplo, y hasta que no lo vivís en carne propia no se te abre la cabeza. Cuando los pibes que van al colegio lleguen a grandes y no les alcance la guita se van a dar cuenta de la realidad del país, de lo que está afuera del raviolcito. Que no todo el mundo vive como yo.

-Cuando estés en la silla del directorio, ¿te imaginás como un tipo misericordioso?

-No sé. Es muy fácil decirte que voy a compartir todo lo que tengo, pero sería muy hipócrita. Tengo entendido que la gente de mucha plata es muy tacaña. No sé.

Soledad Murugarren es compañera de colegio de Gastón, Julia y Nicolás. Tiene 18 años y va a seguir Letras en la UBA porque quiere escribir y le encanta leer, aunque no tiene la más pálida idea de qué tipo de trabajo podría conseguir con ese título, salvo el de profesora. Trabajo que, claro, detesta.

-Me anoté en la UBA porque quiero salir de la burbuja de mi colegio. Hace un tiempo me anoté en inglés afuera y había gente que no podía pagar las clases del mes y ahí me di cuenta de que hay cosas que yo ni me entero. Para mí es importante hacer lo que me gusta. Con el talento y las ganas me va a tener que alcanzar. Me angustia mucho la resignación. Me acuerdo que una vez estábamos cenando y comenté algo de mis ideales, y mi viejo me dijo: "Sí, yo pensaba lo mismo a los 18 y después se me pasó". Me puse a llorar en la mesa. A mi viejo le causó gracia, y yo cada vez lloraba más. No me entra en la cabeza que la gente pueda perder sus ideales. Yo no los voy a perder. Sé que me va a costar, porque ahora estoy en buena situación económica y con esta carrera muy bien no voy a estar, pero eso también forma parte de crecer.

Silvestre tiene 20 años, trabaja de lunes a viernes, de 9 a 6, de cadete en una oficina, y de miércoles a sábado en Niceto, una disco y restaurante. Está ahorrando para hacer un viaje y después sí, de cabeza a la Universidad. Aunque antes tiene que dar materias del secundario.

-Quiero estudiar. Ciencias políticas. Derecho. Periodismo. Vocación no tengo. Nada. Cero. Soy rápido con los números, negocios. Quiero estudiar para decir tengo una carrera, un título. Porque si no seguís como va todo el mundo, sonaste. Pero me gustaría poner un buen restaurante. Yo me imagino más como un buscavidas que como un profesional. Un tipo que hace negocios, cosas así.

Sergio Rascován, presidente de la Asociación de Profesionales Orientadores de la República Argentina (Apora), dice que esto de que alguien pueda preguntarse qué le gustaría hacer del resto de su vida es muy nuevito. Típico de sociedades capitalistas modernas. En la Edad Media nadie andaba por allí preguntándose qué quería ser cuando fuera grande.

-Hoy estudiar no es garantía de trabajo ni llave de ascenso social, pero los que estudian se sienten más protegidos, menos expuestos a una sociedad muy competitiva. Hay dos posiciones: una es la de los que dicen me importa un cuerno si me gusta lo que estudié porque lo que yo quiero es hacer guita, y la otra que es la de los que dicen quiero hacer lo que me gusta y punto. Yo diría que hay que encontrar un equilibrio entre las dos. A mí me parece que si se entiende por vocación un deseo asociado a una única profesión, la vocación no existe. Si por vocación se entiende un impulso fuerte que se va a ir construyendo y reconstruyendo a lo largo de la vida, que no es una sola, y que hay aspectos vocacionales que se resolverán en prácticas no profesionales, la vocación existe. En general se vive como una cosa de persecuta: ¿tengo la vocación, no tengo la vocación? Hay que tranquilizar la cuestión.
El Conservatorio Superior de Música Manuel de Falla tiene 2500 alumnos, 300 profesores y cuatro sedes. La demanda es enorme. Si se pudiera incorporar la lista de aspirantes completa, se podría abrir un instituto para otros 2500. El promedio de edades de los alumnos es de 18 años. La mayoría estudia y trabaja en algo casi siempre relacionado con la música. El Manuel de Falla es un sitio por el que se cuelan los ruidos. Las paredes son delgadas, y hay ruidos de pies, de voces, de flautas, ruidos de risas, ruidos de clases. Eduardo Sasiaín y Juan Manuel Abras tienen 24 años, y Gisela García Gleria, 27. Son alumnos del instituto a punto de egresar. Esto quiere decir que, a pesar de que hace más de diez años que están estudiando música, apenas les quedan dos o tres más. Gisela estudió además Ingeniería Textil en la UTN, pero ahora que las textiles tienen la mala costumbre de estar en quiebra, la carrera le sirve poco.
Juan Manuel está estudiando licenciatura en historia paralelamente a la carrera de Composición y Dirección Orquestal. Eduardo estudia música hace once años y tiene casi tantos títulos como dedos en las manos: es maestro de música, director de coro, está haciendo la carrera de flauta dulce y travesera. Tiene 85 materias aprobadas, y todavía tiene para tres años largos. Toca en casamientos, bar mitzvás, fiestas de quince, y es maestro de música en dos colegios privados y dos estatales. Cuarenta horas semanales de trabajo. Más el estudio. Más los bar mitzvás. Y él dice que es absolutamente feliz. Que puesto a elegir, elegiría una y otra vez lo mismo, lo mismo, lo mismo, lo mismo.
-A veces uno piensa que estudió 12 años para trabajar en un colegio en el que a los chicos ni siquiera les interesa la música, y es un poco molesto, porque los maestros de grado estudian dos o tres años. Igual, me encanta laburar con chicos. Verle la cara a un pibito del jardín de infantes cuando le gusta algo que le enseñaste... no se puede ni explicar.
Juan Manuel dice que si a uno le gusta algo como la música no se puede escapar. No existe opción. Eduardo confiesa que a veces se sorprendió pensando: "Pucha, por qué no me gustará algo más rentable". Cuando salió del secundario hizo trampa: estudió un año de ingeniería en sistemas para asegurarse un porvernir, pero un día se puso a llorar y dijo: "Ma sí".

-... ma sí, sigo con la música. Me dio miedo llegar a los 50 años con un sueldo de 12 lucas y preguntarme: "¿Y si hubiera estudiado música?" Pero está mal que no te avisen cuando empezás a estudiar que hay cosas que te aseguran mejor posibilidad de trabajo. Por ejemplo, todos se meten en piano, pero nadie te dice que si estudiás corno o fagot tenés muchas más oportunidades. De fagot, hay un solo estudiante.

Julia Gastellu tiene 17 años y vive en Baradero, con madre y padre. Tiene tres hermanos en Buenos Aires y uno en Rosario. La mamá es profesora de historia y el papá agricultor jubilado. El año último hizo un curso de orientación vocacional. Tenía la idea de hacer Letras, pero con el curso descubrió Antropología y se anotó en la UBA.

-Todo el mundo te pregunta si es la carrera de buscar ruinas, y decís que no, y si es la de desenterrar cacharros y decís que no. Cuando les explicás qué es, te recomiendan que sigas carreras contables. "¡Uh!, con esa carrera te vas a morir de hambre." No tendrías que estar condicionada por tantas cosas para elegir una carrera. Hay gente que estudia administración de empresas y un buen día dice: "¡Ah!, mi sueño era ser director de cine". Claro que está en cada uno arriesgar o no, pero hay un montón de factores que no ayudan.

Los ojos de Sabrina Alcaraz son azules clarito. La piel de 17. Estudia en el Lengüitas, después de haber hecho hasta cuarto año en colegios privados. Va a estudiar Ciencias Políticas en la UBA, aunque por momentos también piensa que tiene vocación religiosa. Va mucho a la parroquia de María Betania y le encantaría ir al Africa para ayudar a la gente pobre, pobre gente de Mozambique.

-También tengo mucha inclinación artística. El otro día le decía a mi papá que no entiendo cómo no terminé en una carrera artística y me dijo: "No, porque te hubieses muerto de hambre". Yo sé que hubiera sido una lucha si hubiera elegido algo artístico. También me gustaba psicología, como mi mamá, pero ella me dijo que me iba a morir de hambre. A mí me gusta mucho lo que voy a estudiar, pero veo que muchos compañeros eligen una carrera por descarte, por una salida económica, y que a su vez la gente grande no piensa que nosotros podamos cambiar nada. Te dicen que te salves solo. Dicen que la juventud está perdida. Yo veo que la gente grande está tan apagada...

Dice Sabrina y la piel le hace tin, un resplandor de luz.

-Y yo quiero estar encendida.

Texto: Leila Guerriero
Fotos: Daniel Caldirola
Producción: M.Liceaga

• Anahí y Magalí, por amor al arte

Magalí tiene 16 años. Anahí Pankonin, también. Son compañeras de un secundario del Estado y del Instituto Labardén. Magalí quiere estudiar plástica en la Prilidiano Pueyrredón, pero para asegurarse algún ingreso va a hacer primero el magisterio. Anahí apuesta al teatro y supone que se ganará la vida como camarera hasta que trabaje como actriz.

Magalí: "Mi idea es hacer el profesorado de Arte Plásticas. Me emociona trabajar con nenes y pinturas, pero me preocupa bastante el hecho de no poder bancarme. Sé que con la carrera de Artes Plásticas voy a ser bastante pobre. Lo sé. Igual ni loca haría algo que no me gusta para bancarme económicamente. Mi mamá es docente y mi papá es buzo. Yo los aplaudo porque los veo cansadísimos a los dos, pero hacen lo posible para hacer lo que les gusta. Yo con comer, tener un lugar para vivir, listo, para qué más".

Anahí: "Mis viejos son antropólogos y trabajan como artesanos. A mí nunca me faltó nada. No quiero tener algo que no tuve. Parece raro, pero nunca pensé en estudiar o no algo por la plata. El miedo que tengo es de no servir. Ser una mala actriz". Magalí: "Sí, yo de hecho creo que no soy muy buena. Es el miedo más grande. Digamos que estoy convencida de que voy a intentarlo. De todo el resto, no".

• El mundo según Hugo

Hugo Simkin es hijo de socióloga y de músico. Tiene 18 años y está terminando el Lengüitas. Trabaja los fines de semana en un videoclub de Palermo Viejo, llevando películas a domicilio. Dibuja como los dioses.
-Me gustaría vivir como ilustrador más que como historietista. Tengo ganas de irme a España a estudiar diseño gráfico. Hoy es difícil la salida laboral, entonces prefiero morirme de hambre con lo que me gusta. No deberías llegar a quinto año y decidir lo que va a ser el resto de tu vida. Hasta acá uno hizo jardín, primaria, termina el secundario y de golpe todo depende de uno. Yo me manejo con una lista de profesiones y voy tachando. Hay cosas que ya no puedo ser: futbolista, concertista de piano. Bombero todavía no la taché. Astronauta, sí. Confío en que si tenés un poco de capacidad y un mínimo de voluntad tenés que abrirte camino. La plata no me preocupa, no quiero autos y sofás. La realidad es que voy a terminar siendo taxista y les voy a guiñar un ojo a los pasajeros por el espejito y les voy a decir: "Así como me ve, yo a los 18 me quería ir a estudiar afuera. Y mire cómo terminé", y entonces el tipo me va a contar sus problemas económicos. Pero al menos tengo una idea de lo que quiero hacer. En mi colegio hacían talleres de cómo ser exitoso y había gente que decía: "Estoy entre bioquímica y corte y confección". Una vez hice un test vocacional, te dan una lista de cien libros y te dicen elegí uno. Todos se llamaban La aritmética y yo, Me gusta ser médico. Pero si yo supiera qué quiero ser no tendría que ir ahí. El libro Dibujando historietas no estaba. Lo que era arte te lo metían en un libro que se llamaba Haciendo arte. Igual, en este país está todo mal desde la Revolución de Mayo. Uno está en el almacén y entra una vieja y dice: "Es el peor momento del país". Mentira. Siempre estuvo mal. Todos los años escucho que es el peor momento del país. A mí me parece que toda la gente está muy hecha bolsa. Que todo el mundo está destruido. Que hay muchas cosas para sufrir en el mundo y cosas para ser feliz. Yo prefiero tratar de ser feliz.

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